Curata dal collezionista Mario Cionfoli di Vicenza, l’esposizione propone un percorso narrativo che attraversa epoche e contesti diversi e racconta come questo mezzo abbia ampliato le possibilità di movimento, lavoro e scoperta per milioni di persone.

Il racconto prende avvio nel 1815, quando il barone Karl von Drais ideò la draisina, primo prototipo di bicicletta in legno, nato come risposta a una grave crisi climatica che aveva ridotto drasticamente il numero dei cavalli. Da oggetto costoso e simbolo di status, la bicicletta si trasformò progressivamente in un mezzo sempre più diffuso, diventando strumento di lavoro, mezzo di spostamento quotidiano e protagonista di nuove forme di competizione sportiva, con le prime gare ciclistiche e i grandi eventi sportivi che contribuirono a trasformarla in un’occasione di riscatto sociale.

In mostra 62 biciclette storiche e contemporanee, provenienti dal museo “Bicicleria” di Vicenza, il Museo della Bicicletta di Salcedo (VI), la Collezione Renato Bulfon di Mortegliano e la collezione privata di Alessandro Gallici.

Tra i modelli esposti, figurano esemplari iconici della storia del ciclismo (come la Legnano di Gino Bartali del 1946, la Colnago di Tadej Pogačar, o la bici di Marco Pantani) accanto a biciclette che testimoniano l’evoluzione tecnica e progettuale del mezzo.

L’allestimento, organizzato in sezioni tematiche, è accompagnato da fotografie d’epoca, documenti originali e materiali d’archivio che illustrano l’evoluzione tecnica della bicicletta: dai telai in ferro e acciaio, all’alluminio e alla fibra di carbonio, dai primi sistemi meccanici fino alle innovazioni più recenti come il cambio elettronico e i freni a disco.

Ampio spazio è riservato anche al trasferimento tecnologico, per mostrare come molte innovazioni nate nel campo della bicicletta abbiano contribuito allo sviluppo di altri settori, dall’industria motociclistica e automobilistica fino all’aeronautica. In chiusura, uno sguardo al presente e al rinnovato interesse verso forme di mobilità più sostenibili.

La mostra mette in luce anche il ruolo della bicicletta nel processo di emancipazione femminile: la possibilità per le donne di salire in sella, inizialmente ostacolata da diffidenze e discriminazioni, rappresentò un passaggio importante verso nuove forme di autonomia. Figura simbolo di questo percorso è Alfonsina Strada, unica donna a partecipare al Giro d’Italia maschile nel 1924.

Con il suo intreccio di storia, tecnologia e cultura popolare, “Ruota Libera” invita il pubblico a riscoprire la bicicletta come uno degli oggetti più significativi della modernità. La mostra sarà visitabile fino al 30 agosto, dal martedì alla domenica; ogni prima domenica del mese è previsto l’accesso a prezzo ridotto.

Il calendario della mostra prevede inoltre eventi collaterali rivolti al pubblico. Per ulteriori informazioni: www.villamanin.it – info@villamanin.it – 0432 821211

ORARI MOSTRA

Dal 19 maggio al 30 agosto 2026

Da martedì a domenica dalle 10 alle 19

Ogni prima domenica del mese l’ingresso alla mostra è a prezzo ridotto

Aperture speciali: lunedì 2 giugno

BIGLIETTI

Intero – €7,00 (biglietto cumulativo mostra “Ruota Libera” + mostra Klimt €10,00)

Ridotto* – €4,00 (biglietto cumulativo mostra “Ruota Libera” + mostra Klimt €7,00)

Ridotto gruppi** – €3,00 (biglietto cumulativo mostra “Ruota Libera” + mostra Klimt €5,00)

Omaggio – Bambini fino a 12 anni non compiuti; accompagnatori di gruppi (1 ogni gruppo); insegnanti in visita con alunni/studenti (2 ogni gruppo); un accompagnatore per disabile; tesserati ICOM; giornalisti con regolare tessera in servizio.

Info e prenotazioni: telefono +39 0432 821211 email: bookshop@villamanin.it

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È un’opera che vale un viaggio. Perché “Nuda Veritas” di Gustav Klimt non è solo uno dei capolavori dell’artista viennese ma è un dipinto che intriga, e poi interroga, chi lo osserva. Spinge a riflessioni che vanno oltre la semplice ammirazione dell’opera.

Dal 21 maggio al 6 settembre viene esposto a Villa Manin di Passariano di Codroipo in una mostra dell’Ente Regionale per il Patrimonio Culturale del Friuli Venezia Giulia – ERPAC FVG con MondoMostre, in collaborazione con il Kunsthistorisches Museum e il Theatermuseum di Vienna.

L’esposizione è curata da Cäcilia Bischoff.

L’opera, concessa grazie alla collaborazione con il Kunsthistorisches Museum e il Theatermuseum, testimonia il prestigio raggiunto dal territorio friulano nel panorama artistico europeo.

“Nuda Veritas” è considerata una delle espressioni più intense della modernità artistica, capace di unire bellezza estetica e riflessione etica.

Il dipinto rappresenta una donna nuda, di una nudità volutamente esibita, persino sfrontata, totalmente diversa dalle rappresentazioni di nudi femminili dell’epoca. Questa è una donna sicura di sé, che affronta lo sguardo di chi la giudica, senza temerlo. La “Nuda Veritas” “con i suoi riccioli selvaggi e la bocca cattiva e fanatica” venne dipinta da Gustav Klimt nel 1899. È un olio su tela, di centimetri 252 x 56,2, conservato a Vienna presso il Theatermuseum.

Il fuoco aranciato dei riccioli e dei peli del pube spicca sul corpo bianco, calamitando lo sguardo.

Ma è una esibizione non destinata a catturare i sensi bensì l’intelletto. Perché la verità è potente, conquista l’attenzione, il palcoscenico, quasi. E nessuno può tenerla nascosta. L’occhio poi si fissa sullo specchio che lei tiene non rivolto a sé ma a chi la osserva: un invito a riflettere; quasi un gesto di sfida. Lo sguardo si allarga a un cielo perlaceo, iridescente, al serpente che risale la gamba della donna, ai carnosi fiori di magnolia…

Nulla qui è casuale, sembra di assistere, forse incapaci di decrittarlo fino in fondo, a un potente, vitale messaggio in codice.

Nel Salone centrale di Villa Manin, “Nuda Veritas” è allestita in modo elegante e, per così dire, senza tempo. Il contesto e gli approfondimenti sono riportati sui pannelli informativi a corredo. Nelle prime due sale, prima di arrivare al dipinto, vengono illustrati i legami di Klimt con l’Italia e viene presentata la sua biografia.

La sala successiva è dedicata ai molteplici livelli di significato dell’opera, poiché la “Nuda Veritas” è più complessa di quanto il titolo lasci supporre. Dopo aver potuto ammirare con calma l’affascinante capolavoro di Klimt, il tema delle “molte verità” viene ripreso in modo creativo. Infine, nell’ultima sala, il visitatore viene condotto nel mondo reale di Villa Manin con un riferimento alle decorazioni murali storiche.

Gustav Klimt fu uno dei protagonisti della Vienna moderna di fine Ottocento, contribuendo al superamento degli stili storicisti verso l’arte moderna. Il dipinto dialoga idealmente con gli affreschi di Louis Dorigny conservati a Villa Manin, che affrontano temi come desiderio, identità, bellezza e trasformazione. Villa Manin, luogo storico legato al Trattato di Campoformio, diventa così uno spazio di incontro tra memoria storica e arte contemporanea.

«La presenza della “Nuda Veritas” a Villa Manin rende possibile instaurare un dialogo tra questa riflessione sulla verità senza compromessi e un luogo che, in termini storici, segna anch’esso uno spostamento di paradigma», afferma Mario Anzil, vicepresidente della Regione FVG.

«L’opportunità di ospitare la “Nuda Veritas” di Gustav Klimt – peraltro alla sua ultima tappa espositiva – rappresenta un’occasione davvero eccezionale: un’opera che non si limita a essere ammirata, ma che interroga profondamente chi la osserva. Una scelta che assume un valore particolare anche per Villa Manin, dove si attiva un dialogo estetico tra la poetica klimtiana e l’identità architettonica della Villa, in relazione anche con gli apparati decorativi storici, generando un confronto capace di valorizzare entrambe», aggiunge Lydia Alessio-Vernì, direttrice generale dell’Ente regionale per il Patrimonio culturale – ERPAC FVG.

La mostra è accompagnata da un catalogo edito da Moebius.

BIGLIETTI E ORARI

Martedì – domenica dalle 10:00 alle 19:00

Apertura straordinaria: lunedì 1 giugno

Intero Klimt: €8,00

Ridotto* Klimt: €5,00

Ridotto gruppi** Klimt: €4,00

Intero cumulativo (mostra Klimt + mostra “Ruota Libera”): €10,00

Ridotto cumulativo (mostra Klimt + mostra “Ruota Libera”): €7,00

Ridotto gruppi cumulativo (mostra Klimt + mostra “Ruota Libera”): €5,00

Omaggio: Bambini fino a 12 anni non compiuti; accompagnatori di gruppi (1 ogni gruppo); insegnanti in visita con alunni/studenti (2 ogni gruppo); un accompagnatore per disabile; tesserati ICOM; giornalisti con regolare tessera in servizio.

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Sarà un viaggio nel mondo del cibo ma anche del futuro perché ridurre lo spreco significa restituire valore alla vita, scrive l’autore nella terza di copertina del libro che nel titolo sintetizza i concetti essenziali della pubblicazione: “Contro lo spreco. Cibo, valore futuro”, edito da Treccani con prefazione di Massimo Montanari e postfazione di Davide Rondoni.

Un libro che, fra i tanti spunti, propone la riflessione sul fatto che lo spreco alimentare sia una forma non solo di ingiustizia sociale anche di cattiva politica economica nell’uso sconsiderato delle risorse naturali che non sono illimitate.

Dove il superfluo si spreca, l’essenziale manca, un meccanismo perverso nel quale più si sperpera più l’ambiente soffre. Una strada che può essere invertita dando valore agli alimenti, non solo in base al prezzo ma ponendo l’attenzione su persone, natura e tempo.

Accanto alla curatrice e conduttrice della rassegna Margherita Reguitti, la gradita presenza nella conversazione con l’autore di Alberto Bollis, condirettore de Il Piccolo, che saprà aprire nuovi sguardi contemporanei sul tema che interessa tutti, dalle diverse e ampie ricadute.

Andrea Segrè, triestino, premio San Giusto d’Oro, agroeconomista e professore di Economia circolare e politiche per lo sviluppo sostenibile all’Università di Bologna è fondatore di Last Minute Market, direttore scientifico dell’Osservatorio Waste Watcher International e presidente della Fondazione Casa Artusi.

Lunga e qualificata la sua bibliografia, penultimo in ordine di tempo il saggio “La spesa nel carrello degli altri. L’Italia e l’impoverimento alimentare”.

La manifestazione è realizzata dalla Fondazione Abbazia di Rosazzo e dalla Livio Felluga, in collaborazione con l’associazione culturale Vigne Museum ed il sostegno della Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia e del Comune di Manzano, nell’anno dei 70 anni della storica etichetta della “carta geografica” che da sempre caratterizza il marchio Livio Felluga. Tutti gli appuntamenti trascorsi sono visibili sul canale YouTube “Abbazia di Rosazzo”.

È gradita la prenotazione all’indirizzo fondazione@abbaziadirosazzo.it, ingresso libero fino al raggiungimento dei posti disponibili.

Tutte le informazioni sul sito: www.abbaziadirosazzo.it e sulle pagine social.

Elisa Fucina

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L’evento è organizzato dalla Commissione di Storia del Comune i Aiello del Friuli e si terrà venerdì 19 giugno alle 20.30 in Sala Civica.

Di Furio parleranno i professori Alessio Fornasin dell’Università di Udine e Claudio Lorenzini dell’Università di Torino, che bene lo hanno conosciuto.

Nell’occasione sarà presentato anche il suo ultimo libro: “Mistri cargnelli in Istria“.

Tra lavoro in bottega, traffici economici e speculazioni finanziarie (secoli XVI-XIX.) Furio Bianco è stato docente di storia moderna alle Università di Trieste e di Udine, autore di importanti studi di storia economica che che hanno riguardato la nostra regine con particolare attenzione alla Carnia.

Il suo libro più conosciuto è “La crudel zoiba grassa” che parla della famosa rivolta friulana del 1511 e per il quale ha ricevuto il prestigioso Premio Nonino “Rist d’Aur” nel 1996. In questi ultimi anni era divenuto cittadino di Aiello del Friuli.

Livio Nonis

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Borgo Castello si prepara a diventare un palcoscenico internazionale per due serate all’insegna di musica, arti performative e cultura: venerdì 19 giugno, piazzale Seghizzi, con alle spalle il Castello, sarà la suggestiva cornice del primo dei due appuntamenti con “Intrecci di note in movimento”, rassegna che rappresenta l’elegante conclusione del Bando Borghi.

Alle 21.30 si esibirà un sodalizio artistico inedito e di assoluta intensità espressiva: il pianista e compositore Remo Anzovino, interprete acclamato a livello internazionale con più di 40 milioni di streaming sulle piattaforme digitali, dialogherà con la celebre compagnia Vertical Waves, in una performance straordinaria che lascerà gli spettatori a bocca aperta, grazie alla fusione tra musica e danza verticale.

La serata, curata per conto del Comune da VignaPR, sarà a ingresso gratuito. I posti a sedere sono disponibili fino a esaurimento disponibilità sul sito: www.eilo.it.

Si potrà assistere anche in piedi.

Lo spettacolo richiederà alcune modifiche della viabilità: venerdì 19 su tutto lo slargo centrale di piazzale Seghizzi non si potrà parcheggiare dalle 8 fino al termine del disallestimento, inoltre in Borgo Castello non sarà consentito transitare dalle 21 alle 23. Sarà permessa l’uscita dei veicoli eventualmente già parcheggiati sul posto secondo le modalità che saranno dettate dal personale di Polizia Locale presente. Si invitano gli spettatori a raggiungere Borgo Castello a piedi, per vivere appieno il fascino di uno dei tesori più preziosi della nostra città.

Nella serata di venerdì cinque performer, ovvero Carlotta Riva, Marianna Andrigo, Michela Lorenzano, Silvia Zotto e Valentina Squarzoni con il rigger Aldo Aliprandi, si muoveranno sui torrioni e le pareti del maniero, mentre le composizioni di Anzovino eseguite al pianoforte si diffonderanno nel cortile monumentale.

Le performance che si susseguiranno saranno in dialogo con la musica e l’architettura, lavorando su diversi rapporti di vicinanze/distanze tra le danzatrici e gli elementi del castello.

I costumi saranno variazioni di bianco con elementi di nero, scelta non casuale per giocare sul corpo come luce e ombra.

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Centoventi immagini per riscoprire ciò che abbiamo ogni giorno sotto gli occhi, ma che troppo spesso smettiamo di osservare davvero.

Sabato 18 aprile alle ore 18  inaugura a Casarsa della Delizia la mostra fotografica “Paesi di Temporali e di Primule – Autoritratto fotografico di un territorio tra memorie e presente”, progetto firmato dal Circolo Fotografico f/64, realtà interna alla Pro Casarsa della Delizia APS.

L’esposizione, allestita negli spazi espositivi dell’ex Municipio (Piazza IV Novembre 23), sarà visitabile fino al 28 giugno, nei fine settimana e nei giorni festivi, con orario 10.30–12.30 e 15–19.

Non uno sguardo nostalgico, ma un racconto lucido e contemporaneo.

Le fotografie restituiscono un territorio vivo, fatto di campagne curate, attività produttive e soprattutto persone.

Un viaggio visivo che attraversa Casarsa, San Vito al Tagliamento, Valvasone Arzene e San Giovanni, componendo il ritratto di una comunità dinamica, consapevole delle proprie radici e proiettata verso il futuro.

La mostra assume un valore ancora più significativo perché coincide con i 50 anni del Circolo Fotografico f/64. Fondato nel 1976 da un gruppo di giovani appassionati, il Circolo è diventato negli anni un punto di riferimento culturale locale, capace di documentare con sensibilità i cambiamenti del paesaggio e della società. Un percorso cresciuto anche nel segno dei grandi maestri, a partire da Elio Ciol.

L’iniziativa si inserisce inoltre nel calendario della 78ma Sagra del Vino, offrendo ai visitatori un’occasione di approfondimento culturale accanto ai momenti di festa. “È un omaggio al “paese” raccontato da Pier Paolo Pasolini – spiegano Giuliano Novello e Gianni Stefanon, tra i fondatori del Circolo, insieme ad Antonio Tesolin, presidente della Pro Loco –.

Un paese fatto di relazioni, gesti quotidiani e paesaggi che cambiano senza perdere identità. Le immagini invitano a fermarsi e riscoprire, con maggiore attenzione, la nostra Casarsa”.

Realizzata in collaborazione con la Città di Casarsa della Delizia, con il contributo del Consiglio Regionale del Friuli Venezia Giulia e con il patrocinio dei Comuni di San Vito al Tagliamento e Valvasone Arzene, la mostra vede anche la partecipazione del Centro Studi Pier Paolo Pasolini, della Zona Industriale Ponterosso Tagliamento e della FIAF.

Oggi il Circolo Fotografico f/64 continua a promuovere la fotografia come esperienza culturale e sociale, attraverso corsi, mostre, visite guidate e iniziative aperte a tutti.

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Dopo la chiusura di Giorgio de Chirico – La meccanica del pensiero, curata da Cesare Orler e visitata da oltre 11.200 persone, la Galleria Comunale d’Arte Contemporanea di Monfalcone presenta un nuovo progetto espositivo a cura di Giancarlo Bonomo, che propone due delle voci più riconoscibili della ricerca artistica isontina contemporanea.

Contaminazioni della Storia porta infatti nelle sale della Galleria il confronto tra Sandra Zeugna e Fulvio Dot.

L’esposizione mette a confronto due linguaggi distinti: la figurazione simbolica con sfumature Pop di Dot e l’informalità intuitiva della Zeugna, che affondano le radici nei movimenti espressivi dell’area isontina della seconda metà del Novecento e nell’Istituto Max Fabiani di Gorizia, sede elettiva della loro formazione.

A documentare questa genealogia, il percorso affianca ai quindici-venti anni di ricerca e sperimentazione dei due artisti una sezione dedicata alle identità storiche della scena regionale: Anton Zoran Mušič, Afro Basaldella, Giorgio Celiberti, Giuseppe Zigaina, Agostino Piazza, Klavdij Palčič e Cesare Mocchiutti.

Nel catalogo, edito da Gaspari editore, oltre ai testi del curatore, è pubblicato un saggio critico di Raffaella Rita Ferrari, project manager dell’evento espositivo, e un’antologia di scritti dedicati ai due artisti firmati da storici e critici di chiara fama.

Il progetto intende documentare la persistenza di una scuola di pensiero e di maniere espressive che rappresenta un fenomeno di portata regionale e nazionale.

Si rivolge a quanti apprezzano le declinazioni dell’arte contemporanea successive alle avanguardie storicizzate, nella considerazione che l’arte è anzitutto una concatenazione di fattori ed elementi consequenziali, specchio di realtà socio-politiche, culturali e antropologiche.

Il progetto si propone inoltre di coinvolgere studenti e giovani appassionati di quel passaggio generazionale dal Novecento alle realtà espressive odierne, di cui Dot e Zeugna sono al tempo stesso rappresentanza e rappresentazione.

Con Contaminazioni della Storia l’Amministrazione Comunale prosegue il percorso avviato dal piano triennale 2026–2028, che riconosce agli artisti del territorio un ruolo strutturale nella programmazione e traduce la produzione locale in un contenuto dotato di valore critico, integrato nel discorso contemporaneo in cui opera la Galleria.

“Negli ultimi dieci anni si è realizzato un vero e proprio rinascimento dell’offerta culturale a Monfalcone – osserva il sindaco di Monfalcone, Luca Fasan –. Solo nel 2024 si sono registrate oltre 30mila presenze a teatro, senza contare quelle della Galleria, del MUCA e del Festival letterario Geografie: risultati che sono il frutto di una programmazione costruita nel lungo periodo. La mostra Contaminazioni della Storia, con le opere di Fulvio Dot e Sandra Zeugna, rappresenta una scommessa: far dialogare due linguaggi espressivi completamente diversi, ma con caratteristiche ben riconoscibili. Un confronto tra correnti artistiche di grande spessore, che si può considerare una scommessa vinta. Sono inoltre previste visite guidate, fondamentali per accompagnare il pubblico nella comprensione più approfondita dei lavori esposti.”

“La Regione Friuli Venezia Giulia – dichiara il consigliere regionale Antonio Calligaris –partecipa con convinzione al piano triennale 2026–2028 della Galleria Comunale d’Arte Contemporanea di Monfalcone: una programmazione e una pianificazione che incarnano una politica culturale fondata su linee stabili e coerenti. In questa Galleria si sperimenta, si accostano grandi nomi della storia dell’arte a ricerche contemporanee con un percorso avvincente che qualifica il territorio e ne accresce la visibilità ben oltre i confini regionali”.

Il progetto è realizzato con il contributo della Regione Friuli Venezia Giulia e il sostegno della BCC Venezia Giulia – main sponsor.

Orari

L’esposizione è visitabile dal 25 aprile al 28 giugno 2026 con ingresso gratuito: il mercoledì dalle 10 alle 13, il venerdì, il sabato, la domenica e i giorni festivi dalle 10 alle 13 e dalle 15 alle 19.

La Galleria propone inoltre un calendario di visite guidate con appuntamento il venerdì alle 17.30, il sabato, la domenica e i festivi alle 11, alle 16 e alle 17.30.

Informazioni e prenotazioni all’indirizzo galleria.didattica@comune.monfalcone.go.it e ai numeri 0481 494177 / 371.

Gli artisti

Fulvio Dot si diploma in decorazione pittorica all’Istituto Statale d’Arte “Max Fabiani” di Gorizia e si laurea in Architettura all’Università di Venezia. Espone dal 1976 in sedi italiane e internazionali — da Grenoble a Québec, da Shanghai a Hong Kong, da Barcellona a Málaga — e partecipa ad ArtExpo Bologna, ArtePadova, Arte in Fiera Reggio Emilia e alla Fiera internazionale di Pordenone.

La sua cifra stilistica fonde principi architettonici, riferimenti simbolici e divagazioni astratte attraverso l’impiego di materiali eterogenei: colle, malte, stucchi, spaghi, vetroceramiche, stoffe catramate e teli militari. Vittorio Sgarbi, nel volume I giudizi di Sgarbi (Mondadori, 2004), colloca il suo lavoro nell’ambito dell’espressionismo informale e lo definisce capace di esplorare l’invisibile.

Sandra Zeugna avvia la propria ricerca come autodidatta e matura la sua maniera rappresentativa — ascrivibile alla sintassi informale — sotto la guida di Giuseppe Zigaina. Espone in personali alla Galleria Tartaglia di Roma, alla Galleria Sant’Isaia di Bologna, alla Galleria d’Arte Contemporanea di Trieste, alla Casa di Dante di Firenze e al Palazzo Pisani Revedin di Venezia.

Dal 2005 al 2011 partecipa ad ArtePadova e ad Arte in Fiera Reggio Emilia. Nel 2005 ottiene il secondo premio con la medaglia d’argento della Camera dei Deputati al Premio Agazzi (provincia di Bergamo, su 950 opere in concorso); nel 2006 vince il Premio Internazionale di Disegno di Trieste su 70 opere selezionate.

Francesca Scarmignan

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Uno sguardo conciso ma profondo sul vario e ricco percorso artistico di Wilhelm Heiliger viene proposto alla Portopiccolo Art Gallery a Sistiana (Duino Aurisina – TS) con la mostra “Transformazioni / Transformacije”, a cura di Pavla Jarc, che si inaugura sabato 16 maggio, alle ore 18.00, organizzata dall’Associazione culturale Casa Cave e promossa dal Comune di Duino Aurisina.

La selezione delle opere di pittura, su carta, fotografia e scultura rivela i principali sviluppi del pensiero creativo di Wilhelm Heliger e illumina le incessanti ricerche artistiche che l’artista porta avanti da oltre cinquant’anni.

Nelle sue creazioni, pur richiamandosi ad alcuni principi tradizionali della pittura modernista, emerge sempre un approccio originale ai temi visivi, un’iconografia profondamente personale e un intreccio tra la filosofia del gioco e il mondo meditativo del pensiero orientale – in particolare il buddhismo zen, che l’artista ha interiorizzato come via per percepire la realtà metafisica oltre le illusioni del visibile. Le sue opere astratte invitano lo spettatore a coglierne il ritmo e a viverle come una vibrazione sensibile dello spirito, aprendo la porta a un’esperienza intensa e a un piacere estetico.

“Heiliger si interessa principalmente al concetto di opera pittorica purificata” – spiega Pavla Jarc – “tipico della cosiddetta arte concreta, sviluppatasi nel secondo decennio del XX secolo, che si occupa esclusivamente di elementi pittorici autonomi, quali colore, luce, linea e forma. Come sottolinea il teorico tedesco Siegfried J. Schmidt, si tratta di un’arte nemimetica e generativa, che annulla la percezione sensibile della realtà visibile e si concentra sulla tematizzazione dei propri mezzi espressivi. È proprio in questo campo apparentemente autonomo degli elementi pittorici che si apre lo spazio del gioco in Heiliger – una sfera aperta di percezione, trasformazione ed esperienza interiore”.

La mostra sarà visitabile sino a domenica 21 giugno, con  il seguente orario: sabato 15-18, domenica 10-13/15-18 o su appuntamento telefonando al +39 3334344188 – Info: casacave.art@gmail.com

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Arriva dal 23 maggio al 12 luglio a Trieste un evento espositivo di straordinaria intensità poetica: la mostra Il Colore del Caso del fotografo George Tatge (inaugurazione venerdì 22 maggio ore 18).

L’esposizione, ad ingresso gratuito, curata da Carlo Sisi, è promossa dall’Assessorato alle Politiche della Cultura e del Turismo del Comune di Trieste e organizzata dalla casa editrice Magonza specializzata in arte e fotografia contemporanea che affianca all’attività editoriale progetti espositivi di ricerca in Italia e all’estero e collabora con gli artisti nella produzione di grafica d’arte e multipli.

Attraverso oltre 60 opere di grande formato l’artista — già celebre per i suoi bianchi e neri graficamente possenti — svela nella Sala Nathan del Magazzino 26 la sua conversione al colore, un viaggio interiore iniziato proprio tra le strade di questa città.

La mostra è il frutto dell’incontro avventuroso di un viaggiatore errante, mai sazio, dotato del suo inseparabile banco ottico Deardorff 13×18 cm, con gli elementi naturali, antropici o antropizzati, che non sono cercati, ma sono piuttosto trovati, accolti e quindi ritratti dallo sguardo dell’autore, attento, profondo e meditativo.

«A meno che non abbia una committenza specifica – racconta George Tatge – preferisco vagare senza un progetto prefigurato in testa. Trovo che in questo modo la mia mente sarà più aperta alle sollecitudini, alle sorprese, a quelle inaspettate epifanie. L’Italia è un paese così imprevedibile, con delle stratificazioni di storia sorprendenti ma anche piena di cose quasi banali che possono essere fonti di meraviglia. Confesso che è un modo faticosissimo di lavorare e non lo suggerirei a nessuno. Camminare per tante ore e sentirmi in ogni momento in gioco, misurandomi con il mondo, testando le mie capacità di vedere e di capire, sfidando il Caso. Sì, proprio il Caso. Siamo tutti frutti del Caso, dal momento in cui si combinano i nostri cromosomi. Il Caso è uno degli aspetti più originali e unici della fotografia e quindi è giusto giocarci. Mi ritrovo perfettamente in una dichiarazione di un pittore che ammiro moltissimo, Gerhard Richter: “Non seguo alcuni obiettivi, nessun sistema, nessuna tendenza. Non ho un programma, né uno stile, né una direzione. Mi piace l’indefinito, la sconfinatezza. Mi piace l’incertezza continua”».

Il percorso espositivo nella Sala Nathan del Magazzino 26 si snoda attraverso un’architettura narrativa sapientemente suddivisa in sei tappe tematiche che guidano l’occhio del visitatore in una progressione emotiva e visiva.

Ad accogliere il pubblico prima l’abbraccio di Trieste, seguito da una selezione di “Recinti” che si focalizza sul rigore della forma, e poi “Apparizioni”, istanti in cui luoghi comuni manifestano presenze illogiche e ironiche. Segue la sezione “Superfici”, un’esplorazione tattile e lenta della luce, della consistenza e della materia, dove il dettaglio diventa un universo da decifrare, seguita da “Vegetazione”, che segna un momento di riflessione critica: il caos naturale denuncia l’impatto drammatico dell’uomo sull’ambiente.

Il percorso si conclude con le sezioni “Metaspazi”, dove la poetica metafisica di Tatge si riveste di nuove tonalità senza perdere il rigore compositivo, in cui si alternano visioni di Livorno, Torino e Trieste che colpiscono per le loro ardite prospettive urbane, e “Colore” inteso come materia viva, incarnata in cumuli di tessuti industriali dalle forme vitali e sospese.

A suggellare l’esperienza della mostra è la proiezione del documentario “Light & Color” per la regia di David Battistella. Girato tra Livorno e la Toscana, il film di 28 minuti è un atto di generosità: Tatge permette alla macchina da presa di seguirlo nei suoi rituali silenziosi intorno al cavalletto del banco ottico Deardorff, svelando i meccanismi intimi di un’esplorazione cromatica rivelatrice. È un omaggio alla lentezza e alla precisione in un’epoca di immagini digitali effimere.

Il passaggio al colore, avvenuto dopo trentacinque anni di bianco e nero, rappresenta una “nuova strada” ispirata da una mostra di Odilon Redon a Parigi e incoraggiata dal desiderio di non distrarsi più dai significati, ma di lasciare che il colore stesso riveli i suoi segreti nascosti.

«Fino al 2012 – spiega l’artista – ho lavorato esclusivamente col bianco e nero. Trasformare il mondo in combinazioni di bianco e nero è già una metafora. È una sorta di trascendenza del reale in cui gli infiniti toni di grigio ci costringono a prestare più attenzione alle forme e ai significati dei segni più che a ciò che è raffigurato. È stato di nuovo il Caso a farmi cambiare radicalmente strada. Nel 2011, insieme a mia madre, alla mostra di Odilon Redon al Grand Palais, siamo rimasti perplessi dopo aver visto le tante sale dedicate ai suoi “Noirs”. Solo nelle ultime quattro sale abbiamo trovato i colori stupendi dei suoi dipinti così onirici. Motivo: non ha praticamente toccato il colore fino a giungere a quasi 60 anni! E così, mi sono imposto di tentare questa “nuova” strada. E il viaggio mi sta divertendo non poco. È un modo totalmente diverso di guardare il reale, dove ora è soprattutto il colore ad attirare il mio sguardo e a rivelare i suoi segreti nascosti».

Particolarmente significativo è il legame dell’artista con Trieste. È proprio qui che Tatge ha realizzato le sue prime fotografie a colori, colpito dalla metafisicità di Via Maestri del Lavoro o dalle trame rugginose delle finestre del Museo Revoltella progettate da Carlo Scarpa.

«Ero stato invitato a Trieste dall’elegante editore Simone Volpato a partecipare a un libro d’artista su Scipio Slataper. Così ho iniziato a vagare per queste strade stupende. L’albero della principessa, nome scientifico paulownia tomentosa, l’ho trovato in fondo a un vicolo, non mi ricordo dove. E poi la finestra del Museo Revoltella. Non sapevo che fosse stata disegnata da Carlo Scarpa! Ma ogni pannello sembrava un’opera d’arte astratta. In entrambi i casi erano i colori a colpirmi: quelli delicati dell’albero e le variazioni del colore ruggine della finestra. Via Maestri del Lavoro mi colpì per la sua metafisicità. Il palazzo in primo piano, con la vite rossa che sta coprendo la struttura proiettata verso i palazzi moderni, sembra quasi minacciarli che arriverà anche da loro, prima o poi! In mostra ci sono molte immagini in cui la natura si impossessa dell’opera dell’uomo».

Trieste, città che lo ha già insignito del Premio Friuli Venezia Giulia per la Fotografia nel 2010, diventa così il palcoscenico ideale per questa rassegna che, come sottolinea il curatore Carlo Sisi, trasforma la fotografia da semplice documento a pura metafora poetica, capace di dare dignità e maestà anche al più semplice oggetto disseminato nel paesaggio urbano.

«Trieste – conclude George Tatge – è stata anche il primo luogo che ho fotografato nel 1988, appena diventato Direttore della Fotografia alla Fratelli Alinari di Firenze. Trieste, nuovissima città antica, dove ho lavorato sul rione di Città Vecchia. Nel 2009 ho esposto la mostra Presenze, paesaggi italiani al Palazzo Gopcevich. Sono tante, quindi, le esperienze e i ricordi che mi legano a questa città. Per non dimenticare Italo Svevo, uno dei miei autori preferiti!».

Orari

Titolo della mostra: Il Colore del Caso

Artista: George Tatge

Curatore: Carlo Sisi

Sede: Sala Nathan, Magazzino 26, Porto Vecchio, Trieste

Periodo: 23 maggio – 12 luglio 2026

Orari: giovedì 16-20, da venerdì a domenica e festivi 11-20

Inaugurazione: 22 maggio ore 18:00

Ingresso: Libero

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Per l’artista si tratta della seconda mostra personale dopo “La musica dei colori” tenuta nella stessa Sala Eugenio Valentinis nel 2022.

Le opere rimarranno in esposizione fino al 20 giugno 2026.

Biasioli, monfalconese classe 1964, vanta una carriera radicata nella sperimentazione materica e nell’evoluzione stilistica, passata dall’artigianato artistico alle mostre collettive e personali.

La sua formazione unisce gli studi scolastici a un percorso da autodidatta. In particolare, il lavoro con il professor De Luca le ha permesso di esprimere la propria interiorità attraverso immagini oniriche e cromatiche.

Le tecniche spaziano tra acrilico, acquerello, pastelli e matite su tela o cartoncino, variando in base al messaggio.

Le sue opere, calde e avvolgenti, traspongono stati d’animo e concetti di rinascita, prediligendo volti femminili, natura ed elementi floreali.

Livio Nonis

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