Giovedì 18 giugno, a partire dalle ore 18, Castel San Mauro di Gorizia ospiterà un appuntamento della ventesima edizione di BORDERLAND | ORIZZONTI, la rassegna di arte contemporanea curata da Orietta Masin ed Eva Comuzzi e promossa dal Circolo ARCI Cervignano, con il sostegno della Regione Friuli Venezia Giulia e la collaborazione dei Comuni di Cervignano del Friuli, Grado e San Vito al Tagliamento, insieme alle associazioni AGM e [A].

Con il progetto 2025.26, la rassegna celebra un traguardo significativo guardando simbolicamente verso l’orizzonte, inteso non come linea di separazione ma come spazio aperto all’esplorazione, all’incontro e all’immaginazione.

Un tema che attraversa l’intero programma e che invita a riflettere sul concetto di confine, sui suoi limiti e sulle possibilità di superamento, mettendo in relazione paesaggi, comunità e prospettive future.

La scelta di Castel San Mauro assume un valore particolarmente significativo. Situato a ridosso del confine sloveno, San Mauro si configura infatti come un luogo di margine e di possibilità, un territorio che conserva le tracce della storia e che continua a interrogare il rapporto tra memoria, paesaggio e orizzonte.

È proprio qui che ha preso forma BORDERLAND, l’edizione speciale della residenza artistica del progetto 2025.26.

L’incontro del 18 giugno offrirà al pubblico l’occasione di conoscere da vicino il percorso della residenza attraverso una conversazione tra la curatrice Eva Comuzzi e l’artista Irene Dorigotti, ospite in residenza dal 14 al 21 giugno.

Seguirà la proiezione di “Residence Rewind“, breve racconto video delle precedenti edizioni della residenza che si sono svolte sull’Isola di Anfora nella laguna di Grado, a cura di Giancarlo Surez.

La serata proseguirà con “Corpo Soglia“, performance dell’artista Fabio Cipolla, secondo classificato nella call dedicata alla residenza.

L’azione performativa affronta il tema del corpo come luogo di attraversamento e confine e prevede la presenza di nudo integrale.

A conclusione dell’evento è previsto un brindisi con i vini dell’azienda vitivinicola Castel San Mauro, accompagnati da prodotti del territorio, in un momento conviviale pensato per favorire l’incontro tra artisti, curatori e pubblico.

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Sono oltre cinquanta le opere in mostra di Loreto Bertoli (Tolmezzo 1933-2009), che consentono di ricostruire e raccontare al visitatore la figura dell’artista, originario di Illegio, mettendone in luce gli aspetti biografici, ambientali e culturali.

Il percorso espositivo, sviluppato per sezioni tematiche diverse in ogni sala, sarà impreziosito da alcune opere di autori di grande rilievo del panorama artistico internazionale: Paul Gauguin, Jean-François Millet, Henri de Toulouse-Lautrec, Pablo Picasso, Giacomo Balla, Giorgio De Chirico, Carlo Carrà, Giorgio Morandi e Oskar Kokoschka.

Uno sguardo che da Tolmezzo si apre verso il mondo: se, da una parte, nelle opere di Bertoli si ritrovano luoghi, paesaggi, persone, mestieri e scene di vita paesane legate al borgo di Illegio, al territorio della  Carnia e alla vicenda personale dell’artista, dall’altra, l’accostamento di opere di autori internazionali conosciuti e ammirati in tutto il mondo consente di indagare temi e linguaggi che sono stati d’ispirazione per il pittore e che rappresentano dei pilastri della storia dell’arte tra Ottocento e Novecento.

Dalla narrazione emerge la visione personale dell’artista, limpida e dirompente, capace di toccare corde inaspettate dell’animo umano.

Nella sua pittura, infatti, Bertoli non si prefigge semplicemente di documentare una realtà locale per salvarla dall’oblio del tempo, ma intende soprattutto esercitare uno sguardo incantato sull’anima e sulla poesia delle cose, dei luoghi e delle persone.

A partire dalla Carnia, un territorio che racchiude in sé tutta la ricchezza enigmatica della vita, a saperla guardare: una prospettiva che si oppone alla fretta, alla superficialità e alla noncuranza che contraddistinguono il nostro tempo, alle quali spesso siamo costretti nella frenesia della società contemporanea.

Per questo lo sguardo del pittore, nella sua dimensione poetica e spirituale, si fa necessario e offre al visitatore l’opportunità di confrontarsi con temi universali e con una profonda umanità e ricchezza di sentimenti, che arrivano dritte agli occhi e al cuore di chi guarda, senza filtri o censure.

Prestigiosa è la provenienza delle opere: due di esse appartengono alle collezioni del Quirinale, mentre le altre provengono da collezioni private.

Il percorso espositivo

Sono oltre cinquanta le opere di Loreto Bertoli in mostra. Il percorso si sviluppa attorno a temi universali — le Compagnie, il Paese, il Lavoro, il Paesaggio, le Cose, i Volti, il Disegno, la Ricerca — accompagnando il visitatore in un itinerario che intreccia memoria, identità e introspezione, restituendo al pubblico la figura di un artista ricco di pathos e grande intensità espressiva.

Brevi narrazioni plurilingui affiancano le opere, così da offrire al visitatore un’esperienza immersiva, chiara e stimolante.

Il visitatore è così condotto in un percorso espositivo che ricostruisce la vita dell’artista, degli abitanti e dei luoghi di Illegio, e indaga la tradizione popolare della Carnia e le parentele artistiche tra il linguaggio di Bertoli e le sue radici nella storia dell’arte, in particolare quella dell’Ottocento e del Novecento.

Al cuore dell’esposizione vi è il messaggio e la cifra personale dell’artista, una lettura piena di incanto, delicatezza e mistero sulla vita e sul mondo: quello circoscritto e materiale della realtà di Illegio, ma anche quello interiore, sconfinato ed enigmatico. Opere che si incontrano e dialogano con il mondo visivo e artistico di Paul Gauguin, Jean-François Millet, Henri de Toulouse-Lautrec, Pablo Picasso, Giacomo Balla, Giorgio De Chirico, Carlo Carrà, Giorgio Morandi e Oskar Kokoschka.

Attraverso dipinti e disegni, il percorso espositivo mette così in luce la profondità dello sguardo di Bertoli e la sua capacità di trasformare paesaggi, volti, oggetti quotidiani e scene di vita in immagini cariche di umanità e tensione poetica. Il dialogo con i grandi maestri del Novecento non vuole creare semplici accostamenti stilistici, ma evidenziare consonanze interiori, sensibilità comuni e una medesima ricerca sull’animo umano e sul significato profondo del vedere.

Loreto Bertoli

Nato a Illegio nel 1933, Loreto Bertoli si forma da autodidatta tra pittura, grafica e lavorazione del legno, lavorando come designer per la ditta Lamborghini di Tolmezzo.

La sua produzione artistica si sviluppa in un arco temporale che va dagli anni Cinquanta al 2009, ma è a partire dai primi anni Ottanta che l’autore si dedica completamente alla pittura – in quegli anni, a seguito del terremoto del 1976, viene inoltre incaricato di dipingere la pala centrale della Chiesa della Conversione di San Paolo a Illegio.

Temi privilegiati della sua pittura sono i paesaggi, i ritratti, le nature morte, le scene di vita paesana e i soggetti religiosi. Al centro della sua ricerca artistica si colloca il borgo di Illegio, con la Pieve di San Floriano, che ricorre frequentemente nelle sue opere come elemento simbolico e identitario.

Le nature morte accostano oggetti del passato e del presente in composizioni ricche di vitalità cromatica, mentre i ritratti e gli autoritratti diventano occasione di indagine introspettiva e di approfondimento sul rapporto tra luce, colore e psicologia del soggetto.

Ampio spazio è dedicato anche alle scene di vita quotidiana della Carnia, osservate con sguardo partecipe e attento, non privo di ironia – troviamo ritratti uomini che giocano a carte nel bar del paese o gruppetti che si incontrano per scambiare alcune chiacchiere in piazza -, e ai temi religiosi, sviluppati con particolare intensità a partire dagli anni Ottanta.

Completano la sua produzione i disegni e gli schizzi, che testimoniano la capacità dell’artista di cogliere con pochi tratti essenziali l’autenticità dei soggetti rappresentati.

La pittura di Loreto Bertoli è caratterizzata da robuste note di colore, tratti decisi e insieme delicati, dai quali traspaiono una ricchezza di sentimenti e un’umanità profonda che colpisce l’osservatore in maniera autentica, senza mediazioni.

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GRADISCA D’ISONZO – La Galleria Regionale d’Arte contemporanea Luigi Spazzapan arricchisce il proprio percorso espositivo con una nuova selezione di opere, provenienti dalla Collezione Antonio Cattaruzza, dedicata ai temi della natura e del paesaggio.

L’esposizione si mette in dialogo con la mostra “Flowers. Naturae, connessioni tra terra e arte”, visitabile allo SpazioLab, ampliandone il campo di riflessione attraverso un itinerario che attraversa differenti stagioni e linguaggi dell’arte del Novecento.

Il nuovo allestimento offre infatti uno sguardo articolato sul rapporto tra arte e natura, mettendo in relazione esperienze maturate nel panorama nazionale con ricerche sviluppatesi nell’ambito delle regioni di confine e dell’area mitteleuropea.

La selezione riunisce autori di differenti generazioni, provenienze e orientamenti espressivi, restituendo una costellazione eterogenea di sguardi nella quale il riferimento alla natura non coincide mai con una semplice rappresentazione del reale, ma si trasforma, di volta in volta, in costruzione simbolica, memoria, evocazione poetica o sperimentazione formale.

Tra le opere esposte si segnalano “Natura morta con vaso di fiori ed aragosta” di Sante Monachesi (1950-1960 circa), “Roma vista dalla Camilluccia” di Mino Maccari (anni Quaranta del Novecento), “Mazzolino di fiori” di Carlo Sbisà (1951), “La casa di Arturo” (1997) di Salvo, “Paesaggio Montano” (1941) un acquerello di Willi Götzl e “Paesaggio lacustre notturno” un prezioso disegno di Josef Willroider: lavori emblematici della pluralità di interpretazioni che il tema del paesaggio e della natura ha assunto nel corso del secolo.

La Collezione Antonio Cattaruzza conferma anche in questa occasione il proprio valore di straordinario archivio di relazioni e dialoghi tra esperienze artistiche differenti, offrendo al pubblico l’opportunità di esplorare percorsi meno noti ma fondamentali per comprendere l’evoluzione della cultura figurativa del Novecento.

La nuova esposizione completa e arricchisce l’esperienza di visita della Galleria Spazzapan, che continua a presentare al piano terra opere del Fondo Biolcati/Corgnati, quelle dei maestri internazionali quali Max Ernst, Picasso e Léger oltre al percorso dedicato alla storia dell’istituzione, consolidando il proprio ruolo di punto di riferimento per la valorizzazione dell’arte moderna e contemporanea del territorio.

La donazione

Nell’agosto 2024, ERPAC si è arricchito della prestigiosa raccolta di 196 opere d’arte donate dall’ingegnere e collezionista triestino Antonio Cattaruzza.

Questa comprende dipinti, disegni, sculture, grafiche, vetri e opere a tecnica mista.

La collezione riunisce artisti dell’Ottocento e del Novecento, con particolare attenzione a Trieste e al contesto mitteleuropeo, accanto a importanti nomi nazionali e internazionali come Joan Miró, Karel Appel, Pablo Picasso, Max Ernst, Jean Cocteau e Fernand Léger.

L’acquisizione ha rappresentato un importante segnale di fiducia nei confronti dell’Ente e ha arricchito il patrimonio culturale regionale con un insieme di opere che documenta la ricchezza e la pluralità dell’arte del Novecento e contemporanea.

ERPAC si impegna quindi a conservarle, valorizzarle ed esporle.

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Sarà visitabile da lunedì 8 giugno fino al 31 agosto negli spazi di Foresta in Città di via Giusto Muratti 1 a Trieste la mostra Peripheral Memories, esito dell’omonimo progetto di residenze artistiche internazionali promosso dall’Associazione IoDeposito ETS.

La mostra trova casa in una location particolarmente significativa, uno spazio espositivo e interattivo dedicato alla valorizzazione del patrimonio forestale regionale e della cultura del legno, realizzato dal Cluster Legno Arredo e Sistema Casa FVG con la Regione Friuli Venezia Giulia in collaborazione con Legno Servizi – Cluster Forestale FVG.

Nato nel 2020 e sostenuto dalla Regione e dalla Fondazione Carigo, Peripheral Memories rappresenta una delle progettualità pluriennali più significative sviluppate da IoDeposito per creare relazioni tra artisti internazionali e tessuto produttivo regionale.

Nel corso degli anni il progetto ha dato vita a oltre venti opere tra installazioni, interventi di land art e lavori multimediali, costruendo un dialogo originale tra memoria industriale, sostenibilità e identità territoriale.

Gli artisti coinvolti vivono infatti un’esperienza immersiva all’interno di aziende, aree produttive e contesti naturali, osservando processi, incontrando lavoratori e comunità e trasformando questa esperienza in opere site-specific.

L’esposizione triestina raccoglie gli esiti delle più recenti residenze artistiche e delle ricerche sul campo realizzate da Marta Azparren, Guido Mitidieri, Nemanja Milenković e Yilin Zhu, protagonisti di un percorso che attraversa idealmente l’intera filiera del legno regionale, dalle aree boschive alle lavorazioni industriali.

Al centro della mostra vi è il lavoro della visual artist spagnola Marta Azparren, sviluppato durante la residenza presso un’azienda di arredo di alta gamma di San Giovanni al Natisone. Attraverso l’osservazione dei gesti ripetitivi della produzione e l’utilizzo di particolari strumenti applicati ai guanti da lavoro, l’artista ha trasformato il legno in un archivio materiale della memoria del lavoro umano, restituendo visibilità a movimenti e competenze spesso destinati a rimanere invisibili.

Accanto a questa ricerca trovano spazio il percorso dell’architetto e artista concettuale Guido Mitidieri che esplora il rapporto tra comunità e paesaggio, che avrà il suo sviluppo finale a metà con un’opera di land art sulle rive dell’Isonzo in località Sagrado.

Le riflessioni sull’equilibrio tra uomo e natura dell’artista serbo Nemanja Milenković; e il lavoro della sound artist Yilin Zhu, che attraverso installazioni sonore generate con l’intelligenza artificiale rielabora i rumori delle lavorazioni industriali e i suoni del bosco, restituendo una nuova dimensione sensibile al patrimonio immateriale del lavoro.

Attraverso opere materiche, fotografiche, video e sonore, Peripheral Memories propone una riflessione sul ruolo dell’essere umano nei processi produttivi contemporanei, sospesi tra tradizione manifatturiera e innovazione tecnologica.

Un progetto che guarda alla transizione ecologica non solo come sfida industriale, ma anche culturale, riaffermando il valore della memoria, del gesto e delle relazioni tra persone, imprese e territorio.

La mostra Peripheral Memories sarà visitabile a ingresso libero fino al 31 agosto negli spazi di Foresta in Città a Trieste dal lunedì al venerdì in orario 10.00-13.00 | 14.00-17.00. L’ingresso è gratuito.

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Fantastica Alpina Della Martina – scrive Marianna Accerboni -, capace di deviare dalle chiare solitudini del paesaggio innevato e non, espresso attraverso l’acquarello, verso vedute urbane e naturali, di mare e di terra, dipinte con maestria, con immediatezza e cura del dettaglio, in cui a volte l’artista esprime consapevolmente ed efficacemente una parte per il tutto.

Accantonati per il momento i soffusi e morbidi acquerelli, l’artista sa dosare istintivamente lo slancio cromatico e luministico per creare dei contrappunti intrisi di un pathos istintivo, intenso ma nel contempo calibrato, in cui una narrazione espressionista, realizzata a tecnica mista con l’impiego di acrilico e tempera, trasmette un messaggio oggettivo ma allo stesso tempo sottilmente lirico e intimo, che sa coinvolgere il fruitore anche attraverso declinazioni quasi simboliste e dal sapore a tratti misteriosamente esoterico.

Mentre il colore svetta sincero e diretto, la pittrice friulana, che ha al suo attivo una ricca sequenza di esposizioni apprezzate in sedi di prestigio in Italia e all’estero, ricompone un universo altro rispetto al passato, che ne testimonia l’estrema maestria e la facoltà d’intuire i fremiti di ciò che appare attraverso una rinnovata sensibilità cromatica, che a volte si fa così intensa da sfiorare l’impeto fauve.

Su tali vedute Della Martina – conclude Marianna Accerboni – sa innestare contrappunti di luce e cromatici di grande sensibilità e a volte un dinamismo fantastico capace d’interpretare anche il vento, che rapportano questo suo nuovo linguaggio, testimone hic et nunc della realtà, agli esiti di un verbo dal sapore razionalista molto diverso da quella sorta di minimalismo neoromantico attraverso cui si era espressa in passato, testimoniando con ciò il fatto che ogni artista autentico trova  sempre in sé la capacità di rinnovarsi.

Alpina Della Martina, nata a Codroipo e vissuta vent’anni a Latisana, vive e dipinge a Ovaro, in Carnia.

Nel corso della sua lunga attività pittorica ha presentato le proprie opere in numerose gallerie e sale espositive in Italia e all’estero, tra cui: 1984, Pordenone, Galleria Grigoletti; 1992, Pisa, Palazzo Galimberti; 1993, Firenze, Gadarte; 1994, Udine, Galleria La Loggia; 1996, Milano, Galleria Modigliani; 1997, Sappada, Sala Bonanni; 1999, Udine, Centro Friulano Arti Plastiche; 2001, Cividale del Friuli, Chiesa di S. Maria dei Battuti; 2002, Gemona del Friuli, Galleria Babele; 2003 Isola, Slovenia, Galleria Insula; 2004 Ferrara, Galleria Sekanina; 2007, Parigi, Gallerie Colas; 2009, Trieste, Sala Comunale d’Arte; 2011, Venzone, Palazzo Orgnani Martina; 2012 Tolmezzo, Palazzo Frisacco; 2013 Venezia, Galleria d’Arte Ellisse; 2019, Tarcento, Palazzo Frangipane; 2024, Tolmezzo, Palazzo Frisacco.

DOVE: Sala Comunale d’Arte · piazza Unità d’Italia, 4 · Trieste
QUANDO: 10 · 28 giugno 2026
ORARIO: tutti i giorni ore 10 · 13 e 17 · 20
A CURA DI: Marianna Accerboni
CATALOGO: sì
INFO:  +39 0433 67015 / +39 339 1370311 / alpinadelmar@gmail.com / www.alpinadellamartina.it

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MONFALCONE – Resterà visitabile fino al prossimo 28 giugno, ma la mostra Sandra Zeugna – Fulvio Dot. Contaminazioni della storia allestita nella Galleria Comunale d’Arte Contemporanea di Monfalcone (clicca qui per orari e informazioni) ha già conquistato il pubblico e la critica.

Tutti stregati dal dialogo che l’esposizione ha saputo attivare un dialogo tra un architetto figurativo (Dot) e una artista informale (Zeugna).

I due linguaggi, figurativo e informale, hanno radici lontane e ben piantate nella loro area di appartenenza. A questo proposito, è stata dedicata una sala a coloro che sono stati i principali punti di riferimento di Dot e Zeugna, da cui derivano le contaminazioni richiamate dal titolo della mostra.

Gli artisti storici rappresentano le dovute citazioni di un tempo glorioso, la seconda metà del ‘900, che ha certamente contribuito a formare e influenzare la sensibilità artistica delle generazioni successive, come nel caso di Dot e Zeugna.

Sono così in esposizione le sintesi estreme di Anton Zoran Mušič, l’astrazione lirica di Afro Basaldella in vivace dialogo con Giorgio Celiberti, le inquietudini viscerali di Giuseppe Zigaina e le evoluzioni visionarie di Agostino Piazza. E, a completamento della sezione, la drammaticità graffiante di Klavdij Palčič in antitesi con la dimensione onirica di Cesare Mocchiutti.

Un’altra citazione è d’obbligo: quella relativa all’Istituto d’Arte, ora Liceo Artistico, ‘Max Fabiani’ di Gorizia. Alcuni di questi artisti della storia ne sono stati docenti, lasciando nella memoria collettiva una traccia indelebile, mentre diversi allievi sono diventati maestri.

Il loro impegno – assieme ad altri – ha contribuito alla creazione di quella ipotetica Scuola di Gorizia, intesa come movimento di avanguardia, teorizzata da Luciano de Gironcoli qualche anno fa, che seppe esprimere un’arte ‘importante, pulita e dal carattere internazionale’, per citare le sue parole.

“Il fulcro espositivo – spiega Raffaella Rita Ferrari, project manager della mostra e figura essenziale per la piena compiutezza dell’evento, sia per le dinamiche organizzative che di allestimento – è rappresentato dalle opere di Sandra Zeugna e Fulvio Dot, nelle quali si riconosce lo sviluppo del loro incessante lavoro. La ricerca si colloca così in continuità con la tradizione ricevuta, reinterpretandola attraverso sensibilità e problematiche proprie del presente. La memoria si traduce in linguaggio attuale; il confine diviene spazio di elaborazione contemporanea; il viaggio assume la forma di crescita interiore”.

“Per condurre gli spettatori all’interpretazione di questa mostra – evidenzia Ferrari – bisogna puntare sul naturale passaggio, a livello percettivo, che va dal dato figurativo verso la forma dell’astrazione o l’informalità: ossia dalla riconoscibilità del soggetto fino all’alienazione della forma stessa. Dunque, da una struttura reale e a noi familiare, a un linguaggio che si evolve verso l’astrattismo lirico che, seppur radicandosi nel dato visibile, si spinge sempre più verso la non-forma. Il risultato così supera gli schemi rigidi di prospettiva e di riconoscibilità degli oggetti, in cui la vibrazione materica del colore diviene bussola d’orientamento emotivo”.

“In questa esposizione – sottolinea il curatore Giancarlo Bonomo – il dialogo tra Fulvio Dot e Sandra Zeugna è proprio tra Visibile e Invisibile e, in senso filosofico, tra Lògos e Pàthos, ovvero Ragione e Passione. Ecco le due ali che consentono all’Arte l’audace volo verso mete lontane. Due aspetti non solo complementari ma anche reciprocamente necessari. Il rigore del metodo e il virtuosismo dell’imprevedibile. La linea calibrata e l’armonia delle proporzioni con l’evanescenza, il guizzo inatteso”.

“Evidenti – conclude Bonomo – sono le differenze stilistiche e la semantica dei linguaggi. Ma, la sfida è proprio questa: proporre un confronto e ricercare un collegamento fra mondi apparentemente distanti. Dot, già architetto e designer, con le sue costruzioni ‘impacchettate’ e sospese nello spazio, presenta cartoline pronte da spedire nel futuro, specchio di un’epoca contraddittoria caratterizzata da guasti e provvisorietà, unitamente ad una sezione sperimentale dedicata a scorci naturalistici. La Zeugna, con le sue pregevoli rarefazioni informali, ci invita a guardare oltre, verso un Indistinto che unisce tutte le Cose. E sarà interessante scoprire le interazioni e le analogie, il segreto dialogo che coniuga le ragioni della Terra con quelle del Cielo per accorgersi che, in fondo, sono due facce della stessa medaglia. Ovvero, modi diversi di esprimere una comune necessità interiore”.

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Per l’artista si tratta della seconda mostra personale dopo “La musica dei colori” tenuta nella stessa Sala Eugenio Valentinis nel 2022.

Le opere rimarranno in esposizione fino al 20 giugno 2026.

Biasioli, monfalconese classe 1964, vanta una carriera radicata nella sperimentazione materica e nell’evoluzione stilistica, passata dall’artigianato artistico alle mostre collettive e personali.

La sua formazione unisce gli studi scolastici a un percorso da autodidatta. In particolare, il lavoro con il professor De Luca le ha permesso di esprimere la propria interiorità attraverso immagini oniriche e cromatiche.

Le tecniche spaziano tra acrilico, acquerello, pastelli e matite su tela o cartoncino, variando in base al messaggio.

Le sue opere, calde e avvolgenti, traspongono stati d’animo e concetti di rinascita, prediligendo volti femminili, natura ed elementi floreali.

Livio Nonis

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GORIZIA – L’Università di Trieste, grazie all’impegno di conservazione e divulgazione culturale del Sistema Museale di Ateneo (SmaTS), inaugura la Galleria Ducaton, un nuovo spazio permanente al I° piano dell’ala destra della sede di Gorizia di via Alviano 18, dedicato al ciclo pittorico La donna del mare di Annamaria Ducaton (1936-2026).

Si tratta di 28 tele che la pittrice triestina ha donato all’Ateneo nel 2024 in occasione dei cento anni dalla sua fondazione.

Realizzato tra il 1984 e il 1985, il ciclo è ispirato all’omonimo dramma di Henrik Ibsen del 1889.

L’opera rappresenta un percorso affettivo e artistico in cui Ducaton entra in dialogo con la madre, l’attrice Giannina Herman Macknig, e con Ellida, protagonista del lavoro ibseniano.

La nuova galleria permanente nasce come omaggio e segno di gratitudine verso l’artista recentemente scomparsa e valorizza il legame tra arte, memoria personale, teatro e patrimonio culturale di UniTS.

Per il pubblico esterno la galleria sarà prossimamente visitabile su prenotazione.

Annamaria Ducaton (1936 – 2026)

Respira da subito l’atmosfera artistica della famiglia. Da bambina inizia lo studio del pianoforte e dopo cinque anni lo abbandona per dedicarsi alla pittura.

Artista “immaginaria”, ha all’attivo un’ottantina di mostre personali a Trieste, Duino, Lignano, Udine, Gorizia, Maniago, Brunico, Dobbiaco, Steinhaus, S. Bonifacio di Verona, Trento, Roma, Torino, Milano, Isola d’Istria, Lubiana, Dobrovo, Salisburgo, Graz, Helsinki, Basilea, Terezin (Repubblica Ceca), Venezuela, California.

Ha partecipato a oltre un centinaio di esposizioni collettive in Italia e all’estero. Lavora sviluppando vari temi che le consentono di approfondire gli argomenti prescelti in modo dettagliato, ricavandone un importante apporto culturale a livello non solo personale.

La musica e la letteratura camminano sempre assieme al suo lavoro pittorico.

Ciclo pittorico “La donna del mare” (1984-1985)

La serie di opere a tecnica mista di Annamaria Ducaton trae ispirazione dal dramma di Ibsen La donna del mare, intrecciando in modo poetico immagini personali e simboli universali. Ducaton utilizza fotografie di sé stessa e di sua madre, collocandole in un contesto visivo astratto, caratterizzato da forme fluide e colori suggestivi. Ogni opera diventa così una riflessione visiva e testuale sul tema dell’identità, del legame e del bisogno di libertà. Sopravvivono 28 opere delle 29 originarie e vanno lette secondo un ordine stabilito dalla stessa autrice.

La tensione tra appartenenza e desiderio di evasione è al centro di queste opere dove il mare, evocato da forme ondulate e colori cangianti, rappresenta il mondo interiore e le forze sotterranee che accompagnano il viaggio della scoperta di sé.

Ducaton sovrappone simboli e immagini. La stratificazione visiva esprime la complessità della memoria, in cui passato e presente si fondono, mentre il volto della madre si alterna a quello dell’artista, in un dialogo che evoca il legame generazionale ma anche il conflitto tra ciò che si eredita e ciò che si vuole superare.

Citazioni tratte da La donna del mare accompagnano le immagini e intensificano il senso di introspezione e di minaccia invisibile.

I contorni delle figure si fondono in uno sfondo surreale, dove forme marine e creature immaginarie sembrano avvolgere e osservare i personaggi, incarnando paure interiori e desideri inespressi.

La presenza del mare, con il suo richiamo alla libertà e al pericolo, diventa una metafora della profondità psichica in cui si muovono le protagoniste. Alla base di queste opere vi è anche una riflessione sull’identità femminile e sull’autonomia.

Le parole di Ellida esprimono il desiderio di rompere i vincoli e di affermare la propria autenticità. Anche visivamente, le figure femminili appaiono isolate, immerse in paesaggi astratti che le rendono al contempo parte ed estranee all’ambiente che le circonda, suggerendo la dualità di chi cerca di scoprire e affermare sé stessa al di fuori dei ruoli imposti.

In sintesi, la serie di Ducaton è un’esplorazione intima e complessa delle relazioni familiari e dell’identità, radicata nella poetica del mare simbolico di Ibsen.

La fusione tra fotografia e astrazione genera un’immagine stratificata e vibrante, che invita a riflettere su come i legami, siano essi familiari o esistenziali, possano essere allo stesso tempo rifugio e limite da superare.

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UDINE – Ci sono saracinesche abbassate che raccontano assenze, ma anche spazi che possono tornare a parlare attraverso la creatività.

È da questa idea che nasce la seconda edizione di “Nuove Generazioni”, il progetto di SimulArte che, in collaborazione con Confcommercio Udine e il Comune del capoluogo friulano e grazie al sostegno della Regione, mette in dialogo arte contemporanea, giovani creativi e tessuto commerciale cittadino, trasformando le vetrine sfitte del centro storico in luoghi di immaginazione, visione e rinascita urbana.

Promosso per favorire l’incontro tra cultura e mondo produttivo, il progetto torna dopo la positiva esperienza della prima edizione, che aveva visto protagonista il giovane AI artist friulano Giacomo Urban con una mostra ospitata dalla Fondazione Friuli di Udine.

In quell’occasione l’artista aveva visitato quattro aziende del territorio regionale, traducendone identità e suggestioni in opere d’arte realizzate attraverso il linguaggio dell’intelligenza artificiale.

La nuova edizione

Per questa nuova edizione il progetto amplia il proprio sguardo e coinvolge, accanto a Urban, altre giovani energie creative del Friuli Venezia Giulia come Marta Lorenzon e Davide Marzona.

I tre artisti sono stati chiamati a reinterpretare alcuni spazi commerciali sfitti del centro storico udinese attraverso la realizzazione di “Vetrine d’artista”, installazioni capaci di immaginare nuove identità e nuove possibilità per luoghi oggi inutilizzati.

Ogni autore ha lavorato secondo il proprio linguaggio espressivo, trasformando le vetrine in opere visive aperte alla città e ai passanti.

“Il progetto – spiega Federico Mansutti, presidente di SimulArte – nasce dalla volontà di offrire spazio e visibilità ai giovani artisti del Friuli Venezia Giulia, mettendoli nelle condizioni di confrontarsi direttamente con la città e con i suoi spazi. Siamo infatti convinti che la cultura debba uscire dai luoghi convenzionali e diventare esperienza quotidiana e condivisa. Le vetrine vuote spesso raccontano una mancanza. Noi abbiamo voluto così trasformarle in luoghi capaci di raccontare idee, visioni e futuro, anche grazie ai proprietari degli immobili, con i quali abbiamo condiviso questo percorso”.

“Nuove Generazioni – commenta il presidente di Confcommercio Udine, Rodolfo Totolo – rappresenta un esempio concreto di come il centro storico possa tornare a vivere attraverso la collaborazione tra realtà associative, istituzioni e giovani talenti del territorio. Come Confcommercio Udine crediamo fortemente che iniziative di questo tipo abbiano un duplice valore: da un lato restituiscono attenzione e bellezza a spazi commerciali oggi inutilizzati, dall’altro riportano cittadini e visitatori a vivere il cuore della città con uno sguardo nuovo. Coinvolgere il mandamento e le attività del centro storico in un percorso che unisce arte contemporanea, creatività e rigenerazione urbana significa investire non solo sull’immagine di Udine, ma anche sulla sua capacità di attrarre nuove energie, nuove idee e nuove opportunità economiche e sociali. Le vetrine vuote non devono essere percepite soltanto come un segnale di difficoltà, ma possono diventare luoghi di incontro, cultura e futuro”.

Un progetto sposato anche dall’amministrazione comunale in sinergia tra gli assessorati alle Attività Produttive e Turismo, alla Cultura e al Patrimonio. “Iniziative come questa – commenta il vicesindaco Alessandro Venanzi – dimostrano quanto la collaborazione tra istituzioni, realtà imprenditoriali, mondo culturale e creatività giovanile possa generare valore concreto per la città. Trasformare le vetrine sfitte del centro storico in spazi di espressione artistica significa non solo riqualificare il tessuto urbano, ma anche proporre una nuova idea di centro cittadino, più dinamico, attrattivo e capace di parlare ai giovani e ai visitatori. È un modo intelligente e contemporaneo di affrontare il tema dei locali sfitti, che unisce bellezza, innovazione e attenzione al territorio”.

L’inaugurazione

L’inaugurazione ufficiale di “Nuove Generazioni – II edizione” si terrà venerdì 15 maggio alle 18 con una visita guidata itinerante nel centro storico di Udine condotta dagli stessi artisti coinvolti nel progetto. Il punto di ritrovo sarà in piazza Matteotti, sotto l’insegna “Ex-Giacomini”, dove il pubblico potrà iniziare un percorso guidato tra le vetrine trasformate dall’arte. La partecipazione è gratuita.

Il progetto proseguirà poi domenica 17 maggio con “Udine, storie di mercati, mercanti e artigiani”, una visita guidata dedicata alla storia commerciale e produttiva della città.

Sono previsti due turni, dalle 10 alle 11.30 e dalle 12 alle 13.30, con partenza dalla Loggia del Lionello. La partecipazione, anche in questo caso, è gratuita su prenotazione. Le opere resteranno poi esposte fino al 3 giugno.

Gli artisti

Tra gli artisti coinvolti figura Marta Lorenzon, artista visiva originaria della provincia di Pordenone, la cui ricerca si sviluppa tra pittura, arte urbana e illustrazione editoriale, con una particolare attenzione ai temi del movimento, della memoria e dello spazio.

Nel corso della sua carriera ha partecipato a mostre nazionali e internazionali e collaborato con realtà editoriali come Mondadori, Sperling & Kupfer e L’Internazionale, dedicandosi negli ultimi anni soprattutto alla pittura murale e ai progetti di creatività urbana.

Accanto a lei Giacomo Urban, laureato in Multimedia e comunicazione digitale all’Università di Udine e formatosi successivamente al Global Cinematography Institute di Los Angeles.

Dal 2022 ha sviluppato un percorso artistico centrato sull’utilizzo dell’intelligenza artificiale per la creazione di immagini caratterizzate da forte fotorealismo e da una riflessione sul tema della “forza della fragilità”, in un continuo dialogo emotivo tra tecnologia ed esperienza umana.

Completa il gruppo degli artisti coinvolti Davide Marzona, artista e compositore diplomato al Conservatorio “Giuseppe Tartini” di Trieste in Musica e Nuove Tecnologie, dove ha concluso il proprio percorso con una tesi dedicata a un’installazione audiovisiva sperimentale.

La sua ricerca si sviluppa attraverso la progettazione di installazioni immersive diffuse sul territorio, in cui suono, spazio e percezione dialogano tra loro attraverso linguaggi contemporanei e tecnologie innovative.

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CERVIGNANO DEL FRIULI – Ultima settimana di apertura per la mostra “Dialoghi sulla linea dell’orizzonte. A mio padre, alla mia terra”, dello scultore Marco Petean, allestita nella Biblioteca civica “Giuseppe Zigaina” (clicca qui per tutti i dettagli).

Giovedì 14 maggio (dalle ore 16 alle 18) e sabato 16 maggio (dalle ore 11 alle 13, l’artista sarà presente per delle visite guidate.

Nel frattempo, in questa intervista, ripercorre le emozioni vissute nelle settimane di apertura della sua personale.

Marco, che effetto ha fatto inaugurare questa mostra nella sua città?

«È stato molto emozionante e sono orgoglioso soprattutto del percorso fatto per arrivare a esporre in una mostra personale nella città in cui vivo. La è stata promossa dal Comune di Cervignano del Friuli conseguentemente alla mia aggiudicazione del Premio d’acquisto alla 52ª edizione dello storico e prestigioso Premio Suzzara e l’ingresso della mia opera dal titolo “Siamo noi in fuga” nella collezione permanente del Museo Galleria del Premio di Suzzara (Mantova), a fianco alle opere di grandi artisti del Novecento del panorama nazionale e regionale, come il mio concittadino Giuseppe Zigaina, al quale è intitolata la Biblioteca civica, luogo in cui si tiene la mostra. Zigaina si era aggiudicato il Premio Suzzara nel 1950 e nel 1956, così come altri artisti del calibro di Sergio Altieri, Franco Dugo, Armando Pizzinato, Luigi Spacal. E proprio il Museo Galleria del Premio di Suzzara e il Comune di Suzzara, assieme al Comune di Aquileia e alla Fondazione Società per la conservazione della Basilica di Aquileia, hanno patrocinato la mostra».

Dialoghi sulla linea dell’orizzonte. A mio padre, alla mia terra: come mai questo titolo?

«La mostra è stata concepita come un viaggio attraverso le mie memorie personali e quelle del mio territorio. Idealmente mi sono posto in riflessione di fronte alla linea dell’orizzonte che attraversa la Bassa Friulana, una sorta di confine visivo che al tempo stesso separa e unisce e che nel contempo custodisce le mie memorie. È lungo questa linea che non rappresenta soltanto il paesaggio, ma anche una linea mentale, uno spazio sospeso, che prendono forma i dialoghi citati nel titolo della mostra: dialoghi tra epoche, persone, luoghi e artisti di generazioni diverse. Le dediche a mio padre e alla mia terra non rappresentano un semplice atto formale, ma il cuore pulsante di questo progetto. Sono una dichiarazione d’amore verso le mie radici: ho voluto onorare l’uomo che mi ha tramesso valori importanti, come quelli della tenacia e della resilienza, e la terra che ha dato forma al mio sguardo. Presentare questa mostra nella mia città è stato per me un “ritorno a casa”, un modo per restituire in forma d’arte tutto ciò che questi luoghi ed i miei affetti mi hanno donato nel tempo».

La pineta di San Marco, la spiaggia e la vecchia stazione di Belvedere: perché ha voluto ricreare proprio questi luoghi con le sue sculture in terracotta policroma?

«Perché questi luoghi rappresentano la scenografia del mio racconto. Il viaggio che narro nella mostra raggiunge, dal mio punto di vista, la sua massima intensità proprio alle spalle della vecchia stazione di Belvedere di Aquileia, dove è nato mio padre nel dicembre del 1944: un punto in cui mare, colline, montagne e il cielo del Friuli Venezia Giulia sembrano congiungersi in un unico respiro visivo e simbolico. Ho rappresentato i luoghi dell’infanzia di mio padre e della mia, come luoghi interiori prima che reali, paesaggi dell’anima in cui la memoria familiare, la trasformazione ambientale e la stratificazione storica si fondono in una narrazione unica. La valle di pesca di Belvedere, la collina su cui si erge la chiesa di San Marco, la spiaggia di Belvedere, la vecchia stazione, compongono la mia geografia intima. Quei luoghi un tempo popolati, rumorosi, immersi in una vegetazione vitale, oggi appaiono progressivamente spopolati, immobili, silenziosi, mentre la natura, lentamente si riappropria del proprio spazio, cancellando le tracce della presenza umana, i suoni si rarefanno lasciando il posto al silenzio, ai versi degli animali e ai rumori della natura, creando quasi un palcoscenico teatrale che sembra sospeso, bloccato, in attesa».

Il suo sguardo verso il passato è più nostalgico o di gratitudine?

«Entrambe le cose: la nostalgia riguarda i luoghi che sono cambiati, modificati, scomparsi, o abbandonati, come nel caso della stazione di Belvedere di Aquileia, che è stata abitata dalla famiglia di mio padre dal 1944 fino alla fine degli anni Ottanta, alla quale ho dedicato un’opera dal titolo “Punto di partenza. La stazione dei ricordi offuscati” e le persone che non ci sono più, mi mancano le loro voci, i loro racconti, i loro gesti affettuosi; la gratitudine invece, riguarda sia i luoghi che le persone, per quello che mi hanno saputo dare, in termini di valori, di sentimenti, di insegnamenti. Dal mio punto di vista, le opere che raccolgono meglio al loro interno entrambi questi sguardi, di nostalgia e di gratitudine, sono quelle intitolate “L’ultimo guardiano della valle”, che rappresenta la valle di pesca di Belvedere, come oggi non la si può più vedere, con il capanno, la barca e la bicicletta del suo “ultimo guardiano”, mio zio, e “Il custode dell’orizzonte”, che rappresenta la collina su cui si erge la chiesa e il cimitero di San Marco, il mio luogo dell’anima, nel quale mi sono sposato, ma nel quale riposano anche i miei cari».

Cos’ha significato suo padre nel suo percorso artistico?

«Il rapporto con mio padre rappresenta il vero motore del mio percorso artistico. È quella forza propulsiva che mi spinge a scavare nella memoria sua e della nostra famiglia, e a trasformare il ricordo in materia e a dargli forma. Senza il confronto con la sua storia, i suoi silenzi e i suoi racconti, la mia mano non avrebbe preso la stessa direzione. Ogni scultura presentata nella mostra di Cervignano, è nata da questa spinta interiore, un’energia che mi ha aiutato a trasformare l’affetto e i sentimenti in opere, in atti creativi. Inoltre, nel momento in cui ho cominciato a progettare e a ideare l’ultima esposizione, mi sono immediatamente emersi i temi a me più cari e ha preso forma il viaggio attraverso le mie memorie personali. Il rapporto con mio padre è risultato essere centrale nel racconto: la sua storia, che parte dall’infanzia, i suoi ricordi, sono stati la base di partenza per ideare le opere presentate, così come una domanda che gli avevo posto pochi mesi prima “quali sono stati gli anni più belli e felici della tua vita?”».

Una parte della mostra è dedicata proprio a lui: alla sua infanzia in seminario e al suo ultra trentennale servizio all’interno della Basilica di Aquileia. Come mai questa scelta?

«I miei teatrini in terracotta, in questa mostra, sono diventati il medium privilegiato per dare forma a un atto d’amore, di restituzione e riparazione nei confronti del territorio e della figura di mio padre. In essi ho creato e custodito i frammenti di vita e di racconti lontani, restituendo colore a immagini sbiadite e nuova presenza a luoghi e a persone care. Il mio ha voluto essere anche un atto di preservazione della memoria degli individui comuni, come appunto mio padre, quelli che la storia tende a dimenticare. Ho voluto – tramite le sue fotografie e i suoi racconti – creare un nuovo legame, ancora più profondo, ricostruendo la sua esperienza di bambino che nella metà degli anni Cinquanta lascia il paese nativo e la famiglia per intraprendere la strada del seminario; a questa fase della sua vita ho dedicato un’installazione fotografica, con vecchie foto di famiglia e dei brevi scritti, dal titolo “Il tempo del distacco”. In mostra ho inoltre presentato tre sculture in terracotta policroma dedicate a mio padre, una che lo raffigura nei panni del chierichetto nella chiesa del paese, negli anni precedenti alla partenza per il seminario, dal titolo “L’anticamera del silenzio” e poi due dedicate alla sua lunga esperienza come sacrestano presso la Basilica di Aquileia, che ho intitolato “Il servizio silenzioso. La cura del rito” e “I passi del sacrestano. L’eco della Basilica”; hanno voluto rappresentare delle “piccole memorie” scolpite nell’argilla, a creare una sorta di archivio dell’anima, delle reliquie, un punto di contatto eterno tra padre e figlio».

Alcune opere in mostra raffigurano grandi artisti regionali che hanno avuto in qualche modo un legame con il suo percorso artistico.

«I dialoghi evocati nel titolo della mostra si riferiscono anche agli incontri che ho avuto con grandi artisti regionali, soprattutto all’interno dei loro studi; i loro racconti, i loro insegnamenti, hanno rappresentato per me un’eredità culturale molto forte. In particolare, in occasione di questa mostra, ho presentato delle opere che raffigurano il mio concittadino Giuseppe Zigaina che non ho avuto modo di conoscere personalmente, ma che ho conosciuto tramite le sue opere, dipinti e incisioni, nonché attraverso i suoi libri; Sergio Altieri che ho avuto modo più volte di incontrare nel suo studio di Capriva del Friuli e che con me e Zigaina ha in comune la partecipazione al Premio Suzzara, e Giorgio Celiberti al quale ho avuto modo di mostrare più volte il mio lavoro in occasione delle mie mostre personali, che mi ha sempre sorpreso per la sua capacità di lasciarsi emozionare e coinvolgere dal lavoro di un’artista di una generazione diversa, ma che ha in comune con lui l’amore per la scultura e il racconto delle emozioni».

Oltre che sua moglie, Diana Cerne è anche curatrice di questa mostra così come di altre precedenti. Che ruolo riveste Diana nella produzione artistica di Marco Petean?

«Il ruolo di Diana è fondamentale e va ben oltre la curatela. Essendo lei stessa un’artista della ceramica, possiede una sensibilità rara e una conoscenza profonda della materia. In tutto il processo creativo, rappresenta per me un interlocutore imprescindibile ed è la prima persona con cui mi confronto. In occasione di questa mostra, la sua presenza come curatrice ha garantito una coerenza artistica che nasce da una condivisione quotidiana di intenti e di linguaggi. Conoscendo la mia storia e quella di mio padre, inoltre, mi ha aiutato a filtrare le idee e i sentimenti e a dare struttura formale alla mia creatività, sapendo anche tradurre le mie intenzioni in un percorso espositivo e in un racconto che il pubblico ha potuto abitare e condividere».

Dopo l’inaugurazione della mostra qual è stato il complimento che le ha fatto più piacere ricevere?

«Non è stato a parole, ma negli occhi delle persone: molti sono venuti da me visibilmente emozionati e commossi subito dopo la presentazione, prima ancora di aver visto le mie opere. Ma ciò che mi ha segnato profondamente sono stati i pensieri lasciati sul libro delle dediche, leggere che la mia mostra ha rievocato il ricordo di affetti cari ormai scomparsi o lontani, mi ha fatto capire di avere raggiunto l’obiettivo più alto e questa cosa mi ha emozionato molto. In quel momento, il mio racconto personale si è trasformato in un racconto collettivo, una memoria condivisa che appartiene a tutti. Inoltre, dopo aver effettuato numerose visite guidate alla mostra e averla spiegata a tante persone, mi sono reso conto che quella che ho raccontato tramite le mie sculture in terracotta policroma e con un’installazione di vecchie foto di famiglia, rimaste nei cassetti per decenni, non è più solo la storia di mio padre o la mia storia, ma un racconto, dove ogni spettatore ha potuto ritrovare un pezzo della propria vita».

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