C’è un’immagine che più di ogni altra definisce la storia dei LineaNazca.

Un gruppo di ragazzi che, in una cantina umida di Villa Vicentina, tenta di creare musica e sogni che in primis generino vibrazioni a loro stessi, in quella sera della settimana in cui si devono anche coprire le imprecazioni di un Udinese Club della stanza adiacente, tappezzando i muri con del polistirolo rubato da un cantiere e qualche moquette di fortuna.

Non è solo la cronaca di una band di provincia, ma un’epopea fatta di “scarpate” su una Stratocaster e strumenti frutto di risparmi, di amicizie magnetiche e di una testardaggine creativa che ha trasformato il basso Friuli in un laboratorio di sperimentazione New Prog.

Tutto comincia quasi tre decenni fa. La formazione embrionale ha un luogo di nascita preciso: una soffitta al quarto piano di una casa a schiera a Cervignano del Friuli dove si riuniscono Max, il cugino Enzo, entrambi fan dei Pink Floyd, e Rema, il bassista “venuto da oltre il Piave”.

In quel periodo, la batteria è solo un software midi, ma l’amicizia tra i tre è il vero motore. Quando si decide di fare sul serio, la band si sposta in una vecchia cantina a Villa Vicentina.

In quella “Sala Cagnon”, tra crisi mistiche creative e i primi acquisti di LP dal figlio del negoziante, Stefano, che entra nel gruppo come batterista estroso, la formazione prende corpo. Si aggiunge anche il chitarrista Andy, allievo di Lentini, che con il suo stile metronomico completa l’ensemble.

Nascono i primi brani: Misteri, Tempi Nuovi e le prime sperimentazioni verso una maturità ancora lontana. La ricerca di un cantante diventa una missione, e il destino si manifesta in un negozio di dischi a Cervignano dove Momo si propone senza indugi e, dopo una sola prova, entra nel gruppo con tanta voglia di metterci del suo su melodie e testi, e una dote allora fondamentale: i capelli lunghi.

Sotto il nome provvisorio di “Milioni di premi!”, la band affronta i primi concorsi. Ma la vera svolta arriva dopo la dipartita di Stefano e la risposta all’annuncio sul “Mercatino” di Andrea “Genko”, un batterista triestino con l’anima funky e un talento fuori dal comune.

Con lui, la musica cambia pelle con l’evoluzione della parte ritmica che si integra perfettamente insieme a Rema: arrivano i tempi dispari e le nuove dinamiche.

È tempo anche di nuovo nome, la curiosità che si nutre per le civiltà scomparse alla loro simbologia e all’ignoto che celano, indirizzano il nome verso qualche mistero che può essere svelato solo se letto da un punto di vista più alto, e quello delle linee di Nazca lo è; il nuovo sound ritmico si sposa con nuovi testi introspettivi, arriva il brano Il volo del Condor: il testo parla proprio di un decollo sopra quelle terre che danno il nome al gruppo.

Il percorso della band cambia ma non senza ostacoli: quando Rema, dopo un decennio “adottato” dal Friuli, sceglie di tornare nella sua terra padovana, si apre un vuoto affettivo immenso. L’unica ancora di salvezza è Diego, bassista doc che già gravitava nell’orbita del gruppo. Diego non esita un secondo all’invito del fratello: si integra perfettamente, rielaborando l’eredità ritmica di Rema e portando la band alla vittoria del concorso “Intensivo” con il brano Fuori Gabbia.

Con lo stesso brano la band si propone perfino per il “Festival di Napoli” a Fiuggi (raggiunto in camper) raccogliendo ampi consensi di critica ma anche dove prende consapevolezza che il mondo di concorsi e festival è anch’esso malato di interessi e raccomandazioni: i compromessi non sono esattamente quello a cui si è disposti.

È l’inizio di una nuova fase “fai da te”, dove i risparmi finiscono nell’acquisto di attrezzature per incidere il primo album autoprodotto.

Il 2007 segna l’inizio della sfida più grande: un Concept Album. Per anni, la band riordina improvvisazioni e testi visionari in una opera rock che ha un filo logico: la ricerca della mitica città dell’oro, pubblicando nel 2011 “Eldorado”.

Si tratta di una metafora potente che traccia un parallelo con la contemporaneità sulla ricerca ossessiva del denaro e del benessere materiale da parte dell’uomo, con l’inevitabile rinuncia ai valori più profondi.

Nel 2012 il gruppo ritorna a nuove idee, riscoprendosi però naturalmente più a proprio agio nei testi in italiano che Momo partorisce nelle notti insonni: il sound è cambiato, mentre Eldorado si affacciava a un prog melodico, Genko preme sull’acceleratore per dare carattere ancora più estremo al New Prog che è germogliato, e gli altri non si tirano indietro.

Nasce il brano “Deja Vù” prima e alla vigilia della mistica data del 21/12/2012 “L’alba di un’era”.

Nel 2015, i problemi di salute di Genko conducono all’ingresso come turnista di Gianluca Trivigno, polistrumentista di Monfalcone che porta con sé la precisione di un “amministrativo svizzero” dietro le pelli.

L’ultimo tassello del mosaico si incastra nel 2016 con l’arrivo di Fabrizio “Rick” Forcieri. Le sue tastiere portano il sound verso una dimensione sinfonica e completa.

La band trasloca ancora, questa volta dalla sede di Ruda nella “Hole Four” (HF) di Cervignano, una vecchia macelleria trasformata in tempio del suono. Qui prende vita l’album che raccoglie la registrazione di 9 brani inediti.

Il filo logico sembra essere nel significato dei testi riconducendoli a un’unica formula, quasi fosse un concept: nella vita tutto torna.

Dopo un lavoro estenuante ma definitivo che vede la partecipazione di amici come il fonico Matteo Avian e la cantante Giordana Gismano, l’album viene pubblicato nel 2023 con AUA Records.

Oggi, i LineaNazca celebrano oltre un quarto di secolo di attività. Non sono più i ragazzi della soffitta, ma un sestetto capace di trasformare un concerto in un’opera rock narrata.

Dopo il Teatro Pasolini il loro sguardo è stato rivolto al Teatro “Gustavo Modena” di Palmanova, diventato lo scenario per una nuova, immersiva esecuzione di Eldorado.

La storia di Max, Enzo, Momo, Diego, Gianluca e Fabrizio continua, dimostrando che la vera arte non ha fretta: ha solo bisogno di una stanza, passione e di una visione.

Ora diamo un’identità a questi ex giovani musicisti ma eterni sognatori: Massimo D’Urso, chitarra; Moreno Valentinuzzi, voce e chitarra acustica; Diego Valentinuzzi, basso e voce; Vincenzo Pastore, chitarra; Andrea Skerian, batteria; Fabrizio Forceri, tastiere.

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La serata vedrà protagoniste le letture a più voci dedicate ai versi del grande poeta gradese e candidato al Premio Nobel, impreziosite da raffinati intermezzi musicali.

È un’occasione speciale per cittadini e visitatori per immergersi nella straordinaria eredità letteraria di Marin e riscoprire l’attualità della sua opera nel cuore storico della città.

Livio Nonis

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Classe 1985, Enrico Brun ha la musica nel sangue e quella luce negli occhi di chi è riuscito a trasformare la passione nella strada della propria realizzazione professionale.

Molto legato al suo Friuli, da anni vive a Milano dove – tra i diversi impegni e risvolti professionali – è studio manager alla RCA Recording Studio di Sony Music Italy.

Direttore d’orchestra, produttore, ingegnere del suono, autore, studio manager, compositore: Enrico Brun come si descriverebbe?

«Mi ritengo prima di tutto un musicista. Con il tempo e con le esperienze vissute ho trovato la mia strada come produttore, però non sono un fan dei Job Titles e penso che la vera marcia in più di ogni addetto ai lavori del music business sia l’unicità. Quindi mi piace essere a servizio degli artisti in base alle loro necessità, che variano inevitabilmente da artista ad artista».

Il denominatore comune è la musica: cosa rappresenta per lei?

«È una passione che dà un senso alle giornate, che nel nostro lavoro sono sempre diverse. È poi uno strumento di comunicazione e un mezzo che permette di esprimermi e soprattutto amplificare quello che vogliono esprimere gli artisti con cui lavoro».

A 9 anni era già entrato in Conservatorio a Udine: questa esperienza quanto ha influito nella sua carriera professionale?

«Il percorso accademico ha rappresentato una fetta molto importante in quello che poi mi è capitato di fare dopo; non solo il Conservatorio ma anche la laurea in Ingegneria Informatica (che apparentemente non ho utilizzato) è stata fondamentale per la formazione della forma mentis, come poi lo sono state tutte le esperienze successive, come aver suonato molti generi diversi in formazioni differenti in qualità di musicista. Successivamente sono state importanti anche le esperienze televisive con X-Factor».

Dal Friuli a Milano: com’è stato lo sbarco alla RCA Recording Studio di Sony Music Italy?

«Graduale. Prima che l’RCA fosse costruita ero già a Milano: da relativamente poco facevo parte di un team di produzione presso l’Isola Studio di Eros Ramazzotti, dove ero giunto dopo l’esperienza televisiva di X-Factor Italia nel 2016. In quel contesto avevo conosciuto l’allora direttore musicale Fabrizio Ferraguzzo, attuale manager dei Måneskin: facevo parte della “resident band” nella fase degli Home Visit, come tastierista e programmatore. Poche settimane dopo lo stesso Ferraguzzo mi propose di entrare nel team dell’Isola dove ho iniziato per la prima volta a lavorare a tempo pieno in un vero studio di registrazione».

Un cambiamento radicale.

«Prima era stata un’attività sempre parallela ai live, ma che avevo sviluppato molto di più nei precedenti quattro anni, creando il mio studio di registrazione a San Vito al Tagliamento, il mio paese di nascita. Dopo meno di due anni all’Isola, Sony ci propose di prendere parte al progetto di RCA (idea concepita inizialmente da Andrea Rosi, attuale CEO di Sony Music Italia, e dal compianto Maestro Roberto Rossi). Affiancando l’architetto Dario Paini e il team di costruzione di Claudio Nordio abbiamo seguito passo passo tutte le scelte che hanno reso l’RCA Recording Studio quello che è diventato oggi».

Lei ha collaborato e collabora con grandi artisti della scena musicale italiana: c’è qualcuno di loro a cui è particolarmente legato?

«Con ognuno di loro si è creato un rapporto per forza di cose anche personale. La musica è un mezzo di condivisione umana e per creare o amplificare la creatività degli altri la componente empatica è da curare al pari della parte tecnico musicale, se non di più. Ci sono legami che con il tempo sono diventati più forti e che mi hanno lasciato tanto e continuano a farlo, come con Enrico Nigiotti: abbiamo condiviso entrambi una “prima volta”, perché il suo brano “L’Amore è” è stato il primo Disco di Platino della nostra vita (per lui come artista e autore e per me come produttore). Ho inoltre diretto l’Orchestra di Sanremo per il suo brano in gara quest’anno – “Ogni volta che non so volare” – e per il secondo anno consecutivo mi sono occupato della direzione musicale del suo tour live».

Non l’unico legame speciale.

«Un altro legame che considero molto forte è con Riccardo Zanotti dei Pinguini Tattici Nucleari, artista e autore incredibilmente talentuoso ma soprattutto una grande persona con la quale ho imparato molto sia musicalmente che umanamente. Per ultima, ma non meno importante, mi permetto di citare Giorgia; quando sono arrivato a Milano, nel 2016, era l’artista con la quale mi sarebbe piaciuto di più lavorare ed è successo appena 9 anni dopo: un altro sogno diventato realtà».

C’è invece un artista con cui non ha mai collaborato ma con il quale vorrebbe incrociare la strada professionale?

«Come produttore penso che la soddisfazione più grande non sia solo lavorare con un artista già noto ma prendere parte a un progetto ancora poco conosciuto e portarlo con le giuste scelte a un pubblico più vasto. Nell’ultimo anno ho iniziato a collaborare con una band che ha anche partecipato all’ultima edizione del concerto del Primo Maggio a Roma, i Santamarea, e ci vedo un grande potenziale di crescita».

Dirigere un’orchestra e curare la registrazione di brani in studio sono esperienze molto diverse: che emozioni le regalano?

«La produzione è sicuramente la parte più viva e creativa, dopo la scrittura, del processo che porta un brano dalla nascita alla pubblicazione, ed è la cosa che prediligo. La direzione orchestrale per me è stata semplicemente una conseguenza di questo, soprattutto bilanciando quanto fedele deve essere la riproduzione dell’orchestra rispetto al brano creato in studio, tenendo conto del valore aggiunto che può dare un organico così vasto in un’esibizione dal vivo».

La musica significa studio e dedizione continui. Lei come riesce a conciliare i tempi di tutte le sue sfaccettature professionali?

«La gestione del tempo è un “mestiere” a sé, che si impara solo col tempo stesso, ed è strettamente legata al benessere mentale. Per essere creativi e lucidi serve non andare in sovraccarico. Per fare questo bisogna essere proprietari del proprio tempo e saperlo usare con cura, soprattutto con la consapevolezza di quando è il caso di dire “no”. Quando si parla di scrittura è importante “vivere” e dire qualcosa di autentico, quindi avere il tempo di dedicarsi alla vita è fondamentale. Se non si è autentici e non si parla di esperienze vere ma surrogate poi il risultato si sente».

Come vive un friulano a Milano?

«Non è stato semplice all’inizio ma ho trovato il modo di trovare un buon equilibrio, ho mantenuto molte amicizie con tanti colleghi che condividevano con me il palco. Ma ho molti amici che fanno un lavoro completamente diverso ed è una sorta di “salvavita” sociale: non si può sempre parlare solo di musica».

Quanto torna nella nostra regione quali sono i luoghi che predilige frequentare?

«Dipende dai periodi dell’anno, ma in media cerco di tornarci almeno una volta al mese. Sono molto legato a San Vito al Tagliamento, dove ancora vivono i miei genitori, e sono altrettanto legato ai luoghi che ho frequentato in passato quando vivevo in Friuli, come Udine, Lignano e Torviscosa».

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CERVIGNANO DEL FRIULI – Il parco di Casa Zigaina ha ospitato la serata musicale dal titolo “Semplicemente Lelio”, in omaggio a Lelio Luttazzi.

L’evento è stato organizzato dall’Amministrazione comunale.

A esibirsi tre giovani musicisti: Francesco De Luisa (pianoforte e arrangiamenti), Alessandro Turchet (contrabbasso) e Jacopo Zanette (batteria).

Lelio Luttazzi è noto al grande pubblico per l’ironia dei suoi brani, scritti in un delicato equilibrio tra la canzone italiana, la canzone popolare e lo swing proveniente da oltreoceano.

La sua musica non solo ha scalato le classifiche, ma ha trovato anche un felice connubio con la televisione e il cinema.

Il trio ha proposto una panoramica di tutte queste strade musicali che Luttazzi ha percorso, dalle hit alla musica da film, dandone una fresca rilettura, seppur con grande rispetto per la tradizione e il jazz a cui Lelio era molto affezionato.

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L’energia e il talento delle nuove generazioni salgono sul palco del Teatro Nuovo Giovanni da Udine venerdì 24 luglio alle 21 per un concerto travolgente che chiuderà nel segno della grande musica la rassegna Teatro Estate 2026.

Protagonista sarà la Big Band Jazz del Conservatorio Jacopo Tomadini di Udine, nata come un progetto artistico unico che riunisce gli studenti dei Dipartimenti di Jazz e Classica.

Diretti da Glauco Venier e affiancati dai professori Alfonso Deidda al sax alto, Carlo Beltrami alla tromba, Sergio Bernetti al trombone e Fabrizio Paoletti al sax baritono, i giovani musicisti interpreteranno un coinvolgente repertorio dedicato ai grandi protagonisti dell’era delle Big Band: Glenn Miller, Count Basie e Duke Ellington, con arrangiamenti firmati da Neal Hefti e Sammy Nestico.

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TURRIACO – Prosegue intensa l’attività del Coro del Gruppo Costumi Tradizionali Bisiachi di Turriaco.

Lo spettacolo “Costumi, Conte e Canti” oltre che in regione è stato proposto in Veneto, Piemonte, Lazio, Slovenia, Belgio.

Mercoledì 22 luglio alle ore 20 sarà la volta di Monfalcone alla “Frasca sul Mar”.

Sabato 1 agosto il Gruppo rappresenterà la Bisiacaria e la Regione Friuli Venezia Giulia per la 28ª volta alla Sfilata Internazionale di costumi tradizionali, Trachtenfestzug, di Villaco, in Austria, nell’ambito del 81ª Villacher Kirchtag, la più grande e popolare festa folcloristica d’Austria, nonché una delle maggiori d’Europa. Prima e dopo la parata il Coro del Gruppo si esibirà in forma itinerante proponendo lo spettacolo “Costumi Conte e Canti”.

Il 24 agosto il Coro parteciperà al Concorso Corale Internazionale Chorus Inside Croatia di Rovigno.

Sarà la volta quindi, dall’1 al 3 settembre, di “Di lago in lago: costumi, conte e canti sui laghi d’Iseo, Varese e Maggiore”.

A settembre ci saranno anche i canti e le sfilate a Staranzano in occasione della Festa dell’Uva e a Kamnik, in Slovenia, presenti per la 17ª volta, al Dnevi narodnih noš, la più grande manifestazione folcloristica della Slovenia dove la sfilata si svolge alla presenza del presidente della Repubblica Slovena.

Tutto ciò senza dimenticare di allietare con la musica e i canti gli ospiti delle Case di Riposo del Friuli Venezia Giulia seguite, dove il gruppo, a rotazione, è presente due volte a settimana.

L’attività di promozione della Bisiacaria e del suo dialetto è sostenuta dalla Regione FVG Dialetti Veneti e dalla Fondazione CARIGO.

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Non un semplice sottofondo, ma un elemento di coesione sociale: la musica diventa il filo conduttore di un appuntamento inedito presso “AUTstanding – La Sosta Inclusiva“, il ristorante-pizzeria di via Ponchielli 2, che ha fatto dell’inclusione il proprio marchio di fabbrica.

Il locale non è soltanto un punto di riferimento per la ristorazione, ma un vero e proprio laboratorio di autonomia.

Qui, giovani nello spettro autistico intraprendono un percorso di crescita professionale, ricoprendo con dedizione e competenza i ruoli di cuochi e camerieri.

Un modello virtuoso che dimostra, giorno dopo giorno, come il lavoro sia lo strumento principe per l’integrazione e la valorizzazione del talento individuale.

L’evento, dal titolo “L’insolito Karaoke“, nasce con un desiderio profondo: creare uno spazio di condivisione dove la musica, attraverso il canto, funga da ponte tra le persone, abbattendo ogni barriera comunicativa.

L’obiettivo degli organizzatori è offrire ai clienti non solo un’esperienza gastronomica di qualità, ma un momento di vera riflessione e vicinanza, in un ambiente dove l’accoglienza è declinata in ogni suo aspetto.

La serata si preannuncia come un’occasione per la comunità locale per sostenere il progetto “AUTstanding” e toccare con mano l’impegno quotidiano di questi giovani professionisti, in un clima di festa e convivialità.

Una serata di musica, sorrisi e autentica inclusione per chiunque voglia unire il piacere della buona tavola a una nobile causa.

Livio Nonis

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CERVIGNANO DEL FRIULI – È uscito lo scorso venerdì 17 luglio (in esclusiva per 3 mesi su Amazon Music Italia) con la Universal Music Italia, il Jova Summer Party EP, una raccolta di 6 remix speciali di brani di Jovanotti, che preannunciano il suo tour estivo che partirà il 6 agosto.

In questa raccolta ci sono due Remix realizzati da Franz Contadini a.k.a. KeeJay Freak nel suo Supersonic Studio di Cervignano del Friuli.

Uno è il remix del brano “Resistente”, un brano dell’album “Niuiorcherubini”, che nella versione originale ha un arrangiamento smooth funk.

Franz, assieme a suo figlio Lorenzo, in arte Lorence (ITA), anche lui musicista, deejay e producer, hanno dato al brano un sapore e una carica latin tech house con una ritmica coinvolgente, un piano in stile salsa e delle sezioni fiati, per rendere il brano più estivo, più ballabile e suonabile nei club.

L’altro è il remix della storica canzone “L’Italiano” di Toto Cutugno, che Jovanotti ha voluto realizzare assieme a Franz sia per omaggiare lo storico artista, suo amico purtroppo scomparso nel 2023, sia per farne una versione potente da festival da suonare durante i suoi dj set, per far ballare e cantare il pubblico presente alle date del Jova Summer Party.

“Fare remix per artisti famosi (oltre che produzioni musicali e arrangiamenti) – afferma Contadini – è una mia specialità da molti anni. Ho iniziato nel 1997 con il remix ufficiale di “Laura non c’è” di Nek, che ha avuto un enorme successo in tutta Europa, e per il quale poi ho fatto altri remix. A seguire ho remixato gli 883, Zucchero, Pausini, Morandi, Mengoni, DJ Francesco, Carmen Consoli, Mietta, Afrika Bambaataa, Anastacia, Crystal Waters, e molti altri”.

“Con Jovanotti – sottolinea – la collaborazione è iniziata nel 2011 quando ho realizzato il remix di “Tutto l’amore che ho” sia in versione elettronica che in versione “bossa nova” con il mio progetto Musique Boutique. Questo remix gli è piaciuto talmente tanto che mi ha voluto conoscere di persona, tutte le radio italiane hanno iniziato a trasmetterlo e Jovanotti l’ha inserito fra i migliori remix della sua carriera. Da allora a oggi gli ho realizzato molti remix ufficiali pubblicati dalla sua casa discografica Universal Music Italia”.

“Da sempre – conclude Contadini – sostengo che fare un bel remix è un’arte, bisogna immaginare un arrangiamento diverso per rendere la canzone più coinvolgente oppure cambiarle completamente direzione. L’“Arte del Remix” è anche il titolo di un mio workshop che spesso propongo nella scuola di musica “Supersonic Music School” assieme al mio corso ‘produrre musica con il computer’”.

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Sabato 25 luglio, alle ore 21, sul lungomare Nazario Sauro di Grado saliranno sul palco oltre trenta voci, tra solisti, duetti ed ensemble vocali, per la semifinale del concorso canoro “Percoto Canta”.

La serata, a ingresso libero, sarà presentata da Alice Mattelloni, noto volto del piccolo schermo.

In prima fila, a giudicare ci saranno il cantautore e compositore Niccolò Agliardi (noto per aver firmato diversi successi di Laura Pausini, Eros Ramazzotti, Zucchero, Elisa, Emma, Roberto Vecchioni ed Ermal Meta) e l’autrice Federica Abbate (artista definita la “penna di platino” del pop made in Italy, artefice di successi di Fedez, Baby K, Marracash, Marco Mengoni, Elodie, Francesca Michielin e Boomdabash).

I due big della canzone italiana ascolteranno con attenzione le esibizioni di ragazze e ragazzi provenienti da ogni angolo della penisola, dal Piemonte alla Sicilia.

Durante il pomeriggio di sabato, tutti i concorrenti avranno l’opportunità di partecipare a un corso di fisiologia vocale tenuto dalla specialista Flavia Quass all’Auditorium Biagio Marin, mentre domenica 26 soltanto i 12 selezionati avranno l’occasione di seguire la masterclass “La scrittura di una canzone pop“, che vedrà in cattedra l’autrice Federica Abbate.

In palio i 12 posti per la finale di sabato 10 ottobre al Teatro Verdi di Gorizia, per decretare il vincitore della 38^ edizione, che si aggiudicherà il primo premio di 10.000 euro.

Ad accompagnare la serata goriziana, tra brani inediti, cover e duetti, ci sarà una grande orchestra, guidata da Nevio Lestuzzi, direttore artistico del contest.

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TRIESTE – Ritorna anche quest’anno il “Festival di Trieste – Il Faro della Musica”, il più grande festival concertistico della città, che si snoderà dal 14 al 24 settembre attraverso un percorso di undici giorni e una ventina di appuntamenti.

Uno spazio speciale sarà dedicato anche alle nuove tecnologie che stanno trasformando il mondo con un concerto realizzato in simultanea con diverse città del mondo attraverso il progetto LOLA (Low Latency).

A presentare il cartellone al Caffè Sacher di Trieste sono stati il presidente della Società dei Concerti Trieste, Piero Lugnani, e il direttore artistico della Società dei Concerti Trieste, Marco Seco.

Al centro di questa quarta edizione alcuni anniversari che intersecano l’anno 2026 nel mondo (270° dalla nascita di W.A. Mozart – 75° dalla fondazione della Camerata Salzburg e persino il 10° dalla scomparsa di George Michael) e in città (100° dalla nascita del grande violinista triestino Franco Gulli), guardando alla grande tradizione rappresentata dalla musica cameristica, concertistica e operistica da camera dal periodo barocco e classico dalla famiglia Bach alla Salisburgo di Mozart e la Venezia di Goldoni, quest’ultimo nel testo rivisitato nell’intermezzo operistico “Le donne vendicate” di Piccinni, sino al concertismo e al sinfonismo classico e novecentesco.

Il sipario sui grandi concerti si alzerà il 14 settembre al Teatro Rossetti con l’esibizione del flautista Emmanuel Pahud, primo flauto dei Berliner Philharmoniker, e del violoncellista Enrico Bronzi insieme all’Orchestra da camera l’Appassionata in una raffinata monografia dedicata alla famiglia Bach.

Pochi giorni dopo, il 18 settembre, lo stesso teatro ospiterà la Camerata Salzburg, anima del Festival di Salisburgo e ospite dei più prestigiosi palcoscenici da Vienna a New York che festeggia il suo 75° anniversario dalla fondazione, guidata dal direttore Finnegan Downie Dear e affiancata dal duo pianistico composto dai fratelli Lucas e Arthur Jussen, impegnati nel concerto per due pianoforti di Mendelssohn.

La tradizione legata ai valzer e alle atmosfere viennesi rivivrà invece con il Gran Ballo del Festival al Ridotto Victor De Sabata del Teatro Verdi, animato dalla Vienna Imperial Orchestra sotto la direzione di Russell McGregor e con la conduzione di Alessio Colautti, appuntamento ormai fisso del festival nel solco della tradizione di J. Strauss e F. Lehár (19 settembre).

Il legame con il Teatro Lirico Giuseppe Verdi si consoliderà attraverso due imponenti produzioni sinfoniche che vedranno protagonista la sua orchestra.

La prima, il 20 settembre, vedrà sul podio il direttore Francesco Lanzillotta e al pianoforte Benedetto Lupo in un confronto tra le note di Ravel, Šostakóvič ed Ezio Bosso.

Il festival si chiuderà il 24 settembre con una serata interamente consacrata a Mozart, che vedrà salire sul podio una leggenda della musica barocca e classica come Ton Koopman, insieme al talento pianistico di Francesco Piemontesi.

Di assoluto rilievo sarà anche l’omaggio alla Famiglia Gulli previsto per il 22 settembre al Ridotto Victor De Sabata del Teatro Verdi, dove la Nuova Orchestra da Camera Ferruccio Busoni, diretta da Massimo Belli e arricchita dal pianoforte di Emma Guercio e Lorenzo Cossi, allievo di Giuliana Gulli, celebrerà il grande violinista triestino a 100 anni dalla nascita con un programma a tutto Mozart per celebrarne i 270 anni dalla nascita.

Oltre ai palcoscenici tradizionali, la rassegna proporrà progetti originali e contaminazioni di assoluto rilievo.

Il Parco del Castello di Miramare farà da sfondo a una suggestiva performance tra musica e danza intitolata “Falling from the sky“, un tributo a icone del pop e del rock a dieci anni dalla loro scomparsa che vedrà dialogare il pianista Luca Ciammarughi e il ballerino del Teatro alla Scala Francesco Mascia su pagine che spaziano da Bach e Schubert a David Bowie, George Michael e Prince.

Una novità assoluta per il festival sarà l’approdo dell’opera lirica da camera con l’allestimento al Teatro Miela dell’intermezzo barocco “Le donne vendicate” di Niccolò Piccinni su testo di Carlo Goldoni realizzato con la collaborazione dell’Associazione Barocco Europeo.

Il festival si completerà con la dimensione diffusa dei concerti “Hausmusik” eseguiti dagli studenti del Conservatorio Tartini in dimore private, al Caffè San Marco, nella sede regionale RAI FVG e per la prima volta all’ITIS di Trieste, senza dimenticare l’innovazione tecnologica con il concerto in simultanea globale tramite il sistema a bassa latenza Lola.

Infine, le mattinate dedicate alle famiglie alla Casa della Musica, curate da Vincenzo Stera, e gli incontri di approfondimento con gli artisti prima dei concerti principali, confermano lo spirito inclusivo di una manifestazione capace di unire l’alto valore culturale al forte richiamo turistico per l’intera regione.

Info: https://www.societadeiconcerti.it/fest26

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