Giunta alla terza edizione, Emerge35 è una stimolante serie di iniziative artistiche che stanno mettendo in evidenza il talento straordinario di artiste che risiedono nel territorio regionale, offrendo un’opportunità imperdibile per esplorare le visioni fresche e audaci delle menti creative locali.

A Castle on a Cloud è una mostra di quadri accomunati dall’utilizzo della stessa tecnica: sono stati usati colori acrilici su tela, con l’ausilio di pasta strutturale che, con la sua trama, crea giochi di rilievi e ombre.

Pur essendo astratti, ogni quadro sembra invitare chi l’osserva a entrarvi dentro, come accompagnandolo non solo in un viaggio di colori e luci, ma anche a immergersi in un paesaggio, sia esso un mare, una foresta o un profondissimo cielo.

L’artista

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“Skate & Make” nasce con l’obiettivo di valorizzare una comunità estremamente creativa e dinamica, ampliando il focus all’intero ecosistema creativo che ruota attorno a queste discipline: non solo tavole e pattini, ma anche artigiani, artisti e maker che contribuiscono a definirne l’estetica e l’identità.

In esposizione fotografie, skate, pattini quad e produzioni artigianali che raccontano un linguaggio visivo contemporaneo, radicato nella cultura urbana.

La mostra, organizzata dall’associazione 18:18, verrà presentata alle 18:18 di sabato 21 marzo e sarà accompagnata da un live in versione acustica degli Sneaky Toy, band triestina punk rock, in linea con l’energia e l’identità dell’evento.

Anche questa volta è previsto un calendario di eventi collaterali, tra cui un workshop di marbling a cura di Marija Milic (EXTRAVACAT) e attività di scrapbooking, pensati per coinvolgere attivamente il pubblico e rafforzare la dimensione partecipativa del progetto. Informazioni e aggiornamenti saranno disponibili sulla pagina Instagram dell’associazione (@1818_artacrossborders).

“Skate & Make” sarà visitabile dal 21 marzo al 24 aprile, il giovedì e il venerdì dalle 17 alle 19.

Espongono: Laura Mandich, Alexis Matera, Luis Tomizza, Giulia Cianciolo, Marija Milic, Irene Dose, Francesco Coren e trstcrew.

La partecipazione alla mostra e agli eventi è gratuita con tessera associativa.

La mostra

Strade, marciapiedi, piazze, gradini e architetture: la città come infrastruttura attiva di sperimentazione e incontro. È proprio l’ambiente urbano a generare la cultura skate e rollerskate, configurandola come stile di vita e sottocultura fondata su creatività e senso di appartenenza.

Nate insieme alla fine degli anni ’70, queste due discipline condividono origini, spazi e innovazioni tecniche, sviluppandosi come pratiche intrecciate fin dall’inizio. “Skate & Make” racconta questa condizione condivisa, portando con sé l’intero ecosistema culturale che si sviluppa attorno ad esso.

All’interno dello spazio 18:18, skateboard, pattini quad, fotografie, magliette e accessori diventano tracce materiali di una cultura profondamente radicata nello spazio urbano. Ogni oggetto esposto rappresenta una finestra su questo ecosistema, permettendo al visitatore di entrare in contatto con le pratiche e l’immaginario che nel tempo hanno plasmato questa realtà.

Ogni oggetto esposto rappresenta una finestra su quel mondo, permettendo al visitatore di entrare in contatto con le pratiche e l’immaginario che nel tempo hanno plasmato questa realtà.

Le tavole consumate emergono come veri e propri diari di movimento: dai graffi ai lati, tracce degli slides e dei grind, agli adesivi strappati, pronti a rivelare gusti personali e frammenti della storia e dell’identità di chi ha utilizzato quella tavola.

Allo stesso modo, la personalizzazione dei pattini (disegni a pennarello e modifiche tecniche) evidenzia una relazione diretta con il proprio strumento. In questo contesto, la componente DIY (Do It Yourself) è essenziale: skater e rollerskater assemblano, modificano e ottimizzano autonomamente tavole e pattini.

Si tratta di una risposta culturale all’assenza di soluzioni predefinite: creare strumenti e opportunità dove mancano. Questa logica si estende all’intero universo visivo: grafiche su t-shirt e oggetti quotidiani diventano vettori di appartenenza e posizionamento culturale.

Anche la fotografia occupa un ruolo centrale. A differenza di molte altre pratiche artistiche o sportive, la fotografia di skateboard e rollerskate nasce quasi sempre dall’interno della comunità stessa. Gli scatti infatti non sono realizzati da osservatori esterni, ma da persone che condividono quei mondi. Le immagini vanno quindi oltre la semplice documentazione, diventando sinonimo di partecipazione.

La mostra non cerca di spiegare tutto questo in modo lineare. Piuttosto, mette in relazione elementi, lasciando emergere la connessione tra le due discipline. “Skate & Make” diventa quindi un luogo di convergenza per questa comunità estremamente creativa e dinamica: uno spazio vivo e in continua trasformazione.

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Sabato 14 marzo 2026 alle ore 11, presso lo spazio espositivo della Biblioteca civica Giuseppe Zigaina di Cervignano del Friuli verrà inaugurata la mostra Dialoghi sulla linea dell’orizzonte. A mio padre, alla mia terra, dello scultore Marco Petean (leggi l’intervista), curata da Diana Cerne e presentata da Francesca Agostinelli.

La mostra è promossa dal Comune di Cervignano del Friuli con il patrocinio del Museo Galleria Premio Suzzara, del Comune di Suzzara (Mantova), del Comune di Aquileia e della Fondazione Società per la conservazione della Basilica di Aquileia.

Per la prima volta nella sua città, Petean espone le sue sculture in terracotta policroma, opere che lo accompagnano in un viaggio attraverso la memoria personale e quella del suo territorio, dove l’arte si fa linguaggio capace di instaurare e ricucire legami, rivelando storie e vissuti.

Idealmente l’artista colloca il proprio racconto ponendosi in riflessione di fronte alla linea dell’orizzonte che attraversa la Bassa Friulana come una promessa silenziosa: un confine visivo che al tempo stesso separa e unisce, custodendo memorie e svelando identità.

È lungo questa linea — non soltanto paesaggio ma anche linea mentale, spazio sospeso e soglia simbolica — che prendono forma i “dialoghi” evocati dal titolo della mostra: dialoghi tra interiorità e vita, tra epoche, persone, luoghi e linguaggi artistici.

Quell’orizzonte raggiunge per l’artista la sua massima intensità poetica proprio alle spalle della casa della vecchia stazione di Belvedere di Aquileia, dove è nato suo padre: un punto in cui mare, colline, montagne e il cielo della regione sembrano congiungersi in un unico respiro visivo e simbolico.

Proprio lì per l’artista l’orizzonte diventa campo di tensione esistenziale dove l’uomo contempla, interroga, dialoga con l’infinito e scopre la propria finitezza.

Petean rappresenta i luoghi della sua infanzia come luoghi interiori prima che reali, paesaggi dell’anima in cui la memoria familiare, la trasformazione ambientale e la stratificazione storica si fondono in una narrazione carica di malinconia, nostalgia, mistero e bellezza.

La valle di pesca di Belvedere, la collina su cui si erge la chiesa di San Marco, la spiaggia di Belvedere, la vecchia stazione — compongono una geografia intima e quasi metafisica.

Luoghi un tempo popolati, rumorosi, immersi in una vegetazione vitale, oggi appaiono progressivamente spopolati, immobili e silenziosi, mentre la natura, lentamente, si riappropria del proprio spazio, fagocitando la testimonianza della presenza umana. I rumori si rarefanno lasciando il posto al silenzio, ai versi degli animali e ai rumori della natura, creando quasi un palcoscenico teatrale che sembra sospeso in un tempo bloccato, in attesa.

Il paesaggio diviene metafora dell’esistenza, di ciò che appare immobile ma custodisce in realtà una lenta trasformazione, una vita sotterranea che induce a riflettere sul senso della memoria e della permanenza.

I Teatrini in terracotta, per i quali l’artista è conosciuto, in questa esposizione, divengono quindi il medium privilegiato per dare forma ad un atto d’amore, di restituzione e riparazione nei confronti del proprio territorio e della figura paterna, cardine della memoria e della costruzione identitaria.

Essi custodiscono i frammenti di vita e racconti lontani, restituendo colore ad immagini sbiadite e nuova presenza a luoghi e persone care. Il suo è un atto di preservazione della memoria degli individui comuni, quelli che la storia tende a dimenticare.

L’artista tramite le fotografie e i racconti del padre ottantenne, crea un nuovo legame, ancora più profondo, ricostruendo la sua esperienza di bambino che nella metà degli anni cinquanta, lascia il suo paese nativo e la sua famiglia per intraprendere la strada del seminario.

Una “piccola memoria” scolpita nell’argilla si fa universale, diventa archivio dell’anima e reliquia, un punto di contatto eterno tra padre e figlio.

Orari

La mostra sarà visitabile fino al 16 maggio nei seguenti orari: lunedì, mercoledì, giovedì e venerdì 9-12/15.30-19, martedì e sabato 9-13.

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Per la prima volta nella sua città, Marco Petean espone quindici sculture inedite in terracotta policroma, opere che lo accompagnano in un viaggio attraverso la memoria personale e quella del suo territorio, dove l’arte si fa linguaggio capace di instaurare e ricucire legami, rivelando storie e vissuti.

Idealmente l’artista colloca il proprio racconto ponendosi in riflessione di fronte alla linea dell’orizzonte che attraversa la Bassa Friulana come una promessa silenziosa: un confine visivo che al tempo stesso separa e unisce, custodendo memorie e svelando identità. È lungo questa linea — non soltanto paesaggio ma anche linea mentale, spazio sospeso e soglia simbolica — che prendono forma i “dialoghi” evocati dal titolo della mostra: dialoghi tra interiorità e vita, tra epoche, persone, luoghi e artisti.

Petean rappresenta i luoghi della sua infanzia come luoghi interiori prima che reali, paesaggi dell’anima in cui la memoria familiare, la trasformazione ambientale e la stratificazione storica si fondono in una narrazione carica di malinconia, nostalgia, mistero e bellezza.

Il paesaggio diviene metafora dell’esistenza, di ciò che appare immobile ma custodisce in realtà una lenta trasformazione, una vita sotterranea che induce a riflettere sul senso della memoria e della permanenza.

I Teatrini in terracotta, per i quali l’artista è conosciuto, in questa esposizione, divengono quindi il medium privilegiato per dare forma ad un atto d’amore, di restituzione e riparazione nei confronti del proprio territorio e della figura paterna, cardine della memoria e della costruzione identitaria. Essi custodiscono i frammenti di vita e racconti lontani, restituendo colore ad immagini sbiadite e nuova presenza a luoghi e persone care. Il suo è un atto di preservazione della memoria degli individui comuni, quelli che la storia tende a dimenticare.

L’artista, tramite le fotografie e i racconti del padre ottantenne, crea un nuovo legame, ancora più profondo, ricostruendo l’esperienza del padre bambino che, nella metà degli anni Cinquanta, lascia il suo paese nativo e la sua famiglia per intraprendere la strada del seminario.

Una “piccola memoria” scolpita nell’argilla si fa universale, diventa archivio dell’anima e reliquia, un punto di contatto eterno tra padre e figlio.

DIALOGHI SULLA LINEA DELL’ORIZZONTE. A MIO PADRE, ALLA MIA TERRA

inaugurazione sabato 14 marzo 2026 ore 11.00

Biblioteca Giuseppe Zigaina, via Trieste 33 a Cervignano del Friuli

La mostra, ad ingresso gratuito, sarà visitabile sino a sabato 16 maggio 2026 nelle giornate di apertura della biblioteca: lunedì, mercoledì, giovedì, venerdì 9.00-12.00 e 15.30-19.00, martedì e sabato 9.00-13.00.

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La mostra organizzata da Trart presenta una selezione di opere dai taccuini e album fitti di disegni e schizzi, ai dipinti a olio dei primi anni Cinquanta, opere di grande intensità cromatica – tra le quali alcune del suo periodo parigino – fino a giungere alle tavole della maturità in cui schiarisce la tavolozza, abbandona l’olio per l’antica tecnica della tempera all’uovo e ammanta il soggetto di una luce mattinale che lo ha reso riconoscibile tra tutti.  Accanto ai dipinti, alcune prove di grafica in cui il piacere del segno netto, nitido, senza alcun ripensamento ci ricorda quanto fosse importante per Sormani l’ordine, “quello con la O maiuscola”, come lui stesso diceva.

“Non ho cominciato a dipingere da bambino, ma più tardi, per una scelta precisa. Come avviene quasi sempre, si comincia per gioco, poi si fa seriamente. Il fatto è che la mia pittura non esce di getto, ma richiede una certa ricerca, una certa lucidità: il lavoro più duro per me è quello di “pensare” il quadro. Il mio fare spiagge deserte è qualcosa di insito in me, devo e voglio farle. Certe cose piacciono anche senza che lo vogliamo. Dipingere in un certo modo dipende dall’educazione, dalla cultura, dalle esperienze, c’è in questo qualcosa di imponderabile” annotava l’artista.

Una pittura lenta, riflessiva, sospesa, in cui ogni segno riconduce a un ordine preciso.

Paesaggi e spiagge, treni, barche, un tavolo, una sedia, una fontana, un albero, un mazzo di carte sono immersi in atmosfere silenziose, avvolti in una luce diffusa e tersa, in un’atmosfera quieta che infonde calma e serenità.

Una metafisica del quotidiano, che esclude la figura umana, ma ne esalta i suoi manufatti in uno spazio ben definito e in un tempo sospeso. O meglio un realismo psicologico ricco di evocazioni simboliche nell’architettura della composizione sempre semplice e sobria.

Orari

Trieste, Magazzino 26 – Porto Vecchio

Sala Fini

14 marzo – 10 maggio 2026

giovedì, domenica e festivi: 10_18; venerdì e sabato: 10_20. Ingresso libero

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Si aprirà al pubblico venerdì 13 marzo fino al 17 maggio 2026 la mostra “DODEKAFONIJA – Variazioni _ 2 / Variacije _ 2”, un progetto transfrontaliero organizzato dall’Ente Regionale per il Patrimonio Culturale del Friuli Venezia Giulia – ERPAC in collaborazione con la Mestna Galerija di Nova Gorica e la Pilonova Galerija di Ajdovščina, che, dopo le precedenti tappe, approda negli spazi della Galleria Regionale d’Arte contemporanea Luigi Spazzapan di Gradisca d’Isonzo.

Si tratta di un progetto espositivo a cura di Chiara Tavella, che vede i protagonisti Duša Jesih, Mario Palli e Manuela Toselli riuniti nel segno dell’operare congiunto in un territorio di confine. Il progetto si fonda su una profonda assonanza tra ricerca visiva e musicalità. Le opere in mostra instaurano tra loro un dialogo serrato, insieme allo spazio espositivo e alle specifiche poetiche dei tre artisti, dando vita a una sorta di contrappunto visivo che guiderà il percorso del visitatore.

LA MOSTRA E GLI ARTISTI

I tre artisti sono legati a un linguaggio che, nelle linee generali, si può definire astratto che ha le sue radici nelle avanguardie del primo Novecento. Il titolo del progetto, Dodekafonija, allude a un momento aurorale della modernità, alla ricerca musicale più rivoluzionaria del primo ‘900, che mette in crisi il sistema tonale consegnato dalla tradizione e ne propone uno del tutto nuovo, così come l’astrazione rigetta l’idea stessa dell’arte come figurativa. Il termine richiama anche l’istanza costruttiva e il gioco combinatorio dello stile dodecafonico: due elementi che contraddistinguono, anche se in modo diverso, la ricerca dei tre artisti, e generano una pressoché infinita gamma di variazioni.

È proprio questa molteplicità che la mostra intende indagare: sia le variazioni interne al linguaggio di ogni singolo artista, sia il sottile intreccio delle sintonie tra i diversi artisti, così come le evidenti distonie e il diverso ritmo visivo che si innescano nel dialogo tra le opere, complici gli spazi espositivi.

All’andante con moto del “primo tempo”, la mostra alla Mestna Galerija di Nova Gorica (2023), succede il presto dell’allestimento alla Pilonova Galerija di Ajdovščina (2026); quindi quasi un adagio nelle ampie sale della Galleria Regionale d’Arte contemporanea Luigi Spazzapan.

In questo terzo movimento gli artisti si presentano autonomamente, in una sala dedicata a ciascuno di loro, per entrare poi più strettamente in dialogo in una stanza dove espongono insieme. L’andamento della mostra si configura così come una costruzione polifonica, in cui le tre diverse linee melodiche, prima esposte singolarmente, infine si intrecciano: alle modulazioni dense, magmatiche, delle Sinopie di Mario Palli, giocate sui ritmi calibrati dei polittici e sugli effetti di stratificazione e trasparenza delle velature di colore sulla tela grezza, rispondono, in contrappunto, le strutture geometriche aggettanti, che si propongono con decisione, solide e costruttive, di Duša Jesih.

Una “ribellione contro la cornice”, scrive l’artista, “in un mondo che ci inquadra costantemente – in algoritmi, aspettative, reti sociali”. Un registro ancora diverso è quello dei lavori di Manuela Toselli, appartenenti alla serie In attesa che qualcosa cambi: fili di seta – materiale che è cifra della ricerca dell’artista – in tenui gradazioni pastello, si allineano ordinati su un supporto di fondo, così da intessere un ritmo lento, meditato, metafora – appunto – di un’attesa perenne, che si fa condizione dell’esistere.

Tre artisti, tre mostre, tre istituzioni: voci diverse che, come nei tempi di una sinfonia, articolano “variazioni” contemporanee sul tema dell’astrazione, come sottolinea la curatrice, Chiara Tavella.

Dodekafonija si inserisce nel quadro delle iniziative collegate al programma europeo GO!2025 e testimonia un’operatività condivisa tra Italia e Slovenia nel segno dell’arte contemporanea.

Orario

Da mercoledì a domenica ore 10-13 e 15-19.

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Inaugura sabato 21 marzo alle ore 11 a Villa de Claricini Dornpacher a Bottenicco di Moimacco Marcello Mascherini. Gioia di vivere, rassegna antologica dedicata a uno dei più autorevoli protagonisti della scultura europea del Novecento.

L’esposizione, visitabile fino al 2 giugno 2026, celebra il 120° anniversario della nascita di Marcello Mascherini, nato a Udine nel 1906, proponendo un percorso immersivo che intreccia scultura, paesaggio e architettura.

A cura di William Cortes Casarrubios, è realizzata in collaborazione con l’Archivio Marcello Mascherini e con il sostegno della Regione Friuli Venezia Giulia a seguito del riconoscimento della Fondazione de Claricini Dornpacher quale Contenitore culturale creativo.

L’iniziativa inaugura un ciclo di mostre di scultura all’aperto ideato per il compendio monumentale della Villa promosso da Alessandro Del Puppo con il coinvolgimento di giovani ricercatori del Dipartimento di Studi Umanistici e del Patrimonio Culturale dell’Università degli Studi di Udine.

Tra il parco storico e la limonaia della Villa, la mostra presenta una selezione di quattordici sculture in bronzo, riportando le opere nella loro dimensione “naturale”: quella dello spazio aperto.

“Questa scelta di allestimento – afferma il curatore Cortes Casarrubios – richiama volutamente le grandi esposizioni en plein air degli anni Cinquanta e Sessanta, stagione in cui Mascherini fu protagonista assoluto a livello europeo e internazionale”.

In questo dialogo tra volume plastico e ambiente, opere come La Terra (1944), Cantico dei Cantici (1962) e Figura jonica (1967) si confrontano con le essenze arboree e le architetture storiche, trasformando il giardino di Villa de Claricini Dornpacher in uno spazio contemplativo dove la materia bronzea vibra alla luce e interroga direttamente lo sguardo dell’osservatore.

All’interno degli spazi espositivi, il percorso si concentra invece su un approfondimento specialistico dedicato al ciclo dei Fiori, risalente all’ultima fase della ricerca artistica di Mascherini.

Qui la scultura abbandona la tensione monumentale per inoltrarsi in una dimensione organica e metamorfica. Attraverso opere come Fiore del ricordo (1972) e Fiore di pietra (1974) emerge una poetica che fonde natura e artificio, energia vitale e inquietudine formale, documentando l’ultima stagione creativa dell’artista.

In questo intreccio di materia, luce e paesaggio, la mostra restituisce pienamente la “gioia di vivere” che attraversa l’opera di Mascherini, riaffermandone la vitalità e l’attualità nel dialogo con la natura e con lo spazio contemporaneo.

“Con questa mostra, che si colloca fra le iniziative di punta in programma nei nostri spazi fra il 2026 e il 2027, si conferma la vocazione artistica della Villa – sottolinea Oldino Cernoia, presidente della Fondazione de Claricini Dornpacher –.  Siamo onorati e orgogliosi di ospitare le opere di uno degli scultori più interessanti del Novecento, la cui fama ha superato di gran lunga i confini regionali e nazionali. Visitarla sarà un’occasione preziosa per approfondire la conoscenza della sua arte, in un contesto di particolare suggestione com’è quello del giardino storico della dimora”.

A completamento del progetto espositivo, dopo l’inaugurazione si svilupperà un intervento fotografico di Alessandro Ruzzier.

Lontano da una semplice documentazione catalografica, Ruzzier utilizzerà la fotografia come strumento critico e interpretativo, “risignificando” l’allestimento attraverso nuove traiettorie visive. Il suo lavoro indagherà lo “sguardo” come dimensione relazionale: non solo quello del visitatore che attraversa il parco, ma anche quello suggerito dalle stesse forme di Mascherini, proiettate verso l’orizzonte alpino e il cielo.

Nato a Udine, Marcello Mascherini (14 settembre 1906 – 19 febbraio 1983) trascorre l’infanzia a Fagnigola. Dopo gli anni della guerra come profugo a Isernia, si stabilisce a Trieste. Qui si forma alla Scuola per capi d’arte dell’Istituto Industriale Alessandro Volta, allievo di Alfonso Canciani, e completa il percorso nello studio di Franco Asco. Esordisce nel 1924 al Circolo Artistico di Trieste.

Negli anni Trenta ottiene importanti incarichi pubblici collaborando con architetti come Umberto Nordio, Gustavo Pulitzer Finali, Gio Ponti e Marcello Piacentini, e partecipa alle principali rassegne nazionali (Quadriennale, Triennale, Biennale). Vince la medaglia d’argento alla V Triennale di Milano (1933) e riceve numerosi premi fino al 1943. Dal 1931 avvia anche una significativa attività nell’arredo navale, lavorando per numerosi transatlantici.

Nel dopoguerra è protagonista della rinascita culturale triestina e consolida la sua fama internazionale: partecipa alla Mostra d’arte italiana del XX secolo aperta nel 1949 al Museum of Modern Art di New York e nel 1950 ottiene il primo premio per la scultura alla Biennale di Venezia, ex aequo con Luciano Minguzzi. Espone a Parigi e in Germania, affermandosi nel panorama europeo.

Parallelamente lavora per il teatro come scenografo e costumista a Trieste e a Roma. Nel 1957 vince il Premio internazionale “Città di Carrara” e, dopo l’esperienza del concorso per il Monumento ad Auschwitz, evolve verso una fase espressiva detta “carsica”, dalle forme più drammatiche e inquiete. Nel 1962 ha una sala personale alla Biennale di Venezia e gli viene conferito il maggior premio per l’arte sacra.

Tra gli scultori italiani più autorevoli del secondo Novecento, negli ultimi anni, dopo il trasferimento a Sistiana nel 1967, sviluppa la stagione dei Fiori, sculture fitomorfe che segnano il suo testamento artistico.

Orari

21 marzo – 2 giugno 2026

orario visite: da lunedì a venerdì 9-12/15-18 e durante gli eventi in programmazione nei fine settimana (calendario su  https://visit.declaricini.it/)

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Dalle 5 di mattina alle 5 di sera del 7 maggio 1976 un fotografo percorre in moto il Friuli. Non è un Friuli qualsiasi, con le sue cittadine tranquille, le sue verdi colline, le sue montagne placide.

È invece il Friuli all’indomani del terremoto che il giorno prima, il 6 maggio 1976 sul far della sera, in pochi secondi aveva cambiato per sempre la fisionomia di un territorio e di una comunità. Un’ecatombe: donne, uomini, bambini sepolti sotto le proprie case; migliaia di abitazioni distrutte, poco meno di mille morti.

Per la prima volta, 50 scatti realizzati da quel fotografo – Aldo Martinuzzi, affermato reporter sportivo – sono visibili al pubblico nella mostra CHÊ MATINE, organizzata dal Comune di Spilimbergo e il CRAF – Centro di Ricerca e Archiviazione della Fotografia e in collaborazione con la Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia e Fondazione Friuli. Allestita nel Palazzo La Loggia di Spilimbergo da sabato 28 marzo (alle ore 11.00 è prevista l’inaugurazione), l’esposizione sarà visitabile fino al 7 giugno.

Chê matine è un vero e proprio diario di bordo: appena raggiunto dalla notizia del terremoto, Aldo Martinuzzi lascia Milano – città nella quale si era trasferito ancora giovanissimo da Barbeano, vicino a Spilimbergo, suo paese natale – con la sua compagna, a bordo della sua moto.

Arriva in Friuli alle prime luci dell’alba del 7 maggio 1976; giusto il tempo di accertarsi che i suoi familiari stiano bene, nonostante i danni ingenti subiti dalle abitazioni, e poi via. Valeriano, Forgaria, Majano, Gemona del Friuli, Venzone, Osoppo, Rivoli di Osoppo, Castelnovo, Oltrerugo. La moto di Martinuzzi attraversa una decina di paesi e la sua macchina fotografica fissa per sempre il ritratto della devastazione.

Case rase al suolo, edifici miracolosamente rimasti intatti, le prime bare, gli sguardi dei sopravvissuti. Ma le foto che usciranno dalla sua macchina fotografica sono anche il ritratto della incredibile forza di volontà che, comunque e nonostante tutto, i friulani dimostrano di mantenere intatta a poche ore dal sisma.

“In autostrada incrociavamo già i mezzi di soccorso, militari, ambulanze, camioncini con i cartelli: “Soccorsi Friuli” – ricorda Martinuzzi –. Il campanile e la chiesa di Valeriano avevano subito forti danni, erano luoghi che conoscevo benissimo dove avevo trascorso la mia infanzia e parte dell’adolescenza. Attraversammo Pinzano dove, almeno sulla strada principale, c’era solo qualche piccolo crollo e altri cedimenti lungo la strada per la stazione. Arrivammo a Forgaria dove c’erano case diroccate e macerie sulle strade, ma fortunatamente i nostri spostamenti erano agevolati dall’utilizzo della moto. Fui colpito dall’immagine di un signore che, tranquillamente, stava vangando il proprio orto, un’immagine tipica della nostra friulanità. Arrivammo a Majano dove erano collassati due condomini gemelli, Astra e Udine, costruiti nel 1967. A Gemona ci arrivammo dalla strada alta, piena di massi e crepe sull’asfalto. Sia a Maiano che a Gemona apprezzai la celerità dei soccorsi, erano già pronte molte bare e allestita una tendopoli per gli sfollati. A Venzone erano già presenti volontari intenti per sistemare un muretto di sassi a secco crollato al di fuori delle antiche mura perimetrali. A Osoppo c’era una vastità enorme di macerie e case crollate fatte con sassi e solai di legno. Mi impressionò la sede del Partito Comunista che aveva resistito alla distruzione. Dappertutto c’erano militari, vigili del fuoco, volontari, che cercavano superstiti scavando anche a mani nude, nonostante il susseguirsi delle scosse. Assistetti alle lunghe operazioni per il recupero del piccolo Paolo Fabris, figlio del farmacista, che fortunatamente fu ritrovato in buona salute (il settimanale Epoca gli dedicò la copertina a colori). Vicino a Maiano crollò la trattoria “Da Gardo” durante una cena, ci furono 16 morti. Fotografai anche i dintorni di San Daniele, Castelnovo e Oltrerugo”.

Il reportage fotografico di Aldo Martinuzzi si conclude alle 5 di sera del 7 maggio 1976, dopo 12 ore. Un grande lavoro di valore fotogiornalistico e sentimentale che avrebbe potuto essere venduto a qualche giornale ma che invece, per volontà del suo autore, è rimasto lontano dai riflettori fino ad oggi.

Nato a Udine nel 1946, dopo l’infanzia trascorsa a Gaio di Spilimbergo con la nonna materna, nel 1961 Aldo Martinuzzi si trasferisce con i genitori a Milano. Qui inizia a lavorare come apprendista in una azienda di Fotoincisione. Il progresso nel campo delle riproduzioni fotografiche per la stampa lo pone in contatto con altri metodi “litho e rotocalco”. Alla Fotoincisione Sempione di Milano si riproducevano in quel periodo, le più belle immagini sportive per la pubblicazione su riviste specializzate, “Super Sport” e “Calcio e Ciclismo Illustrato” della Gazzetta dello Sport. Scatta in Martinuzzi un vero e proprio amore per la fotografia sportiva. Nel 1972 inizia la sua attività di fotografo “freelance”. Si specializza nel settore degli sport invernali con i reportages alle Coppe del Mondo, Campionati Mondiali e Olimpiadi Invernali. Collabora sino al 1996 con la rivista “Neve Sport” rivista settimanale nel periodo invernale Nel 1980 si avvicina ad altre discipline: ciclismo, calcio, tennis, sci nautico, golf, per cinque anni è il fotografo ufficiale dell’Inter di Trapattoni. Nel 1987 vince il premio fotografico “Diadora”. In collaborazione con il CRAF di Spilimbergo e il compianto Walter Liva, vengono allestite diverse sue mostre fotografiche: 2005, I Volti dello Sport, Lignano Pineta, Sequals, Piancavallo; 2011, Fotografi di Corsa, Spilimbergo, Milano; 2016, Omaggio allo Sport, viale pedonale di Lignano Sabbiadoro; 2018 Fotografi di Corsa, San Vito al Tagliamento. Nel 2025 la Pro Loco “I Due Campanili” di Gaio e Baseglia edita il libro “Aldo Martinuzzi il grande sport fotografato da un Friulano”.

Orari

ALDO MARTINUZZI – CHÊ MATINE

Spilimbergo, Palazzo La Loggia

dal 28 marzo al 7 giugno 2026

orario visite: 10.00-13.00 e 15.00-17.30 tutti i giorni

chiuso lunedì (tutto il giorno) e giovedì pomeriggio

ingresso libero

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Fino al 3 maggio 2026, il Salone degli Incanti di Trieste ospiterà SCART – Il lato bello e utile del rifiuto, una mostra che celebra l’arte del riuso e la bellezza nascosta nei materiali di scarto.

Il progetto SCART è un’iniziativa di Waste Art che rappresenta da quasi trent’anni uno dei percorsi più significativi con cui il Gruppo Hera interpreta e comunica il valore dell’economia circolare.

Le opere SCART non sono semplici installazioni artistiche: sono strumenti culturali capaci di rendere accessibili temi come la gestione responsabile delle risorse e il ruolo dei comportamenti individuali nella transizione ecologica.

L’arte diventa così un veicolo immediato ed efficace per coinvolgere il pubblico, stimolando una riflessione sul valore intrinseco della materia e sulla necessità di ripensare il modello lineare di consumo.

Lo spazio espositivo all’interno dell’iconico Salone degli Incanti, affacciato direttamente sul mare nel cuore della città, diventa teatro ideale di un percorso immersivo tra arte, moda sostenibile e responsabilità ambientale. Nato nel 1913 come antica Pescheria Centrale, oggi l’edificio conserva il fascino dell’architettura originaria unito a una vocazione contemporanea per l’arte e gli eventi culturali.

«Ritengo che SCART non sia solo una mostra, ma un manifesto che rispecchia precisamente la linea di governo, dando forma e colore a una delle sfide più cruciali del nostro tempo: la transizione verso un’economia circolare reale e tangibile – ha sottolineato il promotore dell’iniziativa, l’assessore regionale alla Difesa dell’Ambiente, Energia e Sviluppo sostenibile, Fabio Scoccimarro –. Spesso, come istituzioni, parliamo di sostenibilità attraverso normative e obiettivi tecnici. Tuttavia, l’arte possiede la forza unica di rendere immediato ciò che a volte appare complesso. Visitando questo percorso, che unisce moda sostenibile e meccanica “artistica”, il messaggio arriva forte e chiaro: il rifiuto non è la fine di un oggetto, ma l’inizio di una nuova storia. Guardare al futuro significa cambiare prospettiva. Questa mostra ci insegna che la difesa dell’ambiente non è un vincolo, ma un’opportunità di sviluppo e creatività. Ringrazio i partner e gli artisti per averci offerto questa visione: trasformare lo scarto in arte è il primo passo per trasformare la nostra società».

«Con SCART – ha dichiarato l’amministratore delegato di AcegasApsAmga, Carlo Andriolo – portiamo a Trieste un progetto artistico di grande forza, capace di raccontare in modo unico i temi dell’economia circolare e della sostenibilità ambientale. Come gestore dei servizi di Trieste, lavoriamo ogni giorno al fianco della città, consapevoli di quanto sia importante affiancare al lavoro operativo anche percorsi di sensibilizzazione e coinvolgimento delle persone. Iniziative come questa, organizzate in collaborazione con la Regione Friuli Venezia Giulia e il Comune di Trieste, contribuiscono a rendere più concreti e accessibili temi che riguardano il futuro delle nostre comunità».

«SCART – ha commentato Maurizio Giani, direttore marketing di Herambiente e curatore della mostra – è il laboratorio artistico permanente del Gruppo Hera: attraverso collaborazioni con istituzioni, accademie, scuole e aziende, il progetto promuove un immaginario condiviso orientato alla circolarità e conferma la capacità della multiutility di integrare visione industriale e sviluppo sostenibile. Anche la collaborazione con Automobili Lamborghini testimonia come la rigenerazione dei materiali possa creare valore attraverso la potenza espressiva del design, della tecnologia e della creatività. La mostra di Trieste intende valorizzare questa esperienza, raccontando in modo immediato ed evocativo la centralità del riuso nella costruzione di un futuro più responsabile. Un futuro che Hera intende realizzare insieme ai territori e alle persone che lo abitano».

La mostra Il lato bello e utile del rifiuto, curata da Maurizio Giani, si articola in due sezioni principali.

Moda sostenibile

Una collezione di 28 abiti e costumi di scena realizzati interamente con materiali di recupero, esposti su manichini allestiti ad arte.

Ogni capo è un pezzo unico che celebra l’immaginazione e la capacità di trasformare lo scarto in bellezza: dall’abito che nasce dalla sovrapposizione di guanti da lavoro difettosi al mini dress realizzato con i numeri in legno della tombola provenienti da un’azienda che produce giochi da tavolo; dall’abito confezionato con un intreccio di nastri segnaletici per cantieri edili a quello ricavato da camere d’aria di penumatici dismessi, fino all’abito creato con scarti di produzione di materassi o con il recupero di bottiglie in plastica e imballaggi industriali.

A completare la sezione, 16 fotografie firmate da Andrea Varani, che ritraggono modelle che indossano le creazioni SCART.

Super Robot SCART e Lamborghini

Sei paladini dell’ambiente – sculture alte 450 cm realizzate con materiali di scarto provenienti dalle linee produttive di Automobili Lamborghini.

La sezione include anche 12 pannelli con illustrazioni del fumettista Giuseppe Camuncoli che ha curato insieme a Giacomo Gheduzzi il character design dei robot, mentre la loro realizzazione è il risultato del lavoro congiunto degli studenti delle Accademie di Belle Arti di Firenze, Ravenna e del POLI.design – Politecnico di Milano.

Completano il percorso 10 pannelli con immagini degli artisti SCART all’opera, testimonianza visiva di un processo creativo originale ed unico.

La mostra SCART propone un dialogo virtuoso tra industria e arte, tra sostenibilità e creatività, dove il rifiuto non è la fine, ma l’inizio di una nuova storia.

Francesca Sarmignan

Informazioni

• Date: 13 marzo – 3 maggio 2026
• Luogo: Salone degli Incanti, Riva Nazario Sauro, 1 – Trieste
• Curatore: Maurizio Giani
• Orari: da martedì a venerdì ore 10-18. Sabato, domenica e festivi ore 10-19.
• Ingresso libero

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