Inaugurata nell’atrio del Municipio di Monfalcone, la mostra “Dai sogni alla realtà” di Raiquen Arduini.

L’esposizione propone un viaggio attraverso colori, emozioni e grandi temi sociali, trasformando la pittura in uno spazio di riflessione sull’essere umano e sulla società contemporanea.

Nata in Argentina da una famiglia di origini italiane e da tempo residente a Monfalcone, Raiquen Arduini propone una ricerca artistica nella quale il colore diventa il principale strumento per esplorare la complessità dell’esperienza umana, attraverso un continuo confronto tra luce e ombra, fragilità e speranza.

Il suo percorso nasce anche dalla formazione universitaria presso la Facoltà di Architettura e si sviluppa attraverso una ricerca che intreccia psicologia, sociologia, antropologia, storia e geografia.

Al centro della sua pittura c’è soprattutto il colore, utilizzato con grande intensità attraverso una tecnica che richiama e reinterpreta il Puntinismo.

Piccoli elementi cromatici, tonalità primarie, secondarie e complementari si accostano, si sovrappongono e si mescolano, dando vita a figure e composizioni capaci di coinvolgere lo spettatore anche sul piano emotivo.

Particolare attenzione è dedicata alle figure dei bambini, simbolo di innocenza e vulnerabilità di fronte alla violenza e alle ingiustizie, mentre le figure femminili, flessuose e slanciate, accompagnano la ricerca dell’artista verso una dimensione sempre più interiore e psicologica.

Nelle composizioni corali, più vicine al surrealismo e all’astrazione, colori e figure sembrano invece trasformarsi nelle tessere di un grande mosaico. Come sottolineato nel testo critico di Maria Palladino, l’opera di Raiquen Arduini invita chi osserva non soltanto a guardare, ma a entrare idealmente nella rappresentazione e a confrontarsi con i temi e le emozioni che la attraversano.

“Dai sogni alla realtà” diventa così un percorso tra dimensione personale e collettiva, nel quale la forza della pittura incontra le domande, le fragilità e le aspirazioni dell’essere umano contemporaneo.

L’inaugurazione è stata accompagnata dalla presentazione della dott.ssa Maria Palladino, critico d’arte.

La mostra sarà visitabile fino al 2 settembre, dal lunedì al venerdì, dalle ore 9 alle 12, e il lunedì e il mercoledì anche dalle 15.30 alle 17.30.

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A Cjasa da Duga (nella vicina chiesa di San Giovanni Battista in caso di maltempo), a Salârs di Ravascletto, giovedì 20 agosto alle 17.30 verrà inaugurata la mostra di Ulderica Da Pozzo “I giorni strappati. Il tempo vuoto del carcere. Immagini dell’ex femminile di via Spalato”.

Il progetto, iniziato nel 2021 su proposta del Garante delle persone private della libertà del Comune di Udine, documenta la trasformazione del carcere femminile della città.

I primi scatti hanno immortalato le tracce e la memoria abbandonata nelle stanze vuote, le immagini realizzate più di recente documentano gli spazi che sono stati riqualificati con l’intento di consentire e di facilitare il percorso di reinserimento sociale.

La mostra, prodotta dal Garante dei diritti delle persone private della libertà personale e dal Comune di Udine-Civici Musei in collaborazione con la Società della Ragione e l’Associazione Icaro Volontariato Giustizia, che è stata esposta nelle sale del Museo Friulano della Fotografia in Castello di Udine questa primavera, è ora presentata in Cjasa da Duga, luogo che Ulderica Da Pozzo ha voluto dedicare alla fotografia e farne punto d’incontro, confronto e condivisione di immagini e pensieri del presente e del passato.

L’iniziativa, la mostra e il catalogo verranno presentati da Silvia Bianco, Conservatrice del Museo Friulano della Fotografia di Udine, Franco Corleone, già Garante dei diritti delle persone private della libertà personale del Comune di Udine, Andrea Sandra, attuale Garante dei diritti delle persone private della libertà, la giornalista Anna Piuzzi e, naturalmente, la fotografa Ulderica Da Pozzo.

La mostra sarà visitabile con ingresso libero fino al 13 settembre, sabato e domenica dalle 16.00 alle 19.00.

A Cjasa da Duga, sempre nell’ambito della rassegna “In corda doppia”, sono in calendario altri due appuntamenti: domenica 6 settembre, alle 17.30, l’incontro “Di chi sono le montagne?” e giovedì 10 settembre, alle 20.30, la proiezione del film “Fèmene”.

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Curata da Paola Deffendi, Claudio Regeni e Marina Tuni, in collaborazione con il collettivo Giulio Siamo Noi, l’esposizione racconta la mobilitazione civile nata attorno alla vicenda di Giulio Regeni e il cammino condiviso intrapreso, ormai da dieci anni, per chiedere verità e giustizia.

Il titolo della mostra esprime il senso profondo dell’iniziativa: Giulio continua a essere presente attraverso le persone che non hanno smesso di interrogarsi, di prendere posizione e di sostenere la sua famiglia. La sua storia continua a generare consapevolezza, partecipazione e responsabilità civile.

Il Popolo Giallo non nasce da un’organizzazione né da una strategia, ma dalla reazione spontanea di migliaia di persone di fronte a una ferita e a una domanda che non può essere archiviata: come sia stato possibile quanto accaduto a Giulio e come sia stato possibile tentare di rallentare, confondere o ostacolare la ricerca della verità.

Attraverso fotografie, documenti, testimonianze, volti, piazze, gesti e simboli, la mostra ripercorre questa esperienza collettiva.

Non guarda soltanto al passato, ma invita a riflettere sul presente e sul valore dell’impegno civile, nella convinzione che la verità sia una responsabilità condivisa e che l’indifferenza non possa essere una risposta.

L’esposizione è stata inaugurata lo scorso gennaio a Fiumicello Villa Vicentina, il paese in cui Giulio è cresciuto e che negli anni è diventato un punto di riferimento per tutte le persone che hanno scelto di non voltarsi dall’altra parte.

L’arrivo a Turriaco rappresenta una nuova tappa del progetto espositivo, nato con l’intento di diventare itinerante, affinché possa incontrare altre comunità e continuare ad ampliare la rete di solidarietà e partecipazione cresciuta attorno alla famiglia Regeni.

All’interno della mostra saranno presenti anche le opere realizzate da Rita Inghisciano per l’iniziativa “Onde per Giulio”, riconoscibili dalle piccole onde gialle inserite nei quadri. Le opere potranno essere scelte con un’offerta libera, a partire dalla quota minima indicata.

L’intero ricavato sarà devoluto alla famiglia Regeni.

L’esposizione invita i visitatori a soffermarsi sui dettagli, sui volti, sulle parole e sulle storie che testimoniano dieci anni di presenza, mobilitazione e richiesta di giustizia.

L’iniziativa è realizzata con il sostegno e la collaborazione del Comune di Turriaco, dell’Assessorato alla Cultura, della Biblioteca comunale, del collettivo Giulio Siamo Noi, del Comune di Fiumicello Villa Vicentina e del Governo dei Giovani.

Orari

Inaugurazione: lunedì 10 agosto 2026, ore 18.45

Periodo di apertura: dal 10 agosto al 6 settembre 2026

Sede: atrio del Municipio di Turriaco

Orari di visita

• lunedì: 9.00–12.30 e 15.30–18.30
• martedì: 9.00–12.30
• mercoledì: 9.00–11.00 e 15.30–18.30
• giovedì: 9.30–12.30
• venerdì: 9.00–12.30
• sabato 5 e domenica 6 settembre: 9.00-12.00

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Inaugura domenica 30 agosto alle ore 10.30 a Villa de Claricini Dornpacher a Bottenicco di Moimacco Luciano Ceschia. A scala umana, antologica pensata per celebrare lo scultore nel centenario della nascita.

L’esposizione, visitabile fino al 25 ottobre 2026, propone un itinerario attraverso cinquant’anni di carriera di Luciano Ceschia (Tarcento, 1926 – Udine, 1991). Orario 9-12/15-18, tutti i giorni; ingresso € 4.

A cura di William Cortes Casarrubios, è realizzata in collaborazione con la famiglia Ceschia e con il sostegno della Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia, a seguito del riconoscimento della Fondazione de Claricini Dornpacher quale Contenitore culturale creativo.

L’iniziativa prosegue il ciclo di mostre di scultura all’aperto Sculture in villa ideato per il compendio monumentale della Villa e promosso da Alessandro Del Puppo con il coinvolgimento di giovani ricercatori del Dipartimento di Studi Umanistici e del Patrimonio Culturale dell’Università degli Studi di Udine.

Confermando la valenza profondamente umana della sua opera – la proporzione tra scultura e corpo, tra forma e spazio vissuto, tra dimensione privata e vocazione monumentale – la mostra propone un percorso in tre tappe.

Nel parco, verticali, dischi e sfere dialogano con il paesaggio e con la Villa; all’interno della galleria, progetti, grafiche e sculture mostrano come Ceschia abbia pensato la scultura in rapporto all’architettura e allo spazio costruito; nella limonaia, dischi solari e gong introducono la dimensione più sofferta della sua ricerca: la scala umana non è solo proporzione fisica, ma misura della fragilità, della caduta e della resistenza.

Tra le opere esposte nel parco figurano l’Edipo (1968), le grandi verticali degli anni Settanta e Ottanta e due grandi dischi degli anni Settanta. “Con questa mostra restituiamo alla scultura di Ceschia la scala per cui è stata pensata: quella del corpo, del passo, del dialogo con la natura e dello sguardo che la attraversa nello spazio aperto della Villa”, afferma il curatore Cortes Casarrubios. Nella galleria, sculture come Icaro, Sfera in apertura e Sviluppo di una sfera dialogano con i disegni e i progetti dell’artista, tra cui gli studi per il Monumento alla Resistenza di Cividale (1975) e per le opere realizzate in tutta la regione. Nella limonaia il visitatore incontra invece una sezione dedicata alla riflessione di Ceschia sul disastro atomico di Hiroshima con i grandi gessi dei Gong da Hiroshima (1961), insieme al Pegaso abbattuto, importante realizzazione in legno del 1970.

Le opere in mostra provengono in gran parte dalla famiglia Ceschia, che ha sostenuto il progetto e collaborato attivamente alla sua realizzazione. Un ringraziamento particolare va inoltre alla società Lignano Pineta per l’importante prestito di una delle opere più iconiche della produzione di Ceschia, il Disco Rosso (1976), che dal Parco del Mare di Lignano Pineta raggiungerà, per l’occasione, Villa de Claricini Dornpacher, dove verrà collocato proprio all’ingresso del percorso espositivo nel parco. Tre sculture monumentali provengono inoltre dalla Braida Copetti di Leproso (Premariacco).

A completamento della mostra, dopo l’inaugurazione verrà presentato il catalogo, che conterrà nuovamente un intervento fotografico di Alessandro Ruzzier, già autore del progetto fotografico realizzato per l’esposizione dedicata a Marcello Mascherini.

Questa volta il fotografo metterà in relazione le sculture di Ceschia presenti in mostra con le grandi opere che lo scultore ha realizzato negli spazi pubblici della regione, dalle più note – come la Sfera per il Palazzo dei Congressi di Grado (1980) – a quelle meno conosciute.

Si ringrazia in particolare il Gruppo Zaffiro per aver reso possibili le riprese fotografiche inedite delle tre opere di Luciano Ceschia conservate a Udine, presso la propria sede di via Umago. In questo modo, la mostra e la Villa de Claricini Dornpacher diventano il centro propulsore della riscoperta del patrimonio pubblico regionale legato alla figura di Luciano Ceschia, guidando le iniziative per il centenario.

“Con questa mostra proseguiamo il percorso dedicato alla grande scultura del Novecento avviato con Marcello Mascherini – sottolinea Oldino Cernoia, presidente della Fondazione de Claricini Dornpacher –. Ospitare l’opera di Luciano Ceschia nel centenario della nascita, con il sostegno della sua famiglia e la generosità di chi ne custodisce le opere sul territorio, è per noi motivo di grande orgoglio”.

Nato a Tarcento il 4 giugno 1926 da una famiglia contadina, Luciano Ceschia si forma tra le botteghe artigiane del Friuli: nel 1940 frequenta lo studio del fotografo e pittore Cesare Turrin, l’anno seguente il laboratorio dell’ebanista Salvatore Rizzi a Colugna e, dal 1943, lo studio dello scultore Antonio Franzolini a Udine, dove apprende a formare i gessi.

Internato in un campo di prigionia in Austria nel 1944, al rientro nel 1945 partecipa alla nascita del movimento neorealista friulano. Si iscrive nel 1946 al Liceo Artistico di Venezia e lavora poi come disegnatore in Jugoslavia (1948-49) e come decoratore a Ginevra (1951-52), dove entra in contatto diretto con l’arte moderna europea.

Rientrato in Friuli, sviluppa dal 1953 un’intensa produzione ceramica e dal 1960, le “ceramiche greificate”: la Grande porta di Hiroshima, esposta nel 1962 alla XXXI Biennale di Venezia, gli vale il Premio del Ministero dell’Industria e del Commercio.

Negli anni Sessanta collabora con architetti come Marcello D’Olivo, Ermes Midena, Gino Valle e Gianni Avon, realizzando opere murali di grande formato che segnano il passaggio verso una scultura di respiro monumentale.

Dal 1961 avvia la serie dei Gong, Dischi e Scudi in ghisa e metalli fusi, che segna il passaggio dalla figurazione al motivo circolare, sviluppato negli anni successivi anche attraverso lo studio della sfera nella lavorazione della pietra. Invitato alle rassegne internazionali di Forma Viva, realizza opere a Pirano (1969) e Labin (1971) e la grande Sfera in cemento armato di Maribor (1973), prima di una serie che culminerà nella Sfera per il Palazzo dei Congressi di Grado (1980).

Nel 1975 realizza il Monumento alla Resistenza di Cividale del Friuli, che l’anno successivo gli vale la cittadinanza onoraria della città. Alla metà degli anni Settanta avvia la serie delle verticali, sculture in ferro e materiali compositi ideate come stele-totem, esposte anche a Vienna nel 1979. Dalla metà degli anni Settanta si dedica inoltre all’incisione di medaglie, dedicando serie ai fisici Fermi, Segrè e Marconi e ai poeti russi, friulani e americani.

Nel 1984 espone alla Main Hall Gallery di New York. L’ultima mostra a cui partecipa personalmente, dedicata alle sue medaglie, si tiene al Castello di Udine nel luglio 1991. Luciano Ceschia si spegne a Udine il 4 novembre 1991.

Luciano Ceschia. A scala umana
Villa de Claricini Dornpacher – via Boiani 4, Bottenicco di Moimacco (UD)

30 agosto – 25 ottobre 2026

Mostra visitabile dal lunedì al venerdì e nei weekend nei seguenti orari: 09:00—12:00 e 15:00—18:00;

Biglietto: €4,00 per visita al parco, ai giardini storici e alle mostre in corso.

Ingresso da via San Giusto 5. Ultimo ingresso 30 minuti prima della chiusura.

Per ulteriori informazioni: info@declaricini.it

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Insomma una mostra che edizione dopo edizione non annoia mai, anzi testimonia come l’arte musiva sia sempre in fermento, viva e attuale, capace di essere in linea con la tradizione artigianale, ma anche di declinarsi in soluzioni artistiche più contemporanee aperte alle tendenze espressive e alle esigenze attuali.

Si passerà così dalla tecnica romana con materiali naturali, ai volumi tridimensionali vestiti con smalti dove le tessere perdono la regolarità per giocare con la luce.

Ci saranno le opere individuali di piccole dimensioni, ma anche i grandi pannelli eseguiti in gruppo; non mancheranno i ritratti, le icone in stile bizantino, i moduli a rovescio su carta con grafici motivi optical o vegetali, fino alle scelte originali e innovative sperimentate dagli allievi dell’ultimo corso.

Spiccheranno le forme scultoree dove il mosaico si fa racconto e anima e modella le superfici in rapporto con la luce.

Mosaico&Mosaici 2026 prosegue anche fuori dalle sale dell’edificio della Scuola: c’è da ammirare la pavimentazione esterna con la vastissima superficie musiva con soggetti della flora e della fauna in Friuli Venezia Giulia e poi l’esposizione dedicata all’artista Nane Zavagno (1932 – 2025), omaggio degli allievi del terzo corso che, ispirati proprio dalla poetica e dall’avventura espressiva di Zavagno, hanno ideato proprie opere musive.

La mostra Mosaico&Mosaici 2026, che si annuncia dunque ricca di sorprese, inaugurerà venerdì 31 luglio alle ore 18.30 nella corte esterna della Scuola Mosaicisti del Friuli, Spilimbergo.

In caso di maltempo l’inaugurazione si svolgerà al Cinema Teatro Miotto di Spilimbergo, viale Barbacane, 15; a seguire la visita alla mostra.

Come sempre l’evento inaugurale sarà anche una festa aperta a tutti: un momento di scoperta e soprattutto di celebrazione dell’intenso lavoro svolto dagli allievi durante l’anno formativo appena concluso.

La mostra sarà visitabile dall’1 agosto al 6 settembre 2026, ogni giorno (Ferragosto compreso) dalle ore 10.00 alle 12.30 e dalle 15.30 alle 20.00.

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Dal 2 agosto al 27 settembre 2026, la Sala Nathan del Magazzino 26, situata nel Porto Vecchio di Trieste, ospiterà la mostra “Africa 1970-2005. Disegni di Edoardo Di Muro. Trieste-Dakar”, retrospettiva dedicata all’artista dalla straordinaria produzione e illustratore scomparso nel 2022.

Realizzata dall’Associazione Viva Comix in co-organizzazione con il Comune di Trieste – Assessorato alle Politiche della Cultura e del Turismo, con il fondamentale sostegno della Regione Friuli Venezia Giulia, l’esposizione è curata dalla professoressa Paola Bristot e dalla dottoressa Mimina Di Muro, antropologa e figlia dell’artista, offrendo al pubblico un viaggio immersivo nel continente africano attraverso 100 opere originali, litografie e preziosi taccuini che coprono oltre trentacinque anni di produzione, impreziosita dalla collezione M’Afrique dell’azienda Moroso e da piante esotiche che donano alla mostra un tratto ancora più immersivo.

L’inaugurazione ufficiale si terrà domenica 2 agosto alle ore 11, arricchita, a seguire, da interventi musicali dal vivo a cura di Adriano Viterbini, Paolo Baldini e Davide Toffolo.

Orari

L’esposizione sarà a ingresso libero e rispetterà i seguenti orari di apertura: il giovedì dalle 16.00 alle 20.00, mentre il venerdì, il sabato, la domenica e i festivi sarà visitabile dalle 11.00 alle 20.00.

La mostra celebra la vita incredibile e avventurosa di un artista che ha prodotto oltre 700 disegni straordinari attraversando in lungo e in largo il continente africano. Nato a Cuneo nel 1944 in un’Italia ferita dalla guerra, Edoardo Di Muro trovò fin da piccolissimo nel disegno la sua salvezza e il suo rifugio esclusivo dalle privazioni quotidiane, utilizzando inizialmente pezzi di carboncino su tavoli di marmo o fogli di recupero.

Dopo aver svolto diversi mestieri per sopravvivere e aver lavorato come guardiacaccia nei parchi delle sue amate Alpi Marittime, l’inquieto artista decise nel 1973 di imbarcarsi come marinaio su un cargo, sbarcando infine sulla terra rossa dell’Africa, un incontro fatale che gli stravolse l’esistenza.

A differenza di molti occidentali, scelse di vivere stabilmente dentro la complessa realtà africana, diventando un attento osservatore della vita quotidiana del popolo. Il suo stile grafico, caratterizzato da un tratto minuzioso a china e rapidograph realizzato direttamente dal vivo, gli permise di catturare istantaneamente l’anima di mercati brulicanti, foreste lussureggianti e riti ancestrali.

La sua incredibile parabola esistenziale lo portò anche a collaborare negli anni Ottanta a Parigi con prestigiose riviste di fumetti come Charlie Hebdo e Pilote, stringendo amicizie durature con figure del calibro di Georges Wolinski e François Cavanna.

L’eclettismo di “Edo” si espresse inoltre nella creazione di raffinati batik in Senegal, nell’illustrazione di manuali medici per i villaggi più remoti e nella pubblicazione di importanti antologie introdotte da figure chiave della cultura africana come il regista Ousmane Sembène e il musicista Francis Bebey.

Dalla Costa d’Avorio, dove lavorò come guida nel Parco Nazionale della Comoé, fino agli imponenti altopiani dell’Etiopia, Di Muro ha attraversato e amato visceralmente il continente, prima di ristabilirsi in Italia negli anni Duemila e continuare a esporre le sue opere in tutto il mondo.

Le sue illustrazioni non sono solo estetiche, ma spesso cariche di significato sociale. Documenta le contraddizioni del territorio, dalle bellezze dei paesaggi alle provocazioni politiche, come i disegni contro l’apartheid in Namibia e in Angola.

Negli anni Settanta, in Angola, entra in contatto con l’MPLA (Movimento Popolare di Liberazione dell’Angola), che lotta contro il colonialismo portoghese. Negli stessi anni sostiene i guerriglieri della SWAPO nella lotta per l’indipendenza della Namibia. Per questi ultimi crea manifesti di propaganda utilizzati dalla popolazione locale per manifestare contro le disuguaglianze e le ingiustizie del colonialismo.

Nei numerosi Paesi dove soggiorna (Angola, Benin, Burkina Faso, Camerun, Costa d’Avorio, Etiopia, Gabon, Gambia, Gibuti, Guinea Conakry, Kenya, Mali, Mauritania, Namibia, Niger, Nigeria, Tanzania, Togo, Repubblica Democratica del Congo, Senegal, Sudafrica) le sue illustrazioni sono oggetto di mostre ed esposizioni, a cominciare dalla prima presso la “Gallerie 39” di Dakar nel dicembre del 1979. In seguito a tale evento, l’allora Presidente della Repubblica del Senegal, il poeta Léopold Sédar Senghor, incuriosito, lo riceve nel palazzo presidenziale e acquista una serie completa delle sue litografie.

«Una qualità indubbia della produzione di Edoardo Di Muro – spiega la co-curatrice Paola Bristot – è l’originalità del suo sguardo che è capace di cogliere i tanti aspetti dell’Africa, dalla potenza della Natura che ci appare nel suo aspetto più primordiale e quindi mitico, alle osservazioni paesaggistiche e antropologiche che non conoscevamo affatto e che ci stupiscono. Entriamo attraverso la porta segreta che ci apre l’artista in un’Africa atavica, da dove anche noi proveniamo e siamo stati originati nella notte dei tempi, ne sentiamo la forza e l’energia persino il rumore e siamo infine presi dal Mal d’Africa da cui non possiamo più guarire».

Guardando i disegni dei taccuini di Edoardo Di Muro vengono subito in mente quelli degli artisti viaggiatori. I tanti disegnatori che hanno descritto con i loro disegni, specialmente in assenza di apparecchiature fotografiche, luoghi geografici, reperti archeologici e monumenti architettonici del passato come del presente e che hanno costituito i repertori visivi di molti artisti che non avevano altre fonti documentative per creare scenografie o opere ambientate in altre epoche o paesi lontani. Tra questi ultimi, forse il più noto è stato Antonio Basoli, scenografo e decoratore, attivo a Bologna tra la fine del ’700 e la metà dell’800.

Ancora oggi questa attività di rappresentazione attraverso il disegno in quaderni di appunti è molto diffusa e penso ai bellissimi quaderni giapponesi di Igort (Igor Tuveri) o a quelli di Jacques De Loustal sulla Polinesia o di Lorenzo Mattotti sulle acque di Venezia…

Il caso di Edoardo Di Muro è molto diverso, se non altro perché lui in Africa ha trascorso almeno 40 anni e l’ha sempre disegnata. La conosceva così bene da essere confuso e noto come artista africano con il nome diminutivo “Edo”.

Ha esposto in diverse mostre soprattutto a Dakar e alcuni dei suoi disegni sono tuttora riprodotti e divulgati come “arte africana” e lo sono a tutti gli effetti, perché dell’Africa aveva colto lo spirito e l’anima.

Racconta Mimina Di Muro, figlia dell’artista e co-curatrice della mostra: «Mio padre era pieno di vita, spinto da un’insaziabile fame di autenticità. Viveva immerso nella realtà africana, condividendone ogni istante con la gente.

Inizialmente, raccogliere la sua eredità artistica mi sembrava un’impresa spaventosa per la sua immensa complessità. Poi ho capito che aveva sempre seguito una bussola interiore: ha costruito il lavoro di una vita con la precisa intenzione di consegnarlo ai posteri.

Dietro il caos apparente della sua esistenza si cela infatti un ordine rigoroso. I suoi disegni non sono solo una documentazione capillare sull’Africa, ma rivelano un filo conduttore invisibile che lega ogni illustrazione ai viaggi e agli spostamenti della nostra famiglia. Di fatto, mio padre ha strutturato la sua opera secondo precise coordinate geografiche, storiche e antropologiche, lasciandoci un tracciato chiaro, profondo ed eloquente».

Tre sezioni

Il percorso espositivo all’interno della Sala Nathan si sviluppa in tre grandi sezioni che dialogano fluidamente con lo spazio.

La prima sezione accoglie il visitatore ponendo l’accento sul tema del porto per gettare un ponte ideale al di qua e al di là del mar Mediterraneo, mettendo in relazione l’attività del porto di Dakar con quella del porto di Trieste.

Si tratta di un legame storico che, attraverso le rotte marittime commerciali e simboliche, ha sempre rappresentato e conserva ancora oggi un’evidente, vitale necessità di esistere. Questo racconto portuale si sviluppa esplorando l’immaginario marittimo e le storiche connessioni tra le due realtà, avvalendosi di materiale fotografico d’archivio e di gigantografie fornite dal Museo del Mare del Comune di Trieste e dal Museo nazionale Collezione Salce di Treviso – Direzione regionale Musei nazionali Veneto, su concessione del Ministero della cultura.

La seconda sezione è dedicata alla flora, alla fauna e ai paesaggi incontaminati, che caratterizzano gran parte dei disegni di Edoardo Di Muro e colpiscono, tra questi, i grandi dettagliatissimi alberi, mentre la terza si concentra sull’aspetto antropologico e sulla complessa dimensione umana del continente africano, attraverso la rappresentazione di scene nei villaggi o nelle vie delle città, brulicanti del via vai della gente, o le scene del lavoro domestico, delle danze.

Un elemento di eccezionale rilievo nel design dell’allestimento, curato dall’architetto Giulia Sgrò, è rappresentato dalla collaborazione con Moroso. Lungo lo spazio espositivo sono disposti iconici arredi e materiali fotografici della celebre collezione M’Afrique dell’azienda, tra cui le sedute Banjooli, Baobab, Modou e Shadowy, che richiamano i colori e le forme della terra africana.

L’allestimento comprende inoltre storiche immagini che documentano il lavoro di produzione artigianale di tali arredi realizzato direttamente nella sede senegalese di Moroso, evidenziando un legame concreto e profondo tra il design contemporaneo e il continente africano.

La mostra dopo l’esposizione triestina proseguirà il suo viaggio in Senegal, proprio a Dakar.

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La mostra “2050 – Orizzonti sommersi” – apertura sabato 1 agosto, alla Portopiccolo Art Gallery (Sistiana – Duino Aurisina), alle 18.30, nell’ambito della rassegna “L’Energia dei Luoghi. Festival del Vento e della Pietra” – ideata da un’ipotesi climatica, da un punto critico di osservazione sul presente e sulle trasformazioni che stanno ridefinendo il rapporto tra paesaggio, clima, territorio e comunità, inaugura un percorso di ricerca che raccoglie prospettive differenti, leggendo il presente come una memoria futura.

“Le opere in mostra di Gabriele Bonato, Enrico Tuzzi e Alessandro Vascotto – spiega il curatore, Sergio Pancaldi, DayDreaming Project – non immaginano distopicamente il domani, ma intercettano i segnali del cambiamento già in atto. I frammenti di ricerca presentati in questo esordio affrontano il tema della trasformazione attraverso linguaggi e prospettive differenti, componendo una prima bozza di sguardi sul futuro”.

“Abissi” di Gabriele Bonato esplora il paesaggio più nascosto: quello interiore. Le immagini diventano soglie attraverso cui emergono archetipi, memorie e simboli che abitano l’inconscio, suggerendo un parallelismo tra le profondità della psiche e quelle del mondo naturale. Gli abissi non sono soltanto luoghi sommersi, ma spazi di trasformazione in cui ciò che è invisibile continua a modellare la realtà.

Con “Marea”, Alessandro Vascotto concentra la ricerca sulla linea mobile che separa terra e mare. Questo confine costiero diventa un organismo vivo, fertile, continuamente ridefinito dal movimento dell’acqua: uno spazio capace di mettere in discussione categorie geografiche, appartenenze e limiti sanciti. La deriva dell’acqua si fa simbolo di un territorio in transizione che trova la sua identità nella continua ricomposizione.

L’installazione “Zona Rossa” di Enrico Tuzzi nasce dall’esperienza concreta dei territori colpiti dagli eventi alluvionali. Attraverso la frammentazione dei percorsi e la perdita di continuità dello spazio, l’opera trasforma l’interruzione della mobilità in esperienza fisica, restituendo al pubblico la fragilità delle infrastrutture e delle relazioni che tengono insieme comunità e territori.

Una sezione del progetto nasce come cantiere creativo, ed è aperta a tutti coloro che desiderano compartecipare con le loro osservazioni e soprattutto raccogliendo immagini che possano costituire un archivio vero e proprio delle coste attuali, scrivendo a daydreamingproject2022@gmail.com con oggetto “Atlante dell’Acqua”.

Fotografie, video, registrazioni sonore, testimonianze e documenti confluiscono in una mappa viva, destinata a crescere nel tempo e a diventare materia per future produzioni artistiche, culturali e sociali.

Acqua, confini, infrastrutture e paesaggi in trasformazione diventano quindi strumenti per riflettere su come mutano il territorio e il nostro modo di abitarlo e immaginarlo.

Orari

La mostra è visitabile sino al 6 settembre 2026, con i seguenti orari: sabato 17-20, domenica 10-13/17-20.

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È questo il cuore de L’arte triestina al femminile nel ‘900 d’avanguardia italiano ed europeo, la grande mostra ideata, curata e progettata da Marianna Accerboni, promossa dall’Associazione Foemina APS in collaborazione con il Comune di Trieste – Assessorato alle Politiche della Cultura e del Turismo, in programma dal 23 luglio al 27 settembre 2026 al Magazzino 26 – Sala Carlo Sbisà del Porto Vecchio di Trieste.

Con oltre 220 opere – tra dipinti, disegni, bozzetti teatrali e di moda, ceramiche, fotografie, lettere, documenti, libri, abiti, gioielli, accessori, profumi e materiali d’archivio – la mostra racconta il percorso artistico e umano di Leonor Fini, Maria Lupieri, Maria Melan, Anita Pittoni e Miela Reina.

La mostra, dopo essere stata ospitata nel 2024 all’Istituto Italiano di Cultura di Bruxelles, ripropone il progetto articolato in cinque percorsi monografici, vere e proprie “mostre nella mostra”, che accompagnano il visitatore alla scoperta dell’universo creativo di ciascuna artista attraverso opere, fotografie, lettere, documenti, video e materiali d’epoca. L’esposizione proseguirà con nuove tappe internazionali, tra cui Parigi e Berlino.

Accanto ai capolavori più noti, il pubblico potrà scoprire numerose opere inedite o raramente esposte, molte delle quali presentate per la prima volta a Trieste, tra cui il prezioso carteggio tra Leonor Fini e l’amico triestino Giorgio Cociani, fotografie e documenti d’archivio, insieme a materiali che restituiscono aspetti poco conosciuti della vita e della ricerca delle cinque protagoniste.

Più che una semplice cornice, Trieste è il filo conduttore dell’intero progetto. Città mitteleuropea, porto dell’Impero asburgico e crocevia di culture, tra la fine dell’Ottocento e il Novecento rappresentò uno dei più vivaci laboratori della modernità europea. Un ambiente aperto al confronto internazionale, capace di accogliere e rielaborare i fermenti provenienti da Vienna, Monaco, Berlino e Parigi, dove arte, letteratura, architettura e musica dialogavano in modo naturale.

È in questo contesto che maturò il talento delle cinque artiste, accomunate dalla capacità di superare i confini disciplinari e di costruire linguaggi originali, profondamente moderni. Infatti, molto prima che si parlasse di interdisciplinarità, queste artiste intrecciavano pittura, design, moda, teatro, editoria e arti applicate, anticipando temi e sensibilità che ancora oggi dialogano con la contemporaneità.

Il progetto espositivo è arricchito da video inediti che trasformano la visita in un’esperienza immersiva tra memoria, arte e storia. Tra queste opere in particolare vi è quella realizzata da Marianna Accerboni, che restituisce ricordi, racconti e testimonianze di chi ha conosciuto personalmente Leonor Fini.

Ad accompagnare il visitatore in mostra in filodiffusione sarà il flauto del Maestro Roberto Fabbriciani, tra i maggiori interpreti della musica contemporanea.

In occasione dell’inaugurazione, inoltre, il celebre flautista, eseguirà un intervento musicale live ispirato alle artiste, mentre per il finissage si chiuderà con la musica di di Paolo Cervi Kervischer (sax) e Daniele Mastronuzzi (live eletronics).

L’esposizione sarà accompagnata da incontri, visite guidate, presentazioni editoriali e momenti di approfondimento dedicati alle artiste, coinvolgendo studiosi, scrittori, familiari e protagonisti della cultura italiana ed europea.

Le opere esposte provengono dal Civico Museo Revoltella di Trieste, Civici Musei di Storia ed Arte di Trieste, Biblioteca Civica A. Hortis (Fondo Anita Pittoni) di Trieste, Fototeca dei Civici Musei di Storia e Arte del Comune di Trieste, Università degli Studi di Trieste, Fondazione CRTrieste, La Wolfsoniana – Palazzo Ducale Fondazione per la Cultura di Genova e da vari collezionisti privati soprattutto triestini, tra cui Maurizio Zanei, importante collezionista e detentore, tra l’altro, della più ampia collezione esistente del pittore Zoran Music. Le opere di Miela Reina, di Maria Lupieri e di Maria Melan sono state scelte di concerto con le rispettive famiglie che le hanno ereditate, tra le più significative prodotte dalle artiste al fine di offrire un quadro sintetico ma esaustivo della loro creatività.

LE ARTISTE

La mostra accompagna il visitatore in un percorso che restituisce la straordinaria ricchezza e varietà della ricerca di ciascuna protagonista, mettendo in luce linguaggi, sensibilità e percorsi creativi profondamente diversi, ma accomunati da una costante tensione verso l’innovazione.

Leonor Fini (Buenos Aires 1907 – Parigi 1996), pittrice, costumista, scenografa, illustratrice, disegnatrice e scrittrice triestina. Voce solista del Surrealismo francese e internazionale, che seppe originalmente modulare attraverso varie tematiche, si formò nel contesto dell’eccezionale milieu multietnico e multiculturale della Trieste del primo ‘900, a stretto contatto con personalità quali Umberto Saba, Italo Svevo, Bobi Bazlen, Gillo Dorfles, Leo Castelli, Arturo Nathan, e a Milano, dove assimilò l’influenza novecentista a contatto con il classicismo di Achille Funi e il tonalismo di Carlo Carrà e Arturo Tosi. Linguaggio che abbandonò per il Surrealismo, quando nel 1931 si trasferì a Parigi, dove intraprese, da autentica self made women, una brillante carriera artistica internazionale, che la portò a esporre in sedi di grande prestigio quali, tra le altre, la Julien levi Gallery, il MoMA di New York e diverse Biennali veneziane. Autodidatta, indipendente, molto colta, originale, misteriosa, poliedrica ed esoterica, fu autrice fin da giovanissima di ritratti d’eccezione. Condusse per decenni un menage a trois con l’importante intellettuale polacco Costantin Jelenski e con il pittore ed ex diplomatico Stanislao Lepri, accanto ai quali è sepolta nel piccolo cimitero di Saint-Dyé-sur-Loire.

Maria Lupieri (Trieste 1901 – Roma 1961), pittrice e scenografa triestina. Formatasi nell’elevato milieu artistico culturale della Trieste del primo ‘900, fu in contatto con Gabriele D’Annunzio e amica, tra gli altri, fin da giovanissima di Eugenio Montale, Carlo Levi, Umberto Saba e la figlia Linuccia, Arturo Nathan, Leonor Fini, Anita Pittoni, Virgilio Giotti, Gillo Dorfles e poi di Maria Pospisilova, pittrice surrealista cecoslovacca, rivelatasi molto importante per la sua formazione. Già nel 1927 fu scenografa al Teatro alla Scala di Milano. Influenzata dalle avanguardie coeve, si avvicinò al Futurismo e, a partire dal 1930, espose in molte mostre di rilievo, tra cui le Triennali milanesi, le Quadriennali di Roma e la Biennale di Venezia. Infaticabile sperimentatrice, dagli interessi esoterici, colse gli afflati del suo tempo, tra cui il Surrealismo e la pittura organica, capace di transitare da un’intensa rappresentazione narrativa (nature morte di fiori, intensi paesaggi e ritratti), condotta sul filo dell’Espressionismo figurativo, a esiti astratti e informali, esplicitati attraverso una forte sensibilità per la luce e il colore.

Maria Melan (Gorizia 1923 – Bruxelles 2023), architetto, pittrice, illustratrice, grafica pubblicitaria, docente e atelierista triestina. Di antica e nobile famiglia triestina, temperamento riservato, visse nel capoluogo giuliano fin dall’infanzia, trasferendosi quindi a Bruxelles. Laureata in Architettura a Venezia, fu per anni collaboratrice del grande architetto Carlo Scarpa. Vicina alla poetica di Bruno Munari e Riccardo Dalisi, fu cofondatrice del Gruppo Immagine e del MiniMu – Museo dei Bambini di Trieste. I suoi lavori testimoniano una grande freschezza d’inventiva, un modo armonico ed equilibrato di tener conto del pensiero delle avanguardie del Novecento senza tuttavia citarle, ma redigendo un proprio alfabeto di accostamenti raffinati e un po’ giocosi che alludono alla memoria futurista e costruttivista. Ha operato ed esposto ripetutamente in sedi e spazi urbani di prestigio in Toscana, a Trieste e a Bruxelles.

Anita Pittoni (Trieste 1901 – 1982), stilista, costumista teatrale, pittrice, poetessa, scrittrice ed editrice triestina. Animo indipendente e combattivo, temperamento irrequieto non facile, artista poliedrica, fondò a Trieste, con una filiale a Milano nell’atelier dell’architetto Agnoldomenico Pica, il suo Studio d’Arte decorativa, importante casa di alta moda femminile e maschile e di arredi tessili d’avanguardia, che faceva uso di tessuti innovativi quali per esempio il filo di ginestra e creava modelli antesignani per tipologia ed essenzialità. Come costumista teatrale lavorò, tra gli altri, per il regista Anton Giulio Bragaglia e, apprezzata da Gio Ponti, scrisse su Domus. Espose, tra l’altro, a Parigi, Berlino, Buenos Aires e New York, Medaglia d’oro nel 1936 alla Triennale di Milano, e nel ’37 Gran Prix all’Esposizione universale di Parigi. Dopo il secondo conflitto mondiale, chiuse l’atelier e fondò, con il sostegno di scrittori e poeti quali Umberto Saba, Giani Stuparich, Virgilio Giotti, Pier Antonio Quarantotti Gambini e Luciano Budigna, la Casa editrice Lo Zibaldone e un importante salotto letterario.

Miela Reina (Trieste 1935 – Udine 1972), pittrice, grafica, fumettista, scenografa e scultrice triestina. Laureata all’Accademia di Belle Arti di Venezia, grande viaggiatrice, fu molto apprezzata da Gillo Dorfles e una delle personalità più importanti e significative dell’arte triestina del secondo Novecento.

Artista originale e fantastica, capace di divertire, far riflettere e sognare attraverso invenzioni antesignane e ludiche, connotate dalla freschezza dell’intuizione e da una genialità lieve e profonda, rimase molto legata alla Sicilia, regione d’origine del padre, da cui aveva tratto, nella sua prima fase creativa, ispirazione, dipingendo, nell’ambito dell’espressionismo figurativo, personaggi e ambientazioni emblematici e, più avanti, magma materici che tendevano a sganciarsi dalla figurazione. Per poi passare a un’inclinazione più visionaria, che dal ’67 si trasformò in un segno netto.

Ideò anche originali storie a fumetti e ardite, poetiche sperimentazioni per il teatro, per la scuola e l’happening, decorazioni di edifici pubblici e motonavi. Punta di diamante, coraggiosa e sorprendente, dell’avanguardia triestina, attenta anche ai venti culturali dell’Est, partecipò per esempio più volte alla Biennale Musica di Zagabria: qui creò insieme al musicista Carlo de Incontrera una serie di lavori teatrali, dove, nel momento stesso dell’accadimento musicale, inventava in diretta sul palcoscenico fatti visivi particolarmente affascinanti. Al suo raffinato eclettismo e alla sua arte indipendente Trieste ha dedicato un teatro d’avanguardia che porta il suo nome e una scuola.

Titolo mostra: L’ARTE TRIESTINA AL FEMMINILE NEL ‘300 D’AVANGUARDIA ITALIANO ED EUROPEO

A cura di: Marianna Accerboni

Promossa da: Associazione Foemina APS di Trieste. Realizzata in coorganizzazione con il Comune di Trieste

Dove: Magazzino 26 del Polo museale del Porto Vecchio di Trieste (COME ARRIVARE: autobus linea 19, fermata Porto Vivo Porto Vecchio – Generali Convention Center)

Ǫuando: 24 luglio / 27 settembre 2026

Orario: giovedì dalle 16:00 alle 20:00 / venerdì sabato domenica (e festivi) dalle 11:00 alle 20:00

Biglietti: € 5,00

Info: www.triestecultura.it

Info e prenotazioni +39 335 6750946 / marianna.accerboni@gmail.com

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If you can meet with Triumph and Disaster and treat those two impostors just the same…

Le celebri parole di Rudyard Kipling, che accolgono i giocatori all’ingresso del Campo Centrale di Wimbledon, rappresentano il filo conduttore di FLYING RACQUETS, la mostra fotografica di Ray Giubilo dedicata al mondo del tennis professionistico contemporaneo, che si inaugura a Trieste, venerdì 17 luglio, alla Sala Leonor Fini del Magazzino 26, in Porto Vecchio, realizzata dall’Associazione culturale Triestebookfest, in co-organizzazione con il Comune di Trieste – Assessorato alle Politiche della Cultura e del Turismo, il contributo della Fondazione CRTrieste e la collaborazione di Aps comunicazione, curatore Aldo Poduie.

“Il titolo dell’esposizione – sottolinea il fotografo triestino di fama internazionale Ray Giubilo, la cui fotografia “It’s not Halloween” ha vinto il 2025 ITF Tennis Photo Award come migliore fotografia di tennis dell’anno e anche l’AIPS Award  come migliore fotografia sportiva del 2025 – nasce da un’immagine tanto familiare quanto simbolica per chiunque abbia vissuto il tennis da vicino: le racchette che, nei momenti di rabbia, gioia o frustrazione, prendono il volo sui campi di tutto il mondo. Un gesto che racconta meglio di qualsiasi altra cosa la natura di uno sport sospeso costantemente tra trionfo e sconfitta, tra esaltazione e delusione”.

La mostra presenta una selezione di oltre 60 immagini di grande formato (accompagnate da centinaia di scatti digitali), realizzate nel corso di quasi quarant’anni di attività fotografica di Ray Giubilo nei più importanti eventi internazionali del tennis.

Un patrimonio di esperienze e di sguardi raccolti sui campi dei tornei più prestigiosi del mondo e restituiti al pubblico attraverso un percorso visivo libero da rigide scansioni cronologiche.

“Protagonisti delle fotografie sono certamente grandi campioni (Federer, Nadal, Williams, Sampras, Djokovic, Alzarz, Paolini, Sinner solo per citarne alcuni) e i loro gesti atletici – afferma Ray Giubilo – ma anche tutto ciò che rende unico questo sport: le atmosfere dei tornei, la tensione dei momenti decisivi, i dettagli spesso invisibili a occhio nudo e quell’universo di luci, ombre e colori che soltanto la fotografia riesce a fissare nel tempo”.

Il colore rappresenta uno degli elementi distintivi dell’esposizione. Le immagini raccontano infatti il passaggio dal tennis delle racchette di legno e delle tradizionali divise bianche al cosiddetto “tennis moderno”: uno sport sempre più veloce, potente e spettacolare, caratterizzato da una continua evoluzione tecnologica e da ricchezza cromatica.

Questa stessa cromia che ritroviamo anche nella serie pittorica “Terra Rossa” dell’artista Federica Ramani, che partecipa alla mostra interpretando gli scatti più iconici e recenti di Ray Giubilo attraverso una tecnica dal forte impatto sensoriale: la fusione tra la cera dell’encausto e la reale terra rossa prelevata dai campi.

“Questa combinazione – spiega Federica Ramani – conferisce una tridimensionalità alla tela ed evoca un’esperienza sensoriale. La terra rossa diventa il medium artistico con cui do corpo e sostanza al movimento cristallizzato dall’obiettivo di Giubilo”.

La mostra invita quindi il pubblico a scoprire il tennis da una prospettiva inedita: quella delle emozioni, dei dettagli e delle storie che si nascondono dietro ogni punto giocato e ogni istante catturato dall’obiettivo.

Storie che saranno al centro anche di alcuni eventi organizzati da Triestebookfest alla Sala Luttazzi: primo appuntamento proprio il giorno dell’inaugurazione della mostra, per la presentazione del volume fotografico “Flying Racquets” (Allemandi Editore), in programma venerdì 17 luglio, alle 17.30, con Ray Giubilo in dialogo con l’inviato Rai Sebastiano Franco. Seguirà la visita alla mostra (ingresso libero a entrambi gli eventi).

Orari

Aperta dal 18 luglio al 20 settembre
Giovedì e aperture speciali 16-20
Venerdì, sabato, domenica e festivi 11-20
Ingresso libero

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“La flora nella filatelia mondiale del ’900” e “L’evoluzione del sistema postale” con una novità: sabato 4 luglio dalle 10.30 alle 15.30 sarà attivo il servizio di annullo filatelico gestito da Poste Italiane, pubblicato su Calendario Marcofilo del 10 giugno.

Nello spazio allestito ad hoc ci saranno cartoline che riproducono l’antico portone d’ingresso del Museo e sarà disponibile il catalogo della mostra “La flora nella filatelia mondiale del ‘900” che in 120 pagine riproduce le collezioni esposte.

La sala dedicata permanentemente all’eredità umana e ai lavori femminili ospita, infatti, fino al 26 luglio due importanti mostre di carattere filatelico e postale.

La prima, dal titolo “La flora nella filatelia mondiale del ’900”, è il frutto di decenni di raccolte e di mostre del dottor Duilio Cosma (1913-1998) che, attraverso centinaia di francobolli europei e dell’estremo Oriente, illustra le specie floreali e arboree esistenti.

L’altra mostra, intitolata “L’evoluzione del sistema postale”, racconta invece la storia della posta a partire dal monopolio avuto dalle famiglie Taxis e Thurn-Taxis dal ‘500 fino al 1867, per finire con le cartoline d’inizio ‘900.

Si può ammirare anche la corrispondenza che dal 1789 al 1824 intercorse fra i Granduchi di Toscana e i Meucci, medici fiorentini mandati a combattere il colera a Jassi, in territorio Ottomano (oggi Iasi in Romania), ma anche periodici filatelici degli Anni Venti, lettere con i primi timbri e poi con i primi francobolli dell’800 provenienti da tutto il mondo.

Infine, numerose cartoline – inventate proprio in Austria nel 1869 – spedite e ricevute durante la Grande guerra sia dal fronte austro-russo della Galizia, che da quello italiano dell’Isonzo.

Livio Nonis

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