Venerdì 8 maggio alle ore 20.15 presso la Casa della Musica in via dei Capitelli 3 a Trieste, il Circolo del Jazz Thelonious presenta il trio Ippio Payo (Josip Pavlov – chitarra /Martin Lehmann – tromba / Daniel Tanner – batteria).

Ippio Payo è l’alter ego del chitarrista di Monaco di Baviera Josip Pavlov. Composizioni strumentali si fondono in una trama poliritmica. Ipnotica e narrativa.

La musica di Ippio Payo matura fino a emergere alla luce del giorno da sola.

Come un pulcino che, non appena è il momento giusto, dopo giorni e settimane di maturazione nell’uovo, becca il fragile guscio per uscire alla luce con le proprie forze e dispiega timidamente per la prima volta ciò che un giorno lo aiuterà a spiccare il volo.

Alcune idee diventano allora rondini, che rendono l’estate a chi ascolta con attenzione, altre diventano condor, le cui ali possenti risuonano come le catene montuose delle Ande.

La musica di Ippio Payo si fa strada a tentoni, come uccellini che prendono il volo: a volte sbattono le ali come un colibrì, a volte volano maestosi come un albatro.

Le canzoni attraversano ogni confine – uccelli migratori che sorvolano l’Himalaya e navigano biotopi per migliaia di chilometri con precisione millimetrica – e trovano i loro ascoltatori in Croazia, Spagna, Francia, Australia. Popolano ogni habitat – dalla proverbiale isola deserta alla dura metropoli, dall’Artico alla mitologia: Aquila, Passero, Fenice, Grifone, Roc, Peng, Garuda.

Gli uccelli sono considerati messaggeri tra gli esseri umani e il mondo spirituale – in alcuni bar si può sentire anche questo. Altrimenti, Ippio Payo, come l’uccello, rappresenta la libertà stessa: perché Ippio Payo sono sempre e solo se stessi in ogni momento. La musica è libera.

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Martedì 28 aprile alle ore 20.15 preso il Knulp in via della Madonna del mare 7/a a Trieste, il Circolo del Jazz Thelonious presenta il Luigi Vitale Trio “Ning” (Luigi Vitale – vibrafono / Mattia Magatelli – contrabbasso / Gabriele Da Ros – batteria).

Un trio che è una assoluta rarità nel panorama del jazz in quanto vede, accanto alla ritmica di contrabbasso e batteria, il vibrafono.

Un repertorio formato da composizioni originali e standard. La grande tradizione del jazz Da Cole Porter a Thelonious Monk acquista nuova vita attraverso arrangiamenti e interpretazioni innovative mentre dalla penna di Luigi Vitale escono brani nuovi di zecca come A Music for Buster dedicato a Buster Keaton, icona del Cinema Muto, che Vitale omaggia con divertimento e una irresistibile gioia ritmica.

Interplay serrato, piacere dell’improvvisazione e cura del suono garantiscono una esperienza di ascolto da ricordare.

Vibrafonista e percussionista di origine campana. Figlio d’arte, fin da piccolo si avvicina al Jazz ascoltando i numerosi dischi della collezione paterna.

Nel 2002 si diploma con il massimo dei voti in Percussioni presso il Conservatorio di Salerno. Nel 2004 è vincitore del Premio Massimo Urbani e del Premio del Pubblico come giovane talento del jazz italiano

Svolge attività concertistica suonando con i musicisti più rappresentativi del Nordest in formazioni che spaziano dal Jazz tradizionale alla musica d’avanguardia ed ha all’attivo circa trenta registrazioni sia come leader che come sideman.

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Dopo il successo di My name is Nina, Euritmica torna con una nuova produzione dedicata a Miriam Makeba, una figura emblematica del ‘900, un mito della musica e della vocalità radicate nella cultura e nei linguaggi del Sud Africa e dell’Africa intera, di cui è stata bandiera e simbolo in un’epoca di emancipazione e lotte, e infine di liberazione, di molti Paesi e di un intero continente.

“Mama Africa” era il nome con cui veniva chiamata non solo per il suo impegno, ma anche per il calore e l’affetto che sapeva trasmettere al suo popolo, da sempre segnato — e ancora oggi ferito — da colonialismi e sfruttamenti. Miriam Makeba ha dato voce al Sud del mondo rivelandone l’inesauribile dignità e ricchezza umana.

Makeba è prossima a un doppio debutto: martedì 3 marzo, alle ore 20.45 è ospite al Teatro Pasolini di Cervignano; mercoledì 4 marzo, nell’ambito di Note Nuove (19° anno, sempre a cura di Euritmica), alle ore 20.00 al Teatro San Giorgio di Udine il secondo appuntamento.

Cuore e anima narrante della nuova produzione è Valerio Marchi che, come in altre produzioni analoghe dedicate a John Coltrane o a Nina Simone, racconta la vicenda umana e artistica di Mama Africa, in un intreccio stretto con le canzoni più note del repertorio di Makeba, arrangiate e interpretate dalla cantante Nicoletta Taricani, anche conduttrice musicale. E dalla band composta da ottimi musicisti della nostra scena jazz: Alfonso Deidda ai sassofoni; Giulio Scaramella al pianoforte; Alessio Zoratto al contrabbasso; Luca Colussi  alla batteria e percussioni.

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Dopo il successo di My name is Nina, Euritmica torna con una nuova produzione dedicata a Miriam Makeba, una figura emblematica del ‘900, un mito della musica e della vocalità radicate nella cultura e nei linguaggi del Sud Africa e dell’Africa intera, di cui è stata bandiera e simbolo in un’epoca di emancipazione e lotte, e infine di liberazione, di molti Paesi e di un intero continente.

“Mama Africa” era il nome con cui veniva chiamata non solo per il suo impegno, ma anche per il calore e l’affetto che sapeva trasmettere al suo popolo, da sempre segnato — e ancora oggi ferito — da colonialismi e sfruttamenti. Miriam Makeba ha dato voce al Sud del mondo rivelandone l’inesauribile dignità e ricchezza umana.

Makeba è prossima a un doppio debutto: martedì 3 marzo, alle ore 20.45 è ospite al Teatro Pasolini di Cervignano; mercoledì 4 marzo, nell’ambito di Note Nuove (19° anno, sempre a cura di Euritmica), alle ore 20.00 al Teatro San Giorgio di Udine il secondo appuntamento.

Cuore e anima narrante della nuova produzione è Valerio Marchi che, come in altre produzioni analoghe dedicate a John Coltrane o a Nina Simone, racconta la vicenda umana e artistica di Mama Africa, in un intreccio stretto con le canzoni più note del repertorio di Makeba, arrangiate e interpretate dalla cantante Nicoletta Taricani, anche conduttrice musicale. E dalla band composta da ottimi musicisti della nostra scena jazz: Alfonso Deidda ai sassofoni; Giulio Scaramella al pianoforte; Alessio Zoratto al contrabbasso; Luca Colussi  alla batteria e percussioni.

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Dopo aver stupito il pubblico di Udine&Jazz con un sensazionale sold out al Castello di Udine a luglio 2025, il visionario musicista britannico Jacob Collier torna protagonista alla 36ª edizione del festival internazionale con un nuovo sorprendente progetto che lo vedrà assieme alla Naonis Orchestra.

Nel prossimo mese di luglio il tour di Jacob Collier toccherà l’Italia per soli tre esclusivi concerti estivi, a Milano, Roma e all’Arena Alpe Adria di Lignano Sabbiadoro, il prossimo 14 luglio (inizio alle 21.30).

Per l’occasione il festival Udin&Jazz si muoverà dalla sua sede abituale, la città di Udine, verso la località balneare, per un evento che si preannuncia già come uno fra i più attesi dell’estate musicale del Friuli Venezia Giulia e appuntamento di sicuro richiamo anche stavolta per il pubblico estero.

I biglietti per il concerto saranno in vendita a partire dalle 16.00 di mercoledì 11 febbraio sul circuito Ticketone, online su www.ticketone.it e in tutti i punti vendita collegati. Info e prezzi su www.euritmica.it

Il visionario musicista britannico Jacob Collier annuncia tre appuntamenti speciali in Italia per l’estate 2026, accompagnato dalla Naonis Orchestra.

Un incontro pensato appositamente per il pubblico italiano, che mette in dialogo l’approccio radicalmente innovativo di Jacob Collier con la forza espressiva e la ricchezza timbrica di un’orchestra sinfonica. Un’esperienza musicale che supera i confini del concerto tradizionale, fondendo scrittura, improvvisazione, tecnologia e partecipazione del pubblico (e della stessa orchestra) in un linguaggio contemporaneo e inclusivo.

Vincitore di numerosi Grammy Awards, compositore, arrangiatore e polistrumentista, ha costruito una carriera capace di attraversare generi, tradizioni e pubblici diversi, collaborando con artisti di primo piano e portando sul palco una visione musicale profondamente personale.

La collaborazione con la Naonis Orchestra, eccellenza musicale e culturale del Friuli Venezia Giulia, amplia ulteriormente questo orizzonte, offrendo nuove chiavi di lettura al suo repertorio e creando un dialogo inedito tra scrittura orchestrale e libertà espressiva.

Il risultato è uno spettacolo pensato per valorizzare sia la complessità musicale sia il coinvolgimento emotivo e diretto del pubblico, in un equilibrio costante tra rigore e spontaneità.

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Dopo aver calato il primo asso con l’annuncio della superband di Marcus Miller e il suo tributo a Miles Davis (atteso il 15 luglio al Castello di Udine), ora un altro mito internazionale arricchisce il cartellone della 36ª edizione di Udin&Jazz che si terrà a Udine dal 9 al 18 luglio.

Si tratta del ritorno di Pat Metheny che approda nel capoluogo friulano per un’anteprima del Festival giovedì 2 luglio, alle 21.30, nel Piazzale del Castello e presenta in prima nazionale il suo nuovo progetto “Side-Eye III+”.

Si tratta di un chitarrista da record: i suoi oltre 50 dischi da leader hanno collezionato 39 nomination e 20 vittorie ai Grammy Award (e l’inclusione nella Hall of Fame di DownBeat).

È un artista che però non ferma la sua continua ricerca e dopo le nuove e ardite sperimentazioni sonore di MoonDial, ascoltate sempre a Udine poco più di un anno fa, veste oggi l’abito del mentore, del musicista che, pur già di livello assoluto, è sempre pronto a nuove sfide.

Con “Side-Eye III+”, infatti, Metheny trova nuove interpretazioni del suo iconico sound grazie alla collaborazione di talenti emergenti, con i quali ha impostato una sorta di laboratorio lavorando in perfetta sintonia.
“Side-Eye III+” è il terzo capitolo del format “Side-Eye”, iniziato nel 2021, che ha visto diversi giovani musicisti avvicendarsi al fianco del chitarrista.

In questo caso lavora con Chris Fishman al pianoforte (giovane ed eclettico pianista – ma anche compositore, produttore e sound designer – di Los Angeles); Jermaine Paul al contrabbasso (talentuoso strumentista californiano, apprezzato didatta e produttore) e Joe Dyson, virtuoso batterista della New Orleans’ Drum Legacy.

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Sabato 29 novembre, alle 21, il Teatro Zancanaro di Sacile accoglierà Mare Nostrum, il trio formato da Paolo Fresu, Richard Galliano e Jan Lundgren.

Il trombettista sardo, il fisarmonicista francese e il pianista svedese si incontrano in un territorio di confine che non assomiglia a nessun altro: un luogo poetico e sonoro dove jazz, folk e musica classica si intrecciano con naturalezza sorprendente, dando vita a narrazioni che attraversano l’Europa dal Mediterraneo alle foreste del Nord.

Con Mare Nostrum IV, il loro più recente capitolo discografico, Fresu, Galliano e Lundgren firmano dodici miniature che oscillano tra malinconia nordica e calore mediterraneo, piccoli film sonori capaci di tenere insieme la nostalgia della distanza e la gioia dell’incontro.

Un “mare di sonorità”, come è stato scritto, che oggi più che mai appare come un’utopia necessaria: un luogo dove ciò che unisce è più forte di ciò che divide.

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Saranno le voci di musiciste che si battono per la dignità, la libertà e la forza delle donne a risuonare nel Teatro Zancanaro di Sacile sabato 22 novembre alle 21, per il concerto del collettivo Les Amazones d’Afrique, ospite della rassegna Il Volo del jazz in collaborazione, per questo concerto, con Caritas della Diocesi di Concordia-Pordenone, Cinemazero e il progetto Gli Occhi dell’Africa.

Nato a Bamako nel 2014 dall’unione di tre icone maliane – Mamani Keïta, Oumou Sangaré e Mariam Doumbia – il gruppo è oggi un simbolo internazionale di emancipazione femminile.

Nel tempo il collettivo ha accolto artiste da tutto il continente e dalla diaspora, come Angélique Kidjo, Nneka o Rokia Koné, mantenendo intatta la propria vocazione: usare la musica come strumento di resistenza contro violenze radicate, discriminazioni, mutilazioni genitali femminili, mancanza di istruzione e libertà negate.

Da anni Les Amazones d’Afrique portano avanti questa battaglia attraverso un suono vibrante che unisce tradizioni panafricane, elettronica, pop contemporaneo e ritmi urbani, creando un linguaggio artistico capace di parlare al mondo intero.

Sul palco di Sacile arriverà una formazione potente e suggestiva: Mamani Keïta alla voce, affiancata da Fafa Ruffino e Alvie Bitemo, anch’esse voci principali del collettivo; Manu Chavanet alle tastiere e Xavier Pernet alla batteria completeranno l’organico.

Ognuna delle tre cantanti porta con sé una storia personale segnata dall’impegno sociale oltre che dalla creatività musicale. Mamani Keïta, tra le fondatrici, è una delle interpreti più autorevoli della scena maliana; Fafa Ruffino, beninese, è nota per la sua ricerca timbrica che unisce tradizioni locali e influssi afro-pop; Alvie Bitemo, originaria della Repubblica del Congo, unisce alla musica un forte attivismo, sottolineando come il collettivo sia un movimento culturale prima ancora che una band.

Acclamate dalla critica internazionale, con album inseriti nelle classifiche di testate come The Guardian e NPR e persino nelle playlist pubbliche di Barack Obama, le Amazones hanno calcato i palchi di festival come Glastonbury e Later… with Jools Holland. Dopo i primi due lavori prodotti da Doctor L, sono tornate con Musow Danse, realizzato con Jacknife Lee, un disco in cui si intrecciano hip hop, trap ed elettronica, aprendo ulteriormente il loro orizzonte sonoro senza tradire lo spirito originario. Ogni progetto porta con sé un messaggio preciso: la musica non è un semplice intrattenimento, ma un mezzo per scuotere coscienze e promuovere cambiamenti reali.

Negli anni il collettivo ha sostenuto la Panzi Foundation del dottor Denis Mukwege, premio Nobel per la pace per la sua opera a fianco delle donne sopravvissute alla violenza sessuale. Questa connessione con l’attivismo concreto è uno dei valori più profondi del gruppo.

Le proclamazioni che emergono nei testi – spesso intrecciando diverse lingue africane – non sono slogan, ma racconti di vita quotidiana e richiami a un cambiamento urgente.

Brani come Flaws, interpretato da Mamani Keïta e Fafa Ruffino, diventano inni al rispetto di sé e all’accettazione del proprio corpo, in un continente e in un mondo dove gli standard estetici continuano a essere una gabbia per molte donne.

Il concerto di Sacile sarà quindi molto più di una performance musicale: sarà un coro che dà voce a un’Africa complessa, giovane, vibrante e determinata; sarà un invito a guardare la realtà attraverso gli occhi di chi lotta per trasformarla; sarà un momento di arte che diventa testimonianza, e di testimonianza che diventa energia collettiva.

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Si apre ufficialmente domenica 2 novembre, alle 18 nel Teatro Zancanaro di Sacile, la nuova edizione de Il Volo del Jazz.

Il concerto che inaugura il festival è quello di U.T. Gandhi & Strings – Music for the World, un progetto orchestrale di rara intensità, impreziosito dalla presenza straordinaria di Enrico Rava, icona del jazz internazionale e da sempre punto di riferimento per intere generazioni di musicisti.

Pensato e prodotto da Accademia Naonis per la ventunesima edizione della rassegna, il concerto segna il ritorno sulla scena orchestrale di U.T. Gandhi, percussionista e batterista di lungo corso, figura centrale del jazz italiano, con la presentazione del suo nuovo lavoro discografico. Music for the World è una sintesi poetica di oltre quarant’anni di musica, incontri e viaggi: un mosaico di esperienze che si riflettono in un linguaggio sonoro originale, aperto e profondamente umano. In questo viaggio musicale Gandhi intreccia melodie e ritmi dal Friuli all’Asia, passando per i Balcani, l’Africa, le Americhe e il Giappone, in una continua ricerca di connessioni tra culture e sensibilità diverse.

Il cuore del progetto è la fusione tra composizione e improvvisazione, tra memoria e scoperta. Le percussioni di Gandhi dialogano con gli archi dell’Orchestra Naonis, creando un tessuto musicale che respira, vibra e racconta.

Su questo paesaggio sonoro si innesta la voce poetica della tromba di Enrico Rava, che con il suo inconfondibile fraseggio sospeso e lirico aggiunge al concerto una dimensione emotiva e spirituale. Rava, che ha condiviso con Gandhi numerose esperienze artistiche, non è qui un semplice ospite: la sua presenza rappresenta la memoria viva di un percorso comune e la conferma di un’intesa musicale profonda. Il dialogo tra i due – il suono rarefatto della tromba e il battito pulsante delle percussioni – si trasforma in un racconto sonoro che attraversa il tempo e le geografie del jazz contemporaneo.

Elemento essenziale del progetto sono gli arrangiamenti e la direzione orchestrale di Valter Sivilotti, musicista e compositore friulano noto per la sua capacità di unire rigore classico e sensibilità moderna. Nelle sue mani, la scrittura orchestrale diventa un vero corpo narrante: ogni brano si apre come una scena evocativa, dove archi, tromba e percussioni trovano un equilibrio dinamico, capace di fondere intensità ritmica e delicatezza melodica. Gli arrangiamenti, realizzati appositamente per questa formazione, restituiscono alla musica un respiro cinematografico, in cui il suono si fa racconto e la narrazione diventa emozione condivisa.

U.T. Gandhi & Strings – Music for the World non è soltanto un concerto, ma un viaggio nel tempo e nello spazio del jazz: un intreccio di culture, memorie e visioni che si riconoscono in una lingua comune, quella universale della musica.

È l’incontro tra tre mondi artistici diversi e complementari – la pulsazione di Gandhi, la poesia di Rava, la scrittura orchestrale di Sivilotti – uniti dal desiderio di cercare nuove prospettive di ascolto e di emozione.

Con questo appuntamento si apre dunque Il Volo del Jazz 2024, una rassegna che da oltre vent’anni porta a Sacile alcuni dei protagonisti più significativi della scena internazionale, confermandosi come uno degli spazi più vitali di incontro tra tradizione, innovazione e libertà creativa.

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Ali Hossein Mahdavi porta il progetto Lost Stop a Trieste, segnando il suo debutto italiano dopo accattivanti esibizioni in Austria, Azerbaigian, Germania e Repubblica Ceca. Creato a Vienna, questo progetto di trio ridefinisce i confini del jazz intrecciando influenze classiche iraniane in una cornice audace e contemporanea.

Come compositore, Mahdavi crea intricate narrazioni musicali, dove le sue espressive linee di pianoforte dialogano con i bassi profondi di Lukas Florian, mentre la batteria dinamica di Mark Holub alimenta groove mutevoli e svolte imprevedibili. Radicato nella tradizione ma proiettato in avanti con inarrestabile energia, Lost Stop è un viaggio in continua evoluzione fatto di spontaneità, contrasti ed emozioni pure.

Ali Hossein Mahdavi è un compositore, pianista e produttore viennese il cui lavoro unisce la musica da camera contemporanea, le tradizioni della musica iraniana e l’improvvisazione strutturata. Il suo mondo sonoro è plasmato da complessità ritmica, sonorità distintive e forma espressiva.

Nato a Teheran nel 1996, ha iniziato il suo percorso musicale con il tombak all’età di cinque anni, ha proseguito con la chitarra e ha iniziato gli studi di pianoforte classico nel 2007. Nel 2010 ha iniziato a produrre musica elettronica e hip-hop, che ha affinato la sua sensibilità per ritmo, texture e struttura.

Nel 2012 ha composto i suoi primi brani per pianoforte e creato le sue prime opere da camera, tra cui un duetto per violino e viola. Ha anche lavorato come direttore musicale e interprete in produzioni teatrali a Teheran. Nel 2015 si è trasferito a Vienna, iniziando quattro anni dopo uno studio autodiretto del jazz, che ha profondamente influenzato i sui lavori successivi.

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